舞蹈考研西方芭蕾史课后思考题重点大纲

西方芭蕾史思考题意大利早期芭蕾的源头是什么？它们各自在哪些方面为雏形期的芭蕾提供了养料？芭蕾，法语Ballet的音译， 是诞生于意大利， 兴盛于法兰西， 鼎盛于俄罗斯的欧洲古典学院派剧场舞蹈体系。这门艺术已有几百年的发展历史，追溯其起源，大体可分为以下几个方面：古希腊的舞蹈、古罗马的拟剧、中世纪杂耍者的艺术、意大利职业悲喜剧、法国和意大利宫廷舞会上的舞蹈、欧洲各国的民族民间舞。芭蕾的萌芽阶段上吸收这几个方面的养料，经过在古典主义审美理想的指导下的改造变形，成为了芭蕾艺术的重要组成部分。一、古希腊的舞蹈：（一）希腊是古代世界的文明中心，西方文明的发祥地以及西方艺术的主要源头，各种艺术形式都很发达。希腊的地理环境和古代希腊的民主政治制度都为舞蹈这种以人体美为中心的艺术的发展提供了有利条件。一个结实、健美的人体，在当年的希腊是受人尊敬和称羡的。古希腊人敢于在庄严的神庙或节庆仪式上展示裸露的身体，显示他们对人体美的追求，那个时代的舞蹈按其主要特征可以分为宗教礼仪舞蹈、战争舞蹈、家庭舞蹈和酒神祭舞蹈。神话贯穿在古希腊人的整个文学艺术创作中，舞蹈同样也与神话紧密相连。古希腊舞蹈的最大特点是舞蹈与朗诵、音乐的紧密结合，是综合性演出；往往歌者与舞者由一人兼任，载歌载舞。其次，这些舞蹈的动作简单，变化不多，主要是组成一些不同的图案；其三，当时以群舞为基本形式，注重共性和协调，而不突出个性，独舞的表演很少见。因此，古希腊的舞蹈在戏剧结构和演出形式上为雏形期的芭蕾提供了养料。二、古罗马的拟剧：公元前27年，罗马进入帝国时代，在罗马的奴隶主统治期间，古希腊文化艺术传入罗马，经过当地居民的消化改造，发展成了独特的“拟剧”艺术形式。在这种“拟剧”表演中，演员用手势和动作表现一定的故事情节，塑造性格，其原意是“用模拟再现一切。”拟剧盛行于罗马宫廷，发展很快，十分普及。到了公元1世纪，“拟剧”已用来泛指一切带面具表演故事的戏剧舞蹈形式。拟剧演员人数一般不多，通常由同一位演员，靠更换面具模仿不同人物的各种动作，以达到塑造不同性格的目的。通过拟剧表演，一方面消遣娱乐，另一方面也可起到喻世教诲的作用。拟剧中的音乐舞蹈较丰富，烘托情节发展，刻画人物性格。初期男女角色一律由男演员扮演，到 3— 4世纪才出现了女性拟剧演员。节目内容常常是滑稽可笑和轻松愉快的幽默讽刺。有时甚至拿皇帝和众神作为揶揄取笑的对象，触犯了统治阶级，最后遭到禁演。三、中世纪杂耍者的技艺：古罗马灭亡之后， 欧洲开始了一个漫长的历史时期， 史称“中世纪”即公元5世纪末到 17世纪中期。 中世纪的欧洲是以自然经济占统治地位的封建社会，既有着愚昧无知、残暴冷酷的一面又有着相当丰富的本民文化和民间节庆歌舞表演。早期封建社会，各国农村都会举办戏剧、歌舞和杂耍节目。这种世俗的欢乐违背了封建教会的禁欲主义，遭到他们明令禁止。然而民间仍偷偷演出，观众越来越多，并且在热心的业余爱好者中产生了第一批职业艺人，他们到城市中来，挣钱谋生。节庆活动中遗存了不少古代各国民间舞蹈的优秀成分，并流传到古典芭蕾艺术之中，成为后者的舞蹈部分的一个构成要素。杂耍者就是中世纪流浪艺人的一种，他们能歌善舞，往往拿着道具跳舞，这些舞蹈也是他们吸收民间舞蹈技巧自行编排的，花样众多，技术较高。综上所述，芭蕾艺术源远流长，在萌芽时期，它吸取了各种不同的养料，其主要者有三：在戏剧结构和演出形式上，早期芭蕾借鉴了希腊的悲剧和喜剧、罗马的拟剧乃至于中世纪的职业喜剧；罗马拟剧对芭蕾中的哑剧成分的形成起了重要作用；最初的芭蕾动作语汇，则更是直接搬用了当时的宫廷舞会上的舞步，以及整理吸收了以种种形式流传下来的欧洲民间舞蹈。第一部“真正的芭蕾”是在什么样的政治背景和文艺思潮影响下诞生的？它的表演形式有哪些主要特点及意义？芭蕾史上第一部“真正的芭蕾”的作品是在1581年，根据法国亨利三世的王后的命令， 由宫廷小提琴师博若耶编排为庆祝若阿耶兹侯爵的婚礼，时长 5小时，兼有音乐、舞蹈、 诗歌与杂耍表演的喜剧芭蕾 《王后的喜芭蕾》 。选材于古希腊神话中关于美丽女神喀耳刻的传说，这次演出因具有戏剧结构的雏形和人物形象，还有带插图的说明书进行佐证，因此被称为第一部“真正的芭蕾”。一、文艺思潮（思潮涌动的社会） ：《王后喜芭蕾》 是在文艺复兴的文艺思潮影响下诞生的。 文艺复兴是从 15世纪下半叶开始的。“复兴”即托古创新，是欧洲各国资产阶级掀起的一次反对封建统治的思想文化运动。其主张建立资产阶级新文艺，他们树立的大旗是人文主义，反对教会的禁欲主义，提倡个性解放，个性自由。文艺复兴运动赋予人类以冲破中世纪黑暗与压抑的热情与智慧。在文艺复兴运动的推动下，西欧各国的文学艺术都得到了不同程度的发展，芭蕾艺术也如此。二、政治背景：文艺复兴时期意大利是资本主义发展较为充分的国家，其各个城邦的君主为了炫耀自己的权力和财富，常举办节庆演出，其中包括舞蹈3M出。最为著名的是1489年在托尔纳，由贵族贝尔冈卓・奇・波塔承办的一次“席间芭蕾”。这是由男女贵族自己饰演的歌舞表演，其通过一些与舞会礼仪舞蹈相近似的舞蹈，表现希腊神话英雄伊阿宋偷盗金羊毛的故事。这类席间歌舞很流行，其中包括朗诵、歌唱、乐器演奏和舞蹈表演。随着意大利宫廷与法兰西宫廷的联姻以及文化交流，“席间歌舞”传入了法国。当时这种演出形式盛极一时， 其中最为宏伟、 最受推崇的是 1581年第一部“真正的芭蕾”的《王后喜芭蕾》。三、表演形式的主要特点（独特的艺术魅力） ：《王后喜芭蕾》是一种综合形式的表演，它兼有诗朗诵、音乐和舞蹈几个方面，其中舞蹈约占四分之一。当时的带有插图的说明书保留至今可以进行佐证。喜剧与芭蕾有机结合称为“喜剧芭蕾”。1581年，有了“芭蕾”这一新的称呼，与如今的不同，它是一种综合性演出。该舞在很大程度上借助复杂有趣的机关布景，成功原因很大程度上由于场面的壮观和特技的恢弘，真实反映法国宫廷纸醉金迷的缩影写照。作品开头的诗体歌词引导观众进入剧情，接着歌舞和朗诵穿插出现，其中的舞蹈哑剧成分较多，没有复杂的技巧，与音乐少有联系。四、重大的意义（流芳百世之作） ：（一）在舞剧的戏剧结构上，它第一次成功的把若干不同的故事情节放到一个完整的戏剧构架之下；（二）在舞蹈与音乐的关系上，虽然与后世的芭蕾相较，其音乐与舞蹈的关联较少，但它第一次明确的使动作和音乐之间的关系同步起来；（三）在舞蹈的构图上， 它第一次充分的体现出古希腊哲学家和数学家毕达哥拉斯“几何能够表现思想”的观念。其中大量使用了各式各样的圆形、螺旋形、三角形和四方形，从而通过无声的调度语言，表现出消除内乱、安定团结的和平理想；（四）其中有多种如 音乐、歌唱、朗诵、舞蹈和杂技等艺术形式的融合。综上所述，芭蕾是“西方文明的结晶”，欧洲各国资产阶级掀起的文艺复兴运动赋予人类以冲破中世纪黑暗与压抑的热情与智慧，意大利君主用于炫耀自己的权力与财富打的“席间芭蕾”传入法国，很快成为法国宫廷上至国王、下至官僚，自娱自乐，弘扬贵族风光，炫耀国力强盛的最好方式。在此背景之上诞生的第一部“真正的芭蕾”《王后的喜芭蕾》 ，其综合性和演出形式； 完善的戏剧结构； 音乐与舞蹈的同步； 用几何图形变化表达思想等艺术特征和意义不但使这一时期的芭蕾初见雏形，更为后世芭蕾艺术的形成奠定了重要的基础。法国宫廷芭蕾的三位奠基人是谁？他们在哪些方面作出了自己的贡献？芭蕾艺术的真正形成，是在路易十四执政的法国宫廷。路易十四本人很喜欢跳舞，从小就参加芭蕾演出。 1653在《夜》中扮演“太阳王”而青史留名。1670年32岁的他不再参加演出，成立了两个机构，即皇家舞蹈院与皇家音乐院，在他的大力提倡下，芭蕾逐渐兴盛起来，成为提高君王的威望以及显示法国国力的工具。