《随心而行：肖恩·斯库利(SeanScully)艺术展》展览讲解词

1、随心而行：肖恩·斯库利（Sean Scully）艺术展19642014伦敦|纽约展览讲解词开篇：首先，在我们欣赏这些艺术之前，先为大家介绍一下这位大师。肖恩·斯库利是战后抽象主义绘画中一位重要的国际艺术大师，是一位70岁高龄的老爷爷。他1945年出生与爱尔兰，1975年移民美国，不过他创作的现在创作和生活于美国纽约、西班牙巴塞罗那和德国慕尼黑。斯库利迷恋中国功夫，25年里都在练习那些招式，而且，他还认真研读过中国的禅学、老子的道德经。和U2乐团主唱Bono建立了深厚友谊。Bono曾经形容斯库力为“灵魂的瓦工”肖恩创作形式很多，有油画、水粉和水彩画、素描、摄影和雕塑，绘画作品

2、呢中他早期创作是肖像为代表的具象绘画，后来他觉得抽象画更加普世化，一种任何人看到就可以立刻理解的绘画语言。我觉得抽象就是这样的语言，它有一种自然交流的能力。”他的创作非常倚重感情，他说自己总是想为近乎宗教式的原因创作艺术，用精神来引导创作，所以其实他画的就是自己的感受。很多人就问他说抽象画特别难懂，不能理解。但斯库利就不这么认为，他就说他的画在美国就很受小孩子喜欢，他们认为简单易懂。他说，估计是孩子们的感官认识超越了工具理性，他建议大家“不用去分析什么，凭借敏锐的直觉去感受，就好了。”现在我们就去感受一下吧。展品介绍：1、英格兰系列70年代grid1969年摩洛哥之行，启发他从具象转向抽象，他

3、发现当地一切景物，从床榻、桌椅到树木、天际线，都是几何图案的，但这又有别于工业生产方式下的标准化图案，摩洛哥织物的条纹图案和色彩给肖恩留下难忘的视觉冲击。1、 抽象艺术，在英国北部创作，当时流行概念艺术，理性和线性。2、方正的作品，首先加入了绿色和棕色，然后把作品掉个个，放上黄色，然后再调转方向，放入深红色，而深红色还是用了工业的方式，是把颜色喷上去，还用了胶带。所以这幅作品是讲艺术和工业材质的结合。可以称作是有一种所谓的负罪感的存在。另外它也是足够能够去在我前面说过的概念艺术盛行的这个环境下面，做一幅油画能够生存下来，能够留存下来。（我们现在所在的展区是他早期的作品，一些具象化绘画，当70年

4、代后，他开始对抽象艺术感兴趣，创作了这些画作，简单成为“英格兰系列”。当时他是在英格兰的北部在创作这些作品。在英国其实做油画创作当时还是很困难的。因为英国人他们其实思维方式非常不一样，当时我在创作这些作品的时间是在1970年也就是45年前，那个时候概念艺术是非常的流行，这些作品是很有体系性，不会用什么色彩，看起来的非常理性和线性。所以他的这些作品是融合了当时的风格。）2、1975年代美国系列大家背后这两幅作品是1975年他去了美国之后创作的，充满了极简主义和禅的风格。在当时，他在纽约生活还是很不容易，工作日会打一些零工，比如在建筑工地上做一些杂活货或者兼职教书，他会边打工边想，到底要去创作什么

5、样的作品，周末的时候他就会进行实际的创作，那做出来大家看到背后这个以黑色为主体的油画。这是当时他在纽约感到，受到了整个外部环境的威胁，但他就去学空手道了，我大概总共练空手道练了有二十五年，在这同时我其实也做了很多这种建筑工地上的零工，这些种种的工作让我去感到我身体里面的能量，包括我精神的这个能量，都是在不断地累计的，所以大家可以看到背后的这个作品，它虽然是颜色是这种很黑的灰暗的，但是我在创作的时候，是感到非常的开心和愉悦的。想大家看一下这个作品，就能看得出来，这个作品其实是非常有这种禅（音）的风格的油画，（我当时去创作的时候，我当时就在想，我有朝一日去了日本以后，我肯定会特别喜欢这个国家。等到

6、后面我有机会终于去了日本以后，发现我一点点都不喜欢这个国家。为什么我不喜欢日本呢？是因为我第一次去就是为了参加一个展览，但是我当时就觉得那边这些人都特别的紧绷绷，像这种螺丝拧的很紧一样，于是我就觉得好像我在那边都快被他们弄得要生病了，就感觉整个人石化了，然后刚刚我表演一下了走路的感觉，就像行尸走肉一样，好不容易勉强坐上从日本到曼谷的飞机，他觉得自己好像都快不行了，是不是在那边得了癌症，快要就撑不住了，到了曼谷机场下来以后，到酒店的路上，他在路边就看到一块硕大的广告牌，这广告牌是日本的丰田用的是英文（英文27：38），中间他发现Y这个字母，他有一个螺丝估计是松掉的，于是Y这个字母就歪向一边，整个