且在路易十四的庇护下，宫廷芭蕾的发展中，吕里、博尚和莫里哀的贡献尤为突出。他们通过各自的努力，奠定了宫廷芭蕾的基础，形成了以“巴洛克”（豪华、浮饰、繁琐、夸张）为主体的演出风格，也逐渐的渗进了古典主义的审美趣味。他们对于法国宫廷芭蕾的贡献分别如下：一、让・巴布蒂斯特・吕里：吕里1632年生于意大利，后移居法国担任宫廷小提琴师和作曲家，为歌剧、芭蕾插舞和芭蕾舞剧写作音乐。1672年吕里被任命为皇家音乐院的首任院长。 吕里写过歌剧芭蕾 《爱情的凯旋》 和一批情节的娱乐性舞蹈， 如《夜》等等。他与莫里哀合作了芭蕾喜剧《讨厌鬼》 、《醉心贵族的小市民》和《心病者》 。他最大的贡献便是同法国著名喜剧家莫里哀一道，先后创造了“幕间芭蕾”和“喜剧芭蕾”这两种早期芭蕾的重要样式。吕里虽是意大利人，但长年生活和工作在法国宫廷剧团里，他深知宫廷芭蕾的艺术特点，成为法国宫廷芭蕾的奠基人， 17世纪下半叶的芭蕾则被史学家称为“吕里时期”。他的创作特点主要有以下这几个方面：其一，吕里迎合法国宫廷观众的趣味， 巧妙的运用意大利职业喜剧的优秀传统， 同时力图探索和创造新的形式， 使芭蕾逐渐从“出师”集锦向独立的芭蕾舞剧演变发展；其二，他利用具有一定节奏的诗歌朗诵作为旋律主线，将若干段“出场”串联在一起，使这些“出场”与剧情有了一定联系，而非纯粹的消遣娱乐；其三，他十分注意音乐与舞蹈的联系，由于他很热衷舞蹈技术，为博尚等舞蹈家提供了能自由发挥舞艺的芭蕾音乐；其四，吕里的音乐节奏明快，宁静和活泼相互交替出现，节奏画面丰富多样。 他的创作不仅形成了“吕里时期”的独特风格，同时也为法国宫廷芭蕾以及 17世纪法国古典芭蕾立下了汗马功劳。二、皮埃尔・博尚：博尚1636年生于凡尔赛，祖父是小提琴师，父亲是著名乐师兼编舞者，他从小就进入巴黎宫廷剧团担任乐师和舞蹈演员。 1661年，博尚被路易十四任命为新成立的皇家舞蹈院的院长。他与吕里、莫里哀等人紧密合作，创作了几乎全部的宫廷芭蕾， 出任院长期间， 他的最大贡献是将芭蕾流传至今的五个手位脚位加以规范。 博尚舞艺很高，将哑剧与舞蹈技巧结合在一起用以解释一切，娱人眼目。吕里的新颖的芭蕾音乐呼唤着新的舞蹈形式，在这方面博尚做了不少努力，在这之前，宫廷芭蕾“出场”仅仅是支离破碎，并不连贯的舞蹈节目。经过十几年的发展，法国宫廷芭蕾中出现了具有简单情节，节奏清晰，舞蹈性强的伴奏音乐和比较复杂的舞蹈技巧。“博尚的舞蹈反映了凡尔赛的风格和感情，他的“出场”、加沃特和小步舞在出色的曲线中一一展现。”他的技巧超越了花样，他采用“花样芭蕾”作为基础，几何图形、对称和正面队形仍旧是博尚编排的舞蹈的主要特点。但是，古典主义的审美，宫廷贵族追求富贵华丽的趣味，打破了过去的千篇一律，刻板乏味的编舞习惯，随着舞蹈音乐的革新和舞蹈技术的发展，在博尚的作品中出现了打破缓慢舞蹈的穿插小跑，手臂、躯干的姿态也有了不少变化。三、莫里哀：莫里哀，原名让・巴蒂斯特・波克兰，法国喜剧作家、演员、戏剧活动家，同吕里一起创造了“幕间芭蕾”和“喜剧芭蕾”这两种早期芭蕾的重要形式。他是法国 17世纪古典主义文学最重要的作家， 他在欧洲戏剧史上占有重要的地位。其第一个喜剧芭蕾《讨厌鬼》突破宫廷芭蕾惯例，采用中世纪宗教戏剧的道德喻义手法，以舞蹈为手段，刻画了现实生活中形形色色的讨厌鬼，这是使舞蹈戏剧化的成功之作。此后，莫里哀一共创作了 12部喜剧芭蕾，其中最为著名著名有 《贵人迷》 、《逼婚》，都是以舞蹈为刻画人物性格的手段，以舞蹈场面烘托戏剧气氛， 通过音乐、 舞蹈为戏剧情节服务，三者有机的交织起来，成为整体，这构成了莫里哀喜剧芭蕾的独特魅力，也为后世舞蹈编导提供了可贵的经验。综上所述，法国宫廷芭蕾三位重要的奠基人——吕里、博尚、莫里哀，分别从音乐、舞蹈以及戏剧情节三个方面，以他们的最大优势与技艺紧密合作，创作了几乎全部的宫廷芭蕾，在路易十四的大力支持之下，吕里探索和创造着新的音乐形式，为舞蹈提供可自由发挥舞艺的音乐，同时寻求舞蹈与剧情的联系；博尚在其中探索着新的舞蹈形式，使法国宫廷芭蕾中出现了具有简单情节、节奏明晰、舞蹈性强的伴奏音乐和比较复杂的舞蹈技巧；莫里哀以舞蹈为刻画人物性格的手段，以舞蹈场面烘托戏剧气氛，通过音乐、舞蹈为戏剧情节服务，使三者有机结合。正是他们的共同努力与不同方面的贡献，为法国宫廷芭蕾奠定了基础，同时也为前浪漫主义芭蕾的兴起做好了准备。法国皇家舞蹈院对欧洲芭蕾的历史性贡献是什么？法国皇家舞蹈院是 1661年路易十四下令成立的皇家舞蹈院，由 13名最有经验的舞蹈老师组成。 25岁的博尚任命为院长。路易十四在敕令中指出。“在战乱期间，在芭蕾艺术中一样出现了众多庸才，他们从事芭蕾教学，将它歪曲的面目全非。”因此，国王下令院士“讨论舞蹈问题，设计和改进舞蹈手段，纠正现有可能发生的滥竽充数的情况。”这个决定给欧洲芭蕾带来了历史性贡献，其中有三个方面：一、古典芭蕾美学形成：遵照国王旨意，博尚带领院士们在卢浮宫附近的“木剑”酒馆每月开会一次，挑选收集到的舞蹈队形、花样和动作，按宫廷审美规范将它们分类整理并定名，这些动作名称一直沿用至今，成为古典芭蕾术语的基础。古典芭蕾的一些主要原则，如“（双腿）外开”，脚的五种位置，也都是皇家舞蹈院制定的，他们构成了古典芭蕾美学的核心。二、舞蹈教师资格考核：皇家舞蹈院定期考核舞蹈教师，给审核及格者颁发证书，只有持证者才有资格担任教师。到 20世纪中叶，这一优良传统由英国切凯弟学会继承，后演变为英国皇家芭蕾舞蹈学院教师资格考试，同样，只有获得教师资格证书的人才能从事芭蕾教学工作。这也在很大程度上保证了舞蹈教师的正规化。三、作品及表演方面：皇家舞蹈院创作了一批舞剧，使法国宫廷芭蕾中出现了具有简单情节，节奏清晰、舞蹈性强的伴奏音乐和比较复杂的舞蹈技巧；同时还培养了一批舞者，随着舞蹈技术的日趋成熟，作为戏剧舞蹈的芭蕾开始正式化，表演者的队伍开始发生明显的变化，只有受过严格训练的专业舞蹈演员才能胜任博尚编出的舞蹈，因此，专业的芭蕾队伍开始形成。综上所述，皇家舞蹈院虽存在时间不长，但其对芭蕾技术的规范、整理和提高不仅提升了芭蕾的艺术水平，为前浪漫主义的兴起作了铺垫， 更奠定了欧洲芭蕾的审美和技术规范的基础， 为今后的芭蕾科学研究工作开辟了道路。启蒙主义文艺思潮对前浪漫主义芭蕾有过哪些主要影响？18世纪，欧洲资本主义经济有了很大的发展， 但封建阶级的政权仍未彻底推翻， 这就严重地妨碍着新的生产力的进一步解放。法国在当时是欧洲最强大的统治帝国。在法国，新兴的资产阶级仍居于被压迫、被剥削的地位，为了自身利益， 他们联合了第三等级的其他居民结成广泛的反封建联盟。 这个反封建的思想文化运动在历史上称为“启蒙运动”。孟德斯鸠、伏尔泰、狄德罗、卢梭、霍尔巴赫等先进知织分子主张向平民百姓灌输科学文化知识，这些人物被称为 "启蒙义者”。 启蒙主义者展开了极其广泛的舆论宣传准备工作， 对于芭蕾艺术的主要影响有以下几个方面：一、舞蹈之于哑剧——情节化影响狄德罗和卡尤扎克在其《百科全书》的“舞蹈”这个条目中明确指出："舞剧不同于歌剧，舞剧是为戏剧行动准备了歌唱和舞蹈，而歌剧则是戏剧行动为插入性舞蹈表演作了准备。”狄德罗对舞蹈本质作了探讨。他说：“舞蹈之于哑剧 "，“舞蹈是诗，这种诗应该有自己的表现内容。这是用动作作为手段来进行模仿，它要求诗人、美术家和音乐家和哑剧演员通力合作， 这种诗具有自己的情节， 这种情节又可以分为幕和场， 每一场有白己的互相联系的宣叙调，自己的小咏叹调。”而伏尔泰则从历史和神话中吸取悲剧和正剧的情节，这种做法启发了芭蕾艺术——这些神幻、神奇的情节和处理手法。在很大程度上影响过舞蹈改革家诺维尔。二、舞蹈之于歌剧——独立化影响法国百科全书派也批评当时的芭蕾舞剧。说它不应该成为机械插入歌剧的单纯消遣性的娱乐节目，认为舞蹈完全可以在歌剧中占据一席位置，并具有可以独立存在的艺术形式。卢梭在《歌剧》一文中论述了文学台本、首乐和绘画的关系，他尖锐地批评了插入性舞蹈。三、舞蹈之于自然——现实化影响18世纪法国芭蕾的审美理想是在古典主义和启蒙主义的直接影响下形成的，他们奉行“艺术要模仿自然”，艺术既要根据自然， 又要超越自然， 艺术美是一种理想美。 启蒙主义者猛烈抨击宫廷芭蕾的浮华纤巧、 华而不实的“洛可可"风格，提倡现实主义表演风格，这些思想都对后来诺维尔倡导的舞蹈改革也有过重大的影响。综上所述， 18世纪下半叶的法国芭蕾舞台上各种流派同时并存， 但主流是保守的，因此受到了狄德罗、卢梭和格林等人的尖锐批评。总的来说，在启蒙主义思想影响下发展起来的欧洲古典芭蕾艺术从艺术风格上说是前浪漫主义的，它孕育着 19世纪30年代初露头角的浪漫主义芭蕾的一些特征，在人才上和创作上为后者作了准备。诺维尔及其舞蹈改革思想18世纪下半叶是世界芭蕾史上的重大时期， 资产阶级力求将芭蕾舞剧引导到自己的趣味的轨道。 这时欧洲资本主义经济有了很大的发展，但封建阶级的政权仍未彻底推翻。在法国，新兴的资产阶级联合第三等级的其他居民结成广泛的反封建联盟。孟德斯鸠、伏尔泰、狄德罗等启蒙主义者开启了启蒙运动，启蒙主义者展开了极其广泛的舆论宣传准备工作，芭蕾艺术也受到他们积极的影响，又在很大程度上影响了舞蹈改革家诺维尔。一、诺维尔生平简介诺维尔是18世纪前浪漫主义芭蕾的杰出代表、法国著名舞蹈革新家，自幼师从路易・杜普莱，后在巴黎歌剧院附属舞蹈学校学习过。 1742年首次登台献艺，担任过演员和编导。 1754年排出自己第一部芭蕾舞剧——《中国的节日》。1755年-1757年，两次与著名表演艺术家哈里克去英国访问演出。与加里克的合作使诺维尔获益匪浅。他决定放弃原来单纯对美的追求，把注意力集中在舞蹈的情节性。这是他一生中的一个转折点。在 1760年，发表了《舞蹈与舞剧书信集》 ，提出了一整套舞蹈革新理论。二、舞蹈改革思想诺维尔一生创作巨多，仅有记载可查的就有 80部舞剧， 24段歌剧插舞和 11个娱乐性舞蹈，但由于饱受歧视和打击，大都没有流传下来。 他对世界芭蕾史的重大贡献主要在于他提供了舞蹈革新理论。 《舞蹈与舞剧书信集》 这本书涉及问题广，几乎涉及芭蕾艺术的所有方面。诺维尔在这本书提供的舞蹈改革思想大体可以归纳为以下五点：（一）情节芭蕾“情节芭蕾”是诺维尔革新思想的核心，贯穿全书始终。他明确指出，舞蹈分为两类：第一类是机械的或者说技术性的舞蹈，第二类是哑剧的或者说情节性的舞蹈。前者只向眼睛说话，用它们的动作对称、辉煌舞步…来取悦于人。这一切又是舞蹈的物质方面。后者统称为“情节舞蹈”，是舞者的灵魂。它给予前者以生命和表现力，在娱人眼目的同时感动心灵，用扣人心弦的激情充满心灵。他进一步指出：戏剧行动不是别的，正是哑剧。（二）大自然的重要性主张大自然是唯一的审美对象、灵感的源泉，是情节芭蕾的范本。“诗歌、绘画和舞蹈都是，或者说都应该是对美妙的自然界的忠实模仿。”他还进一步指出，也不能盲目复制自然，艺术应该斧正自然，上升到理想美的境界。（三）重视戏剧结构，强调舞剧特殊性诺维尔指出，“舞剧不是话剧，三一律对它不适用，但要求遵守构思的统一，各场均应彼此互相联系，奔向同一个目的”。（四）重视情感表达，反对偏重舞蹈技巧少用高难度动作，多运用面部表情。表演中少使些蛮劲，多用点心智，要精神和身体并重。（五）强调舞蹈艺术家的全面修养诺维尔多次指出，一位舞蹈家“必须首先具备才华！没有热情，没有想象力，没有高雅情趣，没有知识”，是不可能成功的。只有通晓“历史、神话、古诗、科学知识，才能有希望在舞剧创作中有所成就”。舞蹈编导“必须研究绘画”，也要研究解剖学，对音乐有实际的知识，只有对每行科学都知道一些，通力合作，美化我们的舞蹈艺术，才能使之发扬光大。三、影响及其意义作为一位杰出的舞蹈改革家，诺维尔的思想，尤其是其“情节芭蕾”的主张，对后世发生了巨大的影响。特别是20世纪30年代苏联戏剧芭蕾的始作俑者从《书信集》中汲取了有益的营养。诺维尔的改革意义在于他把 18世纪受到革命洗礼的先进的法国资产阶级的思想原则灌输到了芭蕾舞剧中，要求剧院不要成为空洞的华丽的娱乐，而要成为严肃的有意义的演出，在舞台上体现启蒙主义时代的基本思想。综上所述，诺维尔作为杰出的舞蹈改革家，提出的“情节芭蕾”的主张对后世影响颇深。他强调舞蹈不应是歌剧的附庸，或身体的杂技，而应是情节自然，“没有对话的戏剧”，因而被英国戏剧界誉为“舞蹈的莎士比亚”。舞剧《关不住的女儿》的思想成就、艺术特点和重大意义是什么 ?多贝瓦尔在哪些方面继承实践了诺维尔的理论主张 ?多贝瓦尔，生于 1742年，原名贝尔舍，是一位技艺高超的半性格舞蹈演员，更是诺维尔的弟子和继承人，曾创作了《关不住的女儿》 、《逃兵》等舞剧作品。同时，又培养了一批富有才华的演员如皮克、狄德洛等。在他所创作的舞剧中，首演于 1789年法国波尔多市的两幕三场古典芭蕾舞剧《关不住的女儿》最为著名。该剧通过一对青年男女自由恋爱的故事，体现了反对等级制度，争取婚姻自主的反封建的主题。是活在今天芭蕾舞台上的古老的芭蕾名作，也是最早一部反映当时法国第三等级平民百姓的现实题材舞剧。而对于该舞剧主要从以下几个方面进行剖析：一、对诺维尔理论的继承实践多贝瓦尔深受老师诺维尔的影响并将其思想应用于舞剧创作之中。由于诺维尔所排舞剧全部没有保留下来，因此就要从他的弟子多贝瓦尔的舞剧中探求其芭蕾革新思想在舞台中的实践。而舞剧《关不住的女儿》中也可发现一脉相承之处。（一）继承了诺维尔革新的思想核心——“情节芭蕾”诺维尔认为 :“情节舞蹈”是舞者的灵魂。它给予了技术性舞蹈以生命和表现力，在娱人眼目的同时感动心灵，用扣人心弦的激情充满心灵。”受其影响，才造就了多贝瓦尔的创作富有民主主义倾问，反映现突生活，着力塑造 “第三等级”代表人物的鲜明性格之特色。所以说诺维尔是情节芭蕾的倡导者，而多贝瓦尔则是情节芭蕾的实践者。（二）继承了诺维尔强调的表现形式——“哑剧”为了使舞蹈脱离戏剧而成为独立表演形式， 必须使其自身具备与戏剧一样的情感表达能力。 所以诺维尔就指出：“戏剧行动不是别的，正是哑剧”，这也是该舞剧以哑剧为主的主要目的，同时也符合芭蕾艺术历史发展规律。多贝瓦尔在创作中，也肯定了“哑剧”的地位。他认为“哑剧善于描绘，甚至比台词更强烈、更好”。（三）继承了诺维尔独特的思想意识——“模仿自然”多贝瓦尔在实践中别具匠心地找到了一个特殊的诗意角度来表现各种司空见惯的生活现象。 这也充分体现了诺维尔提出大自然是唯一的审美对象、灵感源泉，是情节芭蕾范本的主张。以及他在摹仿自然基础上，美化自然的审美思想。使“情节芭蕾”结出了最初的果实（四）继承了诺维尔提倡的创作原则——“真实”公演后两个星期， 巴黎就爆发了攻打巴士底狱的行动， 揭开了法国大革命的序幕。 诺维尔曾说，“舞台应是人生的真实图画。”而这部舞剧，也正是顺应了第三等级的真实反映普通百姓生活的要求。 才能一扫芭蕾舞坛以古希腊、罗马神话故事为主的陈规旧习，受到观众的热烈欢迎。二、作品自身的艺术特点（一）构想多元，角度独特该剧的前期构思曾经受到波杜安于 1764年所做的一幅版画、喜剧《塞维里亚的理发师》以及 18世纪流行于法国的喜歌剧的启发。