7、广告牌没有那么整齐，他当时就大舒一口气，觉得看到这个真的很舒服。结果到了酒店一个经历让他变得感觉更加好，到那个酒店，他觉得说要好好的养一养，就问他酒店前台的一个人说有没有约瑟夫康拉德的套房，这个人是很有名的一个作家，写过一本书叫黑暗之星，他以前住过这个酒店，这个套房，结果酒店的前台就像刚刚我们这个艺术家演示的一样，（28：20），就拍拍他的脸说，哎呀不好意思，你要一套房要提前一年订，现在绝对是订不到的，那他被人家拍了这下脸，觉得说这跟日本简直完全不一样，日本没有人会在做酒店前台的敢去拍人家客人，这样拍他的脸，于是他就感觉在那边是感觉恢复了，感觉好极了。）3、前与后80年代（颠覆了极简主义的）这

8、些是他80年代的代表作，在80年代的时候，他面临了很多的选择，要么就回过头来继续创作具像的油画，要么就不再去从事绘画，要么就是去改变做抽象绘画创作的方式，当时对他来说是一个有所谓的危机的时刻。所以当时他就做了一个非常独特的决定，就是把早期的具像派绘画用抽象的风格来创作，就实现了一个具像和抽象的融合，不管是它的主题还是画作的本身，还是他背后的这些指涉，然后把他们和这种抽象的创作进行揉合，这个就是揉合的结果。 那么这些作品就是他创作的结果了，整个的画风相对来说就会粗犷很多，有一种疯狂的感觉，在另外一个展厅有一件作品，也是这样的一个创作方法的一个代表，叫做后面与前面， 同样的，在1985年创作的作品

9、前面和后面（Back and Forth）中，总共有十一块这种板组成，而且整个画风就是可以看到相当的狂野，而且是很快就去把它画完的，这幅9米长巨幅作品试图用斯库利的语言绘制纽约摩天大楼挤压在一起的样子。最后他出来的结果，有点像音乐里面的朋克音乐，反映是在大城市的这种感觉，也就是说不像大家看到背后的这些作品，特别是这种冥想的结果，或者是有这种与世隔绝的这个风格，而是有一种非常激进的风格在里面。4、1982年作的黑暗之心（Heart of darkness）被认为是斯库利艺术生涯中最重要的转型作品：画面由大小不一的三部分组成，最左边的黑白横条纹，到中间的红黑横条纹，再到右面的黄黑竖条纹，这个有些奇

10、怪的搭配从颜色到比例都不和谐。斯库利曾解释过创作这件作品的背景，当他走在曼哈顿街头，途经一个邮局的后门，看到有人在为邮政车的进出口画方形标示。那些画标示的工人们显然不是专业画家，画出来的线和块参差不齐，但斯库利却发掘了它的美，立刻就去买了相同的黄颜色涂料，回来就创作了这幅作品。斯库利认为这些工人谱写在高楼林立的格子结构中的，才是曼哈顿最浪漫的风景。 5、这些像雕塑一样的作品，我是在80年代做了几年，一直到80年代末，那我的这个标题当时取的也都有很多这种指代意义的，比如说破布，或者是洗澡的人之类的，那我这些指涉包括一些文学，一些叙事，比如说我前面说的文学作品，叫黑暗之星，还有就是对于这种旅行河流

11、等等都会有很多的这个指代和引用。 其实到了80年代的晚期，我就开始去做，重新回到一种看起来像是一个平面的作品，而不是像原来这种雕塑风格特别独特，特别明显的这个作品，而在这幅作品里面，他其实不是一幅，而是三幅结合在一块，他在里面加了一些孔，在不同的平板之间还有一条缝，在这里是非常明显的。所以这件作品这个物理结构仍然保留过去一定的雕塑的风格，不过他依然保留过去的元素，不管是色块、色条，这些但是都是进行了重新的循环的利用。也就是把过去的东西，全都揉碎了，然后再进行重新的处理，除外在这件作品上，虽然它是平面的，你可以看到近和远的这个效果，他前面指的是上面这个是近，下面这个是远，所以在这样一幅平面的作品

12、里面，仍然还是可以看到这幅作品同时给出了你时间和空间的概念，而这个也是绘画的一个秘密，也就是它能够同时去立刻的去呈现时间和空间这两种元素，那我们艺术家也说这就是为什么他特别喜欢绘画的原因，因为可以让观者立刻去把所有的元素一览无余。6、三连画1、 最近创作，融入很多自然的元素。2、 向梵高致敬，名字分别是梵高居住的法国小镇、夜晚和梵高的名字。3、 三遍，第二幅是第一幅的肖像，第三幅是第二幅的肖像，颜色不同是在表现一天中光线的变化，比如中间这一幅，颜色稍微暗淡是因为到了午后，阳光没有那么强烈，而第三幅是到了下午，那么颜色以黄色居多。这个其实是像梵高的一个回归或者致敬，大家都知道梵高因为可能精神上也