其灵感源泉的多元化则影响了他决定在表演上采用意大利即兴喜剧的传统手法，并一反神话题材的惯例，将平民生活搬上舞台，以特殊的角度来诗意化司空见惯的生活现象。（二）结构清晰，情节精彩舞剧采用写实的手洁，富有舞蹈特点。较多地利用了生活中的服装和舞蹈动作，使剧情便于理解的同时，也展现出其简明清晰，没有繁枝蔓叶的戏剧结构。剧情平铺直叙，却又意料不到。具备强烈的情景感，可以毫无雕琢痕迹地将观众带进剧情，使他们的心灵在哑剧的无声对白中感受各种真实情感。所以尽管没有台词，观众对情节也可以一目了然。它对后世发生过巨大的影响，如《吉赛尔》第一幕就是对它的第一场的模仿。（三）动作丰富，形态有效运用哑剧的表现形式虽然会使舞蹈有些单一，但却能为情节服务。在此基础上，为了打破“情节舞蹈”对于舞蹈元素的局限性。在创作时，广泛吸取法国和各国民间舞蹈素材，努力通过舞蹈再现乡村生活情调，颇有特色。从而形成了三种舞蹈，即：自然形态之舞、情节舞以及表现激情的舞蹈。这些舞蹈形态不仅丰富了舞蹈动作语言，也为后世的“形象舞蹈”、“节奏化哑剧”乃至“各民间舞蹈＂打下了坚实的基础。（四）思想先进，主题新颖《关不住的女儿》 其成功之处源于鲜明地体现了第三等级的新美学思想和新道德观念——嘲笑腐朽的封建贵族阶级的恶习和偏见，歌颂资产阶级新人争取自由恋爱的斗争。它的主题思想有着“健康、明朗、纯朴的思想感情，对生活的理解。”三、影响后世的重要意义《关不住的女儿》作为芭蕾的成功典范，其重要意义有以下几点。首先，作为 18世纪法国芭蕾改革家诺维尔的入室弟子他发扬光大了“情节芭蕾”的优秀传统，在全剧中确保了舞蹈既不是歌剧的附庸，也不是技巧的炫耀，而是情节生动、趣味盎然的芭蕾舞；其次，第一次用贵族风范的芭蕾，成功地表现了一个普通农家的故事；最后，将地道的民间舞加工改造搬上了芭蕾舞台，不仅为整部舞剧增添了农家的气氛和乡土的色彩，也为后世“性格舞”模式的问世奠定了基础。综上所述， 《关不住的女儿》 体现了舞蹈为情节服务的理念以及所反映的现实生活题材， 都使舞蹈艺术提升至独立崇高地位的理想得到了集中实现。 时至今日， 《关不住的女儿》 依然是世界各国芭蕾舞团的保留剧目， 并对后世的创作实践产生深远影响。 在我国， 1956年由苏联专家查普林为北京舞蹈学校编导的这部舞剧曾以 《无益的谨慎》 为剧名上演；而 1987年引进了阿什顿的新版本后，则采用《关不住的女儿》这个名称。这部作品也是世界芭蕾发展史上的重要里程碑之作。浪漫主义芭蕾的主要特征是什么？19世纪之交， 在欧洲和北美兴起一股新的文艺思潮——浪漫主义运动，浪漫主义企图逃避现实， 摆脱由产业革命，战争带来的种种苦难的悲惨命运，进入一个充满爱情的幻想的美丽梦境，而经历了早期芭蕾奠基的浪漫主义芭蕾是整个浪漫主义运动的一部分，它不仅是芭蕾发展史上的第二个时期，同样也是法国流派芭蕾的全盛时期。它以神话传说、幻想故事为主要题材。脚尖舞的产生和高度发展是这一时期动的技术特点，白色纱裙则是这一时期的象征。浪漫主义芭蕾时期涌现出了一批优秀的芭蕾编导及演员。如作为这一时期奠基阶段的代表人物塔里奥尼父女，为这一时期巅峰之作，悲剧代表作《吉赛尔》编导的佩罗，以及作为唯一一部保留下来的 19世纪下半叶舞剧《葛蓓莉亚》 的编导圣列翁等， 以及大量优秀的剧目作品， 与前一时期相比， 浪漫主义芭蕾舞剧变得更加富有诗意、更直接、更深刻地诉诸着观众的感情。一、内容和题材的变化受浪漫主义者擅长描绘自然，善于刻画人物的性格和内心世界，寻求更多的个人表现，低贱卑劣的现实世界往往是与神幻的奇迹世界形成强烈对比的影响下，与早期芭蕾的写实风格，提倡现实主义不同的是，浪漫主义芭蕾的题材多半取自神话传说，以爱情故事为主，有的取材于但丁、莎士比亚、海涅等人的文学名著，例如作为浪漫主义芭蕾初期的代表作 《仙女》，是一个介于现实和虚幻之间动的三角恋情故事， 它实现了浪漫主义舞剧在内容主题和戏剧结构上的变革， 作品既有诗意和真实感， 又揭示出现实生活不如人意、 幸福失之交臂以及理想可望不可及的主题；而作品《吉赛尔》更是超过了《仙女》的情节单一，作品中人物性格鲜明、主题积极、爱战胜邪恶的艺术特点，表现了少女、伯爵与幽灵的不现实的爱情等等。二、技巧与表演的发展在这一时期，舞蹈技巧与表演都有了重大的发展，以《仙女》为代表，编导菲利普・塔里奥尼不仅用大跳、空中动的阿拉贝斯来表现仙女缥缈的感觉，他的女儿玛利亚更是第一次将脚尖舞的技术提升到一个新的高度，并成功地塑造了仙女的形象， 成为“女舞蹈家表演不可缺少的部分”；《吉赛尔》 作为这一时期重要的作品， 它的第一幕终场 （“吉赛尔发疯”场面）以及第二幕的维丽丝女鬼的舞蹈，分别是“情节芭蕾”和“交响芭蕾”的范例，同时吉赛尔这个角色也被称为是“考验女舞蹈家是否成熟的试金石”；作为浪漫主义芭蕾时期喜剧代表作的 《葛蓓莉亚》 ，不仅代表了木偶芭蕾的开始，同样也是性格舞的开端，对后世芭蕾影响很大。同时，男子技巧也有了进一步的提高。三、其他元素的诗意风格浪漫主义芭蕾的顶峰与这一时期服饰特色和音乐风格是离不开的。 《仙女》中塔里奥尼身着白色薄纱舞裙和背上装点的小翅膀也成为浪漫主义芭蕾的象征，在音乐上，浪漫主义芭蕾采用音乐主题旋律，主要人物都有自己的音乐主题，它们随着情节的发展而不断变形、转调或反复出现，贯穿全剧。例如《葛蓓莉亚》的作曲家，加强了舞剧音乐的戏剧性， 运用了民间音乐的元素， 使剧中男女主角都有自己特定的音乐主题， 《葛蓓莉亚》 音乐的成功， 标志着音乐芭蕾已经走向成熟； 《吉赛尔》 的音乐设计， 使音乐随剧情的发展而变化， 更是突出了浪漫主义音乐上的改革发展。综上所述， 19世纪的浪漫主义芭蕾总体特征与法国文化一样， 可谓高贵典雅、 严谨规范、 轻盈飘逸、 情怀浪漫，具有典型的浪漫主义艺术特征。这一时期，以神话传说、爱情故事为主的题材特点，脚尖舞和白色纱裙象征性的特征，以及音乐的革新，使这种诗意更浓的舞蹈蓬勃发展，为后期的古典芭蕾的形成奠定了重要基础。浪漫主义芭蕾的三个阶段及其代表作品的特点是什么？18、19世纪之交， 在欧洲和北美兴起一股新的文艺思潮——浪漫主义运动，它始于文学， 反映了对资产阶级变革的失望，浪漫主义企图逃避现实，摆脱由产业革命、战争带来的种种苦难的悲惨命运，进入一个充满爱情和幻想的美丽的梦境，而浪漫主义运动是整个浪漫主义运动的一部分，它是在浪漫主义思潮中产生的以神话传说、幻想故事为的主要题材的一种芭蕾，是芭蕾发展史上的第二个时期 ,也是法国流派芭蕾的兴盛时期。与前一时期相比，浪漫主义芭蕾舞剧变得更加富有诗意、 更直接、更深刻地诉诸观众的感情， 它的总体特征与法国文化一样， 可谓高贵典雅、严谨规范、轻盈飘逸、情怀浪漫，具有浪漫主义艺术特征。脚尖舞的产生和高度发展成为这一时期的技术特点，而白色纱裙则是这一时期的象征。 浪漫主义芭蕾分为奠基时期、 全盛时期和衰落时期这三个发展阶段， 作品《仙女》、《吉赛尔》 、《葛蓓莉亚》分别为这三个阶段的代表作品。一、塔里奥尼父女与舞剧《仙女》的奠基时期（浪漫主义的奠基时期——《仙女》）19世纪初，是浪漫主义芭蕾的奠基时期， 塔里奥尼父女是这一时期的代表人物， 起到奠基者的作用。菲利浦・塔里奥尼是意大利著名舞蹈家、舞蹈编导，后来在巴黎皇家音乐舞蹈院工作，编排出了大量优秀作品。他把主要精力放在培养女儿玛丽亚上，有的舞剧是按照女儿的体型和能力来编排的。 《仙女》便是其中最成功的例子。玛丽亚・塔；里奥尼是浪漫主义芭蕾女演员，她主演的《仙女》开创了一个“白裙芭蕾”的崭新时代，并使轻盈的脚步舞和飘逸的过膝长裙成为后世芭蕾女演员必须尊崇的舞蹈形象。更使得“三长一小”这种肢体特征，成为后世芭蕾女演员的审美标准。浪漫主义奠基时期的代表作品 《仙女》，是芭蕾史上开脚尖舞之先河的里程碑之作。 1832年首演于巴黎歌剧院，全剧共两幕， 取材于苏格兰农村民间传说， 是一个介于现实和虚幻之间的三角恋情故事。 《仙女》 的艺术特色具有几个特征：它是浪漫主义芭蕾的奠基之作，父为女量身制作，通过艰苦的训练，从她的身体条件出发，充分发挥她的特长，剧本通俗易懂，为舞蹈提供了广阔的天地。但缺点是，主要人物没有发展过程；逃避现实主义，构造浪漫幻想，用苏格兰民间舞蹈来表现婚礼的场面；用大跳、空中的阿拉贝斯来表现仙女缥缈的感觉，大白纱裙有利于表现技巧，表现纯洁，对抗人间的肮脏。二、浪漫主义芭蕾的全盛时期——《吉赛尔》19世纪30—50年代是浪漫主义芭蕾的全盛时期， 这一时期涌现一批优秀剧目作品， 如《海盗》、《艾斯米拉达》 、《巴希塔》等，其中又以《吉赛尔》最为著名， 《吉赛尔》是这一阶段的代表作品，也是法国浪漫芭蕾时期舞剧的悲剧代表作、巅峰之作。 1841那首演于巴黎歌剧院，该剧创作受海涅名著《论德意志》和雨果诗作《幽灵》的启发。编导为佩罗和科拉利， 作曲为亚当。 全剧分两幕， 舞剧第一次塑造了一个被称为是“考验女舞蹈家是否成熟的试金石”——吉赛尔。该作品的艺术特点极具特色。第一幕终场（“吉赛尔发疯”场面）以及第二幕的维丽丝女鬼的舞蹈，分别是“情节芭蕾”和早期“交响芭蕾”的范例；《吉赛尔》的剧本非常好，超过了《仙女》的情节单一，人物性格鲜明，主题积极， 爱战胜邪恶， 创造了两个不同的世界； 在舞蹈的处理上， 对不同的人物、 不同的场合， 采用不同的手段，例如吉赛尔跳古典芭蕾，轻逸、典雅、严谨、富有生活情趣，而守林人汉斯基本上是跳民间舞，只有一些笨拙难看的跳和转；作曲家亚当，使音乐随剧情的发展而变化，标志着舞剧音乐走向了成熟。三、浪漫主义芭蕾的衰落时期——《葛蓓莉亚》19世纪60年代以后，随着塔里奥尼、艾斯勒、格里齐等舞星的告别舞台，浪漫主义芭蕾失去了昔日的光辉。资产阶级上层人士对芭蕾抱敌视态度，剧院和学校的数目大大减少，芭蕾舞团的人员编制也作了较大的紧缩，上演的剧目迎合上层的庸俗趣味，多半是娱乐消遣性质，内容空洞，炫耀技巧，是浪漫主义芭蕾的衰落时期。作品《葛蓓莉亚》是这一时期的代表作品，也是法国浪漫芭蕾的喜剧代表作，更是唯一一部保留下来的 19世纪下半叶的舞剧。1870年首演于巴黎歌剧院，据霍夫曼的童话《沙人》改编，作曲是德里布，编剧、编导均为圣列翁。是一部两幕三场的舞剧， 作品又名《浅蓝眼睛的少女》 。它的艺术特点为： 舞蹈丰富、 艺术性强， 但内容空洞， 追求外部形势，注重娱乐，是木偶芭蕾的开始；舞蹈技巧高，特别是性格舞，编剧掌握了大量的欧洲民间舞蹈，是性格舞的开端，对后世芭蕾影响很大；在音乐上，作曲家德里布，加强了舞剧音乐的戏剧性，运用了民间音乐的元素；缺点是当时战争不断，经济困难，留下了男主角是女演员反串的遗憾。综上所述， 实现了浪漫主义舞剧在内容、 主题和戏剧结构上变革的作品 《仙女》，在浪漫主义芭蕾全盛时期强调神幻的情节，鲜明丰满的人物性格， 以及强烈奔放的情感的《吉赛尔》 ，和结构新颖巧妙，格调诙谐幽默，但又内容空洞，追求外部形势的 《葛蓓莉亚》 ，成就了芭蕾史上的第二个时期——浪漫主义芭蕾，并为这个时期带来了不可磨灭的光辉历史作用。彼季帕对俄罗斯芭蕾的贡献俄罗斯芭蕾是 19世纪末发展到鼎盛时期的一个重要芭蕾学派，“古典芭蕾”正是以俄罗斯学派的崛起为背景的，17世纪末，芭蕾传入俄国，俄国宫廷自 18世纪开始，便已拥有了自己的舞蹈学校，继彼得大帝之后的历代沙皇对法兰西白色的高雅文化毕恭毕敬，“西欧化”或“法国化”，成为俄罗斯多年的改良国策。19世纪40年代后，外国芭蕾芭蕾舞蹈家们频繁到俄国访问演出，并从事编导活动，促进了俄罗斯芭蕾学派的形成。而法国芭蕾大师彼季帕把俄罗斯芭蕾推向成熟期并达到了浪漫主义最辉煌的顶峰。彼季帕（ 1819-1910）生于法国马赛的一个芭蕾世家，早年从父学舞， 1845年赴马德里 （西班牙 ）做演员和编导 ,其所掌握的西班牙民间舞成为日后性格舞创作的基础。 1847年，他赴圣彼得堡任芭蕾主演， 为法国浪漫芭蕾编导大师佩罗和至列翁的助理。1869-1903他接任马利亚剧院舞剧总编导达 34年之久。他为俄国新编了《睡美人》、《唐・吉坷德》、《舞姬》等著名法国浪漫芭蕾舞剧 17部，并为 35部歌剧编排了插舞，被称为“古典芭蕾之父”，使他作为一位俄罗斯芭蕾大师载入史册。一、奠定了俄罗斯芭蕾的地位彼季帕对俄罗斯芭蕾的贡献之一，就是奠定了俄罗斯芭蕾的地立，使圣彼得堡成为世界芭蕾的中心。主要体现在作品上，例如《睡美人》 ，就是彼季帕的创作的顶峰，在舞蹈样式和结构上十分丰富，被誉为“ 19世纪芭蕾百科全书”，彼季帕将法国芭蕾的优雅流畅与意大利芭蕾的高度技术糅合， 同时体现我国的现实主义传统。 此外还有《舞姬》是他前期创作的顶峰，也是戏剧性和舞蹈性的完美结合；古典芭蕾和性格舞相融合的《雷蒙达》等，一共 25部大小舞剧。二、确立了大型舞剧演出形式彼季帕确立了大型舞剧演出形式，以高质量音乐为基础，创造了丰富的舞蹈。人物形象鲜明、戏剧结构完整，把“梦幻剧”作为手段，来抒发感情、塑造人物形象。她认为，在内容充实的音乐戏剧结构的基础上，进一步发掘舞蹈手段的形式构成和表情潜力， 才能拯救正在衰落之中的芭蕾舞剧。 《舞姬》则是通过虚拟的芭蕾体现手段， 通过编导大师的特殊的反映客观世界的方式，这些影响不时地显现出来，使得《舞姬》成为俄罗斯芭蕾艺术的一颗明珠。《睡美人》的作曲家柴可夫斯基在音乐创作中以及彼季帕的舞蹈中，都很明显地编出了几位主要人物的主题旋律和主题动作，而舞剧的最初是按照“神幻舞剧”的模式进行构思的。三、具体舞蹈编排上有所突破彼季帕在具体舞蹈编排上有所突破，例如男女出场、男女变奏、大跳；同时善于运用伴舞队以及图形变化，例如《睡美人》 中，几位主要人物的主题旋律或主题动作除外， 在有关段落中加以了变形， 反复出现， 并且与群众 《伴舞队》形成了复调对比关系； 《梦》是《雷蒙达》的第一幕中第二场，彼季帕在此段的舞蹈编排上，取得了新成绩，其中雷蒙达与勃里安的慢板双人舞，便是古典芭蕾的精品。“双人舞”是彼季帕最终定型的两大舞蹈模式之一，代表着芭蕾技术和艺术的新高峰， 这种模式大多以浪漫的爱情为主题， 按照ABA三段式结构来表演， 分别为： 男女双双“抒情慢板”；男女分别独舞，又称男女变奏； 男女双双“辉煌快板”，男女主演在有全体舞者伴舞和宏大场面中，为整部大戏压轴的双人舞，通常由大团圆的结局来收尾的“大双人舞”也颇具特色。四、与作曲家通力合作与作曲家通力合作，写出符合舞剧的音乐，在交响化的音乐，创造交响化的编舞也是彼季帕的一大贡献之一。例如《睡美人》中的创作过程中，编导与作曲家密切合作，互相尊重。彼季帕为作曲家编写了作品的结构计划，柴可夫斯基按计划写出音乐后， 彼季帕又严格地从音乐出发设计编排舞蹈和场面， 使音乐和舞蹈有机结合， 相互辉映。作品同时也遵循了戏剧行动的交响发展原则，每一幕恰好是交响乐的一个独立的乐章。 ，《唐・吉坷德》中第4幕的“幻影王国”，被公认为交响芭蕾的萌芽，也是古典芭蕾群舞的典范。五、性格舞在舞剧中的运用彼季帕在圣列翁的基础上， 更广泛的把性格舞运用到舞剧中， 例如，以西班牙民间舞素材创造的舞剧 《雷蒙达》 ，把古典芭蕾和性格舞两种形式时而互相替换，时而相互渗透、交融，第三幕的婚礼上的性格舞，特别是那一段匈牙利古典舞更是成功。此外，还有舞剧《唐・吉坷德》中几段西班牙色彩浓郁的双人舞； 《睡美人》中的性格插舞，展示了彼季帕多年来的舞蹈积累，一共 12段舞蹈的《小丑节》 ，形式多样，有古典芭蕾也有民族舞蹈。