13、不是特别正常，所以他用了很多黄色，那这幅作品用了黄色，还有绿色，所以这个其实是代表了我自己走过的一段旅程，而这样的一个三幅一模一样的绘画，也是我第一次如此创作。（这个作品其实大家可以看到是斯库利最近才作的，是在德国的工作室作的，这里面已经开始有很多自然的元素，随着他创作的年份越来越多，自然的元素就会更多的进入作品里面，那这个作品，它叫（英文），这里也有英文，又有德文，又有法文。第一个词指的是法国南部的阿尔弗（音46：02）小镇，这个是梵高他所居住的地方，第二个词是德文中夜晚的意思，第三个词Vincent是文森特梵高他的名。梵高其实就是让我去走上绘画道路的一个重要的艺术家，因为我15岁之后就不读

14、书，然后开始做各种各样的工作，但那个时候，我其实有一段时间，是不能够如愿去做艺术工作的，我还是要去打很多零工，然后下班以后去艺术学校进行学习。梵高他的作品当时我是觉得非常的直接，所以我能够理解他的作品，而且我一直记得梵高曾经说过一句话，他说他在做绘画创作的时候一定要非常的诚实，去忠实于自我。这三幅作品其实它的一个特点，就是同样的一幅绘画、油画，我在这里画了三遍） 7、figure in room1967年好我们请大家到大展厅。大家可以往左后方看一下，左边这幅方形是他的具像的作品，右边这幅是他做学生的时候的一幅作品。而在大家左前方的这幅作品是根据艺术家的观点可能是从某种角度来说，他最重要的一幅作

15、品。大家可以看到这看起来就像是一个城市的一个作品，而且从所谓的风格的角度来看，你其实是很难解读的。我认为创作艺术的一个很有意思的一点就是正确的就是错误的，而错误的就是正确的。我们前面这么说的原因是因为我觉得这样可以让艺术家有各种不同的可能性，那我在做这幅作品的时候，当时特别喜欢这些作品是在纽约的朋克音乐家，朋克摇滚音乐歌手。那边那幅作品叫做珍惜，对他来说也是非常著名非常重要的一幅作品。他是描绘是在一个地里的一个像人物一样的形象。8、李尔大家可以看到你后方这些作品是艺术家最近创作的作品，他希望用这些作品来回归到那些具体的非常大的这种主题，而他是希望通过抽象的角度来去解读这些主题，这些作品的名字叫

16、李尔。他的这个标题是来自莎士比亚的悲剧李尔王，李尔王有三个女儿。这幅作品其实三加三，左边的这三幅大家可以看到有黑白灰整个的这三幅他其实比较概念化的一种。在李尔王故事里面这个国王他只是把财富分给了两个女儿，而没有把任何的财富给第三个女儿，而第三个女儿，本身在故事里面就变成了一个巨大的，有巨大摧毁力的一个人。大家可以看到从左往右数，第四幅，他里面用了一些这种像棕色的颜色，这个感觉是会像是泥巴泥土的颜色，而在他右边的两幅，他的颜色相对来说就会鲜亮许多。9、光之壁1990年代大家看到海报上老爷爷穿着油漆工的装束在作画，画的就是光之壁系列。这一系列是他在游历世界各地后，他从自然中获取灵感而创作的。意义就

17、是：因为战争等种种原因，世界上有很多墙，但艺术是向善的，能够跨越这些墙的阻隔。在谈到2011年创作的光之壁地中海时他说道：“我试图展现地中海的生命感和热带温度，两道白色条纹，浅色光带代表天空，黄色让人想起沐浴在阳光下的田间玉米的金黄色，这幅画有着具象的浪漫诗意，又不乏严谨。”一位艺术批评家认为该系列作品为“乌托邦绘画”，由砖块形状的色块构成，色块间按水平或垂直的方式排列。我们再来看一幅油画之后，会跟大家来谈一谈雕塑。这幅作为红色的作品，是来自一个系列叫光之壁，这个作品其实是构建在一个不可能的概念上面，当然我们大家都知道你不可能有一整面墙都是由光组成的。大家可以看到这幅图里面他的网格都是手绘的，

18、而且它整个的这种像雕塑一样的风格能够让你感觉是属于一种过时的像音乐的旋律一样的感觉。 这个系列的作品我总共创作了约十年，那这些作品，我前面说过都是手绘的，所以他的这个色块，其实是相对来说不规则的，看起来好像大小什么都是差不多，但其实有的单元面积可能是另外一个单元的一半。10、2012年夜与日这幅作品是斯库利在2012年创作的，大家可能注意到我们艺术家很少会谈论色彩，是因为他几乎从不去思考色彩，也有别人问他关于色彩的问题，他的回答就是他从来不去思考这个问题。这幅作品也是一幅静作，他可能是可以看作对呀，后面看到的后与前这个系列作品的一个回应，那这个作品描述的是一个你从火车外面看到的景象，并且你看到这幅作品的时候，会感到这种火车的经过声音。我作完这幅作品，本来是在考虑要不要把它称为叫做夜火车，这个是想要去像詹姆斯布朗这样的一个著名的歌手去致敬，因为我本人其实和当代的摇滚是有非常大的联系，也是觉得他们的这种音乐，他这样一种重复的感觉，是我非常欣赏