综上所述，彼季帕对俄罗斯芭蕾艺术动的发展做了卓越的贡献，他接受了并发展了浪漫主义芭蕾的交响原则，是一位成功运用交响化芭蕾舞剧音乐创作舞蹈的编导，在古典芭蕾与性格舞的结合问题上做出了革新与突破。 。既保存了古典的高难度动作，又使剧情有严谨、合乎逻辑的发展，在创作里程碑中不仅与作曲家密切合作，而且在舞蹈编排上也有所革新， 但其最卓越的贡献中， 还包括为古典芭蕾舞剧确立了“双人舞”和“性格舞”两大模式，其精力之旺盛，成熟之辉煌，令世人敬佩且值得学习。论述俄罗斯古典芭蕾学派的形成、特点及代表人物世界芭蕾艺术的成就，很大程度上要归功于俄国艺术家和俄国社会的贡献。尽管俄罗斯不是芭蕾舞的原创国，但他们在极大程度上丰富了这一艺术形式。将芭蕾艺术推上了新的高峰，形成了具有独一无二风格的俄罗斯芭蕾学派，培养了芭蕾舞的众多先锋人物。俄罗斯芭蕾以其独特的艺术魅力征服了全世界的观众，该学派在芭雷舞史上发挥着重要作用。一、俄罗斯芭蕾的形成过程（一）芭蕾艺术的交流引入17世纪，俄国完善了中央集权制度。 政治，经济和文化迅速发展， 对外交流不断加强。 所以，17世纪下半叶，在与西方国家交流的过程中，俄国使者发现了芭蕾，并为之吸引，随后将其引入俄国。（二）芭蕾作品的初次尝试1673年，由利玛担任编导，在俄罗斯上演了第一场芭蕾舞表演《关于奥菲欧与叶甫里狄亚的舞剧》 ，演员们穿的服装就是当时的生活服装。这些表演与全剧的情节脱离，只是炫耀豪华的布置和服装以及一些复杂、多变的舞蹈图形。它借用史诗《奥菲士》的情节，歌颂庇护音乐舞蹈艺术的沙皇，博得了他的欢心。反应出这个剧团只是供沙皇消遣的玩物，对后来俄罗斯芭蕾的发展没起重要作用，只是准备阶段。（三）芭蕾风格的基础奠定彼得大帝提倡西方的生活方式，鼓励人们举办舞会和戏剧演出，以舞蹈的手段打破男女授受不亲的保守习俗。在他的倡导下， 贵族们延聘舞蹈数师， 努力学习西欧流行的社交舞蹈。 1718年颁布了关于举办大舞会的命令。 到其执政末年，俄国贵族社会已经完全掌握了欧洲的舞会舞蹈，把它引入上流社会成为一种时髦，这使芭蕾艺术得到了进一步的发展。（四）芭蕾学派的规范形成1731年在彼得堡开办一家贵族特权学校——陆军武备学堂，是俄国芭蕾的摇篮。 这所学校非常重视包括舞蹈在内的艺术教育，于 1734年聘请了法国人兰代担任舞蹈教师。 1738年在彼得堡建立了第一所皇家舞蹈学院，即现今以瓦冈诺娃命名的彼得堡芭蕾学院的前身，它对促进芭蕾骨干本民族化起了巨大的作用。首先，开始了系统的学校舞蹈教育；其次，沙皇的倡导，民众的拥护和规范的教育体系使芭蕾艺术植根于俄罗斯并不断发展。使芭蕾逐渐成为一种独立的剧种；最后，彻底结束了俄国芭蕾人才完全依赖于从国外引进的历史。二、俄罗斯芭蕾的主要特色其一，俄罗斯芭蕾舞是最具戏剧性的舞蹈形式，是优雅与简洁的完美结合；其二，它在古典芭蕾的基础上又进行了独特的革新，技术完美，含金量高；其三，批判地继承了俄罗斯古典舞的民族特色，发扬了俄罗斯式的平稳、酒脱、优美和动作自由、宽广的风格，增强了芭蕾的戏剧性和艺术表现力，使艺术特色更加鲜明、热情、豪放；其四，培养的演员技术全面、能力强，擅长各种大的跳跃和复杂息速的旋转；其五，俄罗斯文化三个明显的特点就是等级制度、舞台表演艺术与现实主义、俄罗斯的精神。所以，其芭蕾作品充满人道主义思想和深刻的内容，舞蹈家在创作表演中使表现的艺术思想和民族特点完全独立，情感的表达也极为真诚。三、俄罗斯芭蕾的代表人物（一）国内外舞蹈编导为俄罗斯芭蕾学派的建立发挥重要作用芭蕾作为“舶来品”，所以19世纪中、 下叶一批法国舞蹈家应聘来俄国工作， 对俄罗斯芭蕾学派的形成和发展起了不可磨灭的贡献。他们是：塔里奥尼父女、秋德洛、艾斯勒、教加斯、佩罗、圣列翁和彼季帕。除了外国的编导以外，俄罗斯芭蕾学派在逐渐发展中出现了俄国第一个本民族的芭蕾编导贝尔瓦赫，后来还有他的弟子格鲁什科夫斯基、以及伊凡诺夫。他们打破了外国编导垄断舞坛的局面。（二）先进的教学师资也为俄罗斯芭蕾学派培养了丰厚的人才俄国芭蕾吸收了意大利、法兰西和丹麦三大学派的精华，在本国民族文学艺术的民主主义传统的基础上，结合俄罗斯演员的形体特点， 创立了俄罗斯芭蕾教学体系。 在这个体系的创立阶段， 约翰松和切凯第作出了杰出的贡献。通过第几代人的努力，俄罗斯芭蕾教学体系初步形成。 （十月革命后，瓦冈诺娃、塔拉索夫、密谢列尔、叶尔莫拉耶夫、普希金等人又在这基础上推陈出新， 进一步发展和丰富了俄罗斯体系， 为国内外输送了一批又一批的舞蹈人才 ）（三）优秀的舞蹈演员使俄罗斯芭蕾舞舞蹈作品得到更好的诠释先进的教学师资培养出了好几代俄罗斯优秀的芭蕾演员， 其中包括巴甫洛娃、 卡尔萨文娜、 瓦冈诺娃、 里法尔、莫尔德金、盖尔特、尼列加特、克舍辛斯卡娅、普列奥仁斯卡娅等著名舞蹈家。正是因为这些高水平的舞蹈演员，对俄罗斯芭蕾舞蹈的闻述达到了最高水平，使本国众多优秀作品《天鹅湖》 、《睡美人》 、《胡桃夹子》等，成为了芭蕾历史上的典范之作。综上所述，俄罗斯是一个艺术气氛浓郁的国家，这种氛围为芭蕾的发展提供了良好的条件。俄罗斯人尽情地徜徉在芭蕾艺术的殿堂中，享受芭蕾的优雅、灵动、飘逸和高贵。在几百年的发展历史中，俄罗斯芭蕾植根于民族的土壤，不断吸收国外芭蕾艺术的精髓，形成了自己的特色，培育了众多优秀的舞蹈家，同时也推动了世界芭蕾的发展。我们相信，在来来，俄罗斯芭蕾将依然在世界台上大放异彩，为世界文明做出贡献。什么是交响芭蕾？通过舞剧《舞姬》“幻影王国”、《胡桃夹子》“小雪花舞”和《天鹅湖》第二幕说明早期交响编舞法的主要特征。交响芭蕾有广狭二义之分，广义是指一种芭蕾形式，用交响乐、奏鸣曲、交响诗等曲目编创的芭蕾，始于 19世纪俄国。交响实践者们认为舞蹈与音乐有类似特长，都不应追求写实，而强调其抒情性，要求舞蹈语言服从音乐，舞蹈创作灵感与结构方式甚至舞蹈编排及队形调度技法均来自于交响乐。它有别于戏剧芭蕾摒弃哑剧和具体情节，但并非毫无戏剧性可言，而是按照乐曲呈现部、展开部和再现部组成其戏剧性结构，用主题对比方法显示矛盾的冲突与统一。 狭义的“交响芭蕾”泛指芭蕾舞剧中某些运用交响乐手法创作的整场或片断，彼季帕《舞姬》“幻影王国”、伊万诺夫《胡桃夹》“小雪花舞”、《天鹅湖》二四幕等都是采用交响芭蕾手法的片断，而后来苏联芭蕾代表人物格里戈罗维奇《宝石花》 、《斯巴达克》等又称得上是纯正的交响芭蕾。以下将从古典芭蕾时期《舞姬》“幻影王国”《胡桃夹子》“小雪花舞”以及《天鹅湖》第二幕看早期交响编舞法的特征：一、以虚拟芭蕾手法强调抽象概括性——《舞姬》“幻影王国”早期芭蕾编导如彼季帕在编创芭蕾过程中受到俄国姊妹艺术中强力的改革浪潮影响， 特别是交响乐与话剧先进思想起到不少作用，因此间接的通过虚拟芭蕾体现手段，以特殊的方式反映客观世界。如《舞姬》是一部取材于印度古代寺庙舞姬生活的舞剧，其中第四幕“幻影王国”是有名气的大型群舞，被公认为交响芭蕾的萌芽，也为后来交响编舞原则起到奠基性作用。编导从音乐出发，取消具体民族特色，在内容充实的音乐戏剧结构上进一步发掘舞蹈手段的形式构成和表情潜力，编排成抽象概括“白纱芭蕾”，剧情中断了，但情感色彩十分浓郁。如身穿白裙的舞姬在悲伤音乐中从峭壁走来，第一段变奏由细碎打脚组成，第二段双腿踢高，双臂张开……而伊万诺夫正是从“幻影王国”中学到彼季帕一些编舞技法并运用到后来编排的《天鹅湖》二四幕群舞中。《舞姬》也是彼季帕前期创作顶峰，是戏剧性和舞蹈性的完美结合。二、以音乐为启发设计舞蹈及调度一一《胡桃夹子》“小雪花舞”受彼季帕舞蹈编排影响，伊万诺夫也竭力从音乐出发并在舞蹈编排中体现交响原则，如在舞剧《胡桃夹子》中一幕与二幕间过场戏“小雪花舞”是他出色杰作之一，他是在音乐启发下产生舞蹈形象的，音乐引导他按照音乐内容和形象设计舞蹈和场面，整个舞作线条规则，和谐完整，如在音乐逻辑下按照雪花形状及冰霜造型的图案组成变化多端的队形和画面，创造了儿童眼中自然界的神幻景象，幕后的童声合唱更烘托冬日气氛。由此可见“小雪花舞”的交响编舞成就。三、以主题的贯穿与交织升华诗意语境一一《天鹅湖》二幕“戏中戏”1895年版《天鹅湖》 ，彼季帕、伊万诺夫担任总编导，其中创造性设计出象征白天鹅主题动作，如双臂挥拍、变化无穷的 arabesque和attitudes、躯体旋转等，把奥杰塔塑造出“神似而非形似”的天鹅形象，而只在如“舐羽毛”“拍翅膀”及天鹅羽饰突出天鹅持点。尤其是第二幕可以说是“戏中戏”，具有逻辑性的开端结尾， 结构相对完整， 还常在晚会单独演出。编导继续进行交响化探索，并使奥杰塔成为群鹅一员，相互呼应，伴舞队陪衬着她，以伴唱作用对奥杰塔心情作出回应。这一幕表现了奥杰塔的纯洁、王子对其美的赞叹以及悲剧结局预感，在贯穿全剧的天鹅主题中奥杰塔的出场抒发了她的心头隐痛及对自由的渴望，同时双人舞中她的主题又与王子主题交织成二重唱，升华了诗意和语境。综上所述，“交响芭蕾”以一种全新独特的风格形式出现，在早期编导彼季帕、伊万诺夫等人创作实践下，发扬光大了这一创作手法。而后期苏联又将“交响芭蕾”复兴繁盛，其中洛普霍夫和格里戈罗维奇又大胆创新，更是吸收戏剧芭蕾优长，在追求交响音乐与芭蕾有机结合同时，又重视人物和戏剧内容的体现；在美国“交响芭蕾之父”的巴兰钦又将芭蕾注入新思想，为现代芭蕾发展铺平道路。为什么说《睡美人》“ 19世纪芭蕾百科全书”？《睡美人》 是俄国古典芭蕾舞剧中期代表作及“巅峰之作”，首演于1890年马利亚剧院， 编导彼季帕， 作曲柴可夫斯基。作品讲述了奥洛拉公主被巫婆邪恶的纺锤刺伤后昏睡不醒，经紫丁香仙女的帮助下，百年后到森林狩猎的王子用爱情将公主吻醒，从此过上幸福生活的故事。该剧从舞蹈、音乐、剧本、服装布景乃至于思想主题都称得上是“19世纪芭蕾百科全书”，主要表现在：一、以多变舞蹈风格奠定古典芭蕾“大型舞剧”结构在《睡美人》 中，彼季帕继续完善“大型舞剧”的结构模式，结合“仙境剧”的编舞流派，将细腻典雅的法国风格、技艺精湛的意大利风格与注重戏剧的俄罗斯风格相融合，并运用“古典舞”、“性格舞”、“插舞”等形式编排出多变舞留结构，也标志着古典芭蕾“大型舞剧”的确立。（一）以时代风格编舞致敬“路易十四”辉煌时代《睡美人》创作中，彼季帕为佐证史实，详尽参考了路易十四时期宫廷芭蕾和进行曲来编舞，如参考了大量的札记和图画，以确立各种舞台调度、舞蹈性质、舞蹈情节的各个要素，方方面面都再现了路易十四时代，一些序幕中还采用“小步舞、里戈顿、 加沃特”等法国宫廷“交谊舞”。这正是对古典主义的美学的追崇与响应， 也是帝国剧院作品真实再现时代风格的首次尝试。（二）“性格舞”之情调与古典芭蕾交融大放异彩《睡美人》“大型插舞”中编排了童话人物表演的大量“性格舞”，如贵妇人打扮的小白猫表演诙谐、 调皮的舞蹈、身着俄罗斯民族服饰的年轻农民时而顿足、时而半蹲盘旋的俄罗斯民间舞留等。这些性格舞和古典芭蕾形成鲜明对比，渲染气氛、烘托场面。而古典芭蕾中无论是以《蓝鸟双人舞》 、《婚礼双人舞》为代表述说缠绵之情的“古典双人舞”，还是以仙女们为代表描绘性格特征的“古典组舞”，抑或是外化主角内心情感律动群舞，又与性格舞交融而大放异彩。（三）舞蹈与音乐交织变化奏鸣“交响风格”《睡美人》中，无论是柴可夫斯基的音乐还是彼季帕的舞蹈，都很鲜明地写出几位主要人物的主题旋律和主题动作，在各有关段落中加予变形，反复出现，与群舞形成复调对比关系，凸显“交响风格”。而群舞的变化组合也遵循“交响化”手法，如群舞《花环圆舞曲》 中将舞者归类为四个“声部”巧妙交织在一起，通过纷繁的舞台调度、简单自如的组合队形、精心设计的舞蹈动机、潮涨潮落的肢体韵律成就了这段经典，也完全符合柴氏音乐的交响规模，是名副其实的“交响芭蕾”。二、作曲家与编导珠联壁合创造芭蕾经典《睡美人》创作过程中，编导家与作曲家密切合作，相互尊重。彼季帕为作曲家编写了《睡美人》结构计划，向他展现未来舞剧情节线索、主要人物性格以及舞蹈中段落拍子小节数。柴氏按照这份计划写出音乐后，彼季帕又严格从音乐出发设计编排舞蹈场面。音乐舞蹈始终为深化剧情主旨、丰富芭蕾形象所服务，二者珠联壁合创就芭蕾经典。（一）戏剧交响化原则下剧本与乐章完美交融《睡美人》剧本遵循了戏剧行动交响发展原则，每一幕恰好是交响乐独立乐章，但只有和其他各幕放在一起才显得完美。正如交响乐乐章一样，剧本每一幕都有自己的高潮：第一幕奥洛拉公主被纺锤扎破手指后沉睡不醒；第二幕王子亲吻奥洛拉使其醒来；第三幕男女主人公婚礼，而这三个高潮又逻辑性的服从一个主题一一爱情是力量的源泉，也是战胜邪恶的主要动力。（二）以音乐情感性强化戏剧性与思想性内涵《睡美人》的音乐不仅强调情感的抒发，还对情节的戏剧性表现、人物形象的塑造等方面起到推动作用，如国王发现丑婆子手拿纺锤时，音乐上由原来波涛汹涌般奔流震荡的音乐突然发出“渐强音”，表现国王因纺锤的出现内心产生的剧烈变化，加强了戏剧性转折效果。再如六个仙子的变奏舞蹈又各有特色，以不同的人物表现不同的生命含义。如此，以作品的情感性变化为舞剧提供更多表现性的空问，也使其能与观众审美要求达到高度一致，从而产生思想的启发与心灵的共鸣。三、以“仙境剧”服饰布景氤氲诗化魅力《睡美人》借用“仙境剧”流派的魔幻特点，以其规模宏大的装置、奢华绚丽的背景、璀璨夺目的服装创造了当时罕见的宫廷奇观。其服饰布景与路易十四时代风格相似，使舞剧的舞蹈、音乐、服装、布景异乎寻常的和谐。此外在舞台效果上，以树木丛生覆盖城堡，使人置身于梦幻的仙境奇观中，服饰上也用了当时最昂贵的材料制作，如仙女的服装设计了翅膀，与轻盈舞步相携，继承了浪漫主义芭蕾的传统，赋予了芭蕾独持的诗化魅力。四、以童话幻想与善恶旨趣兼具升华爱的主题在《睡美人》中，无论是作曲家秉承童话故事的想象，还是编导编排富于童话梦境的舞蹈，都在善与恶的对立冲突中转调发展，体现了生命、爱情和美丽的力量足以战胜邪恶与死亡等恶势力的思想，善恶之争铺陈全剧，最终善定胜恶，升华思想内涵。综上所述， 《睡美人》身上凝结着“早期芭蕾”和“浪漫芭蕾”光耀璀璨的精华和“古典芭蕾”前期的探索成果，总结了彼季帕对戏剧编舞新形式和交响编舞法漫长持久的探素，尽管在当时有人认为舞剧的奇幻效果起到主要作用，但彼季帕不可思议创作了大量的编舞杰作却展现了一部完整的芭蕾历史教科书， 无愧于“19世纪芭蕾百科全书”的称号，也标志着帝国芭蕾正式步入“古典芭蕾”黄金时代。而《睡美人》至今都是考验舞团的标杆，无论衷于原版的改编，还是颠覆性的逆向继承， 《睡美人》依旧常演不衰，为人们喜爱。为什么并非舞蹈家的佳吉列夫却能对世界芭蕾发展进程起到如此重要的推动作用？佳吉列夫是俄国著名艺术组织活动家，生于 1872年。自身天姿很高，从小受到全面的文化教养，并具有极高的管理才能。 在筹办“俄罗斯演出季”成功后，又于1911年成立了佳吉列夫芭蕾舞团。 他充分发挥过人的组织才能和管理艺术，不仅排演出许多精品舞剧，而且培养出诸多舞蹈人才，推动芭蕾的发展。其对世界芭蕾发展进程的推动如下：一、俄罗斯演出季与剧目创作由佳吉列夫发起和组织的几届“俄罗斯演出季”反响热烈，震撼西欧。演出季上演了著名舞剧，如《波洛伏齐人之舞》、《仙女们》等，并且在此基础上不断推出新作，如独幕舞剧《火鸟》 ，以及代表了 20世纪初俄罗斯芭蕾在现实主义心理描写和戏剧化方面的较高成就的《彼得鲁什卡》等等。这些剧目通过演出活动的表演，唤起了欧美人民对芭蕾的热情，增大了芭蕾的影响力。二、佳吉列夫芭蕾舞团与人才培养佳吉列夫芭蕾舞团是俄罗斯著名的芭蕾舞表演团体，由佳吉列夫成立于 1911年，舞团云集了各大艺术明星，主要的舞蹈家有尼金斯基、 巴甫洛娃、 卡尔萨文娜、 福金等人。 芭蕾舞团为他们提供了较好的演出平台， 在1929年舞团解散后，名编导和演员分别到了美国、法国、英国等地，成为当地的骨干力量，为各地输入人才这份历史贡献不应低估。三、改革创作新形式佳吉列夫的改革思想在当时看来较为前卫，从舞蹈创作本身出发，开启了俄罗斯芭蕾与音乐、美术、文学鼎力合作的全新模式。以《火鸟》为例，采用了不协和的、具有印象主义色彩的音乐，以及通过服装和舞美设计来强调“既保留民族特色，又有俄罗斯风格”的视觉效果。最值得一提的是他对舞蹈本体的改革，打破了古典芭蕾的桎梏，求新求变。这种音乐、舞蹈、美学通力合作的新形式，为后世创作提供了一种“联系又统一”的观点。综上所述，佳吉列夫主办的“俄罗斯演出季”和“佳吉列夫芭蕾舞团”不仅创作和表演了舞剧精品，更为世界各地输送了舞蹈人才，振兴了当地芭蕾艺术。更重要的是，佳吉列夫以舞剧创作新形式推动了芭蕾从浪漫主义向现实主义转型。“佳吉列夫时代”是俄罗斯芭蕾的黄金期，继承优良传统的同时为后世提供了丰富的艺术养料。福金的芭蕾革新五项原则是什么？他是如何在自己的作品中体现这些主张的？福金(1881-1942)，俄国著名芭蕾舞大师。 毕生于彼得堡戏剧学校， 1898年任彼得堡玛利亚剧院的独舞演员，1905年开始尝试创作。 后在佳吉列夫芭蕾舞团任首席编导， 他的改革核心是使芭蕾戏剧化， 但是如果深入一步， 便可发现福金的改革是对当时芭蕾表现的空洞无物以及华丽肤浅之风的一种反驳。 福金最有影响的理论是提出了现代芭蕾的五项原则，这就是：一、动作要符合情节福金认为：“不是把现成的，早已规定好的舞步编成组合， 而是在每个场合下创造出符合与情节， 能够体现现代精神和该民族的性格的最有表现力的新形式”。例如在《埃及之夜》中，对于舞蹈的处理，并没有采用古典芭蕾的舞姿动作，而是采用了埃及舞蹈动作和姿态，动作姿态见棱见角，双臂屈肘屈腕，手掌朝下的奇特造型，反映出古代埃及的浮雕印象。二、舞蹈与手势为表现戏剧行动服务舞蹈与手势如果不为表现戏剧行动服务，那么它在舞剧中是没有任何意义的，它们也不应该是在整个舞剧的构思毫无联系的娱乐性或消遣性。 例如《埃及之夜》 中舞蹈动作和姿态， 是从古代埃及的浮雕和图片， 从中吸取灵感，为表现戏剧行动而服务，并不是为了纯娱乐而创作。福金并未否定哑剧手势，只是限制了哑剧手势的出现范围。三、用身体哑剧表现来取代手势新舞剧认为，只有在舞剧的风格要求这样做的地方，才可以运用程式化的手势，而在其他一切场合下都需要努力用整个身体哑剧表现来取代手势，人可以也应该从头到脚整个身体都成为富有表情的。过去在古典芭蕾舞剧或者能够充斥了大量的程式化语言，而福金为后代编导提供了芭蕾语言的另一种选择，这点在《仙女们》这一个浪漫主义风格的重现的舞剧中得到了很好的体现。四、要求分组队形和群舞应该富有表现力在旧舞剧中，编排队形只考虑装饰性，编导从不关心队形或群舞究竟表现了什么感情。与此相反，新舞剧在发展表情原则上前进了一大步——从只用脸部表情发展到了全身参加表演，从用一个人的身体来表情发展到了用一群人的身体，乃至用一大群人的群舞来表情。如在《波洛伏齐人之舞》中，群舞表演激动人心，是人为之振奋，而不是像古典芭蕾中组舞、群舞，多是舞剧中的蕾丝花边。在福金的舞剧中，成为表达作品的重要手段。五、舞蹈必须与其他艺术建立联盟福金提倡舞蹈与音乐、舞美建立起平等互利的关系，确保彼此享有充分创作自由，与旧舞剧相反，新舞剧不要求作曲家写出为舞蹈伴奏的“音乐”，只要是好的富有表现力的音乐，它都接受。如在《火鸟》创作中，舞蹈方面出现新的构图和动作， 音乐富有革新精神， 美术设计别具一格， 有所突破， 在平等的关系中达到和谐统一， 各有突破，可谓三赢。综上所述，现代芭蕾在古典芭蕾中吸收养料，茁壮成长，完善自身的表现形式，不断创新发展。俄罗斯芭蕾学派是如何形成的？有哪些主要特色和代表人物？俄罗斯芭蕾吸收了意大利、法兰西和丹麦三大学派的精华，在本国民族文学艺术的民主主义传统的基础上，结合俄罗斯演员的形体特点，创立了俄罗斯芭蕾教学体系。在这个体系的创立阶段，约翰松和切凯第做出了杰出的贡献。一、约翰松（因材施教：教学法之主张、教学法之体现）约翰松原籍瑞典， 曾向布农维尔学习， 1841年其担任彼得堡玛利亚剧院的主要演员， 培养出巴甫洛娃、 盖尔特等著名舞蹈家。其中，他反对片面追求高雅动作的纯技术观点，但仔细借鉴吸收技巧，来充实自己的课堂内容。他能准确地抓住俄国学生的特点。他的教学法主要表现为：首先，对学生因材施教，要求极其严格；其次，在发挥学生的天生优异条件的同时更加注意克服他的缺陷，培养他摆脱舞台上的任何困境的能力；最后，把技术当作表现手段而不是目的本身，经常改进教学方法和选择性的对待教学。与此同时，他的创造想象力十分丰富，组合流畅和谐，逻辑性强，前后呼应。他既反对把示范变成强制学生效仿的模式，而又强调教师必须亲自示范。二、切凯第（自成体系）切凯第1856年出生，幼年在意大利佛罗伦萨舞蹈学院学习。后 1906年重返彼得堡，开办了一个学校， 19111921年他担任佳吉列夫芭蕾舞团的教师兼排练者。 培养出重要的一些舞蹈家， 如巴甫洛夫、 卡尔萨文娜、 利法尔等等。切凯第结合实际情况专门为俄国学生制定了一套很有特点的教学法，与其他理论家一起创作了“切凯第体系”为标准教科书，而这个体系的特色是对芭蕾主要动作进行分类、系统的整理，对每一个动作的性格和规格要点，作出了比较细致的讲解，同时还进行统一的芭蕾教师资格考试。直到现在，这项工作仍在进行，对英国乃至世界古典芭蕾有着重要的影响。综上所述，通过约翰松、切凯第几代人的努力，俄罗斯芭蕾教学体系初步形成。十月革命后，瓦冈诺娃、普希金等人又在这基础上推陈出新，进一步发展和丰富了俄罗斯体系，为国内外输送了一批又一批的舞蹈人才。对比《仙女》和《仙女们》的异同1832年，塔里奥尼父女的舞剧《仙女》在巴黎首演大获成功，自此开始了芭蕾的浪漫主义时期，掀起了轻盈飘逸的自然舞风。然而，短暂的十年内浪漫主义芭蕾便经历了诞生、鼎盛直至衰落，世界芭蕾的中心转向俄罗斯，古典芭蕾崛起。时隔半个多世纪， 1909年福金的作品《仙女们》同样于巴黎首演，该作原名《肖邦组曲》 ，由于整个作品效仿塔里奥妮《仙女》的浪漫主义风格，后来改名为 《仙女们》 。这部作品，作为芭蕾史上第一部无情节作品，被史学家们誉为现代芭蕾的处女作《仙女》与《仙女们》这两部作品无疑在芭蕾史上占据着重要地位，堪称是里程碑式的作品。对比二者的异同有以下几点：一、时代背景与主题思想方面的迥异仙女诞生于 18、19世纪之交，欧洲和美洲兴起的浪漫主义运动的文学思潮之下，这一时期的文学艺术均体现着对痛苦现实与残酷战争的逃避， 企图进入一个充满爱情和幻想的美丽幻境。 《仙女》 一反旧时舞剧的大团圆、 狂欢舞蹈、华丽终场的惯例，以忧郁悲伤的场景结局全剧，给观众留下了回味的余地。这种处理既有诗意和真实感又揭示出现实生活不如人意、幸福失之交臂以及理想可望而不可及的主题，使作品的容量加大，主题深化。《仙女们》诞生于 19、20世纪之交，科技革命和世界大战洗礼后的现代主义文化现象之下，随着现代舞在西方的诞生，加上佳吉列夫创办的《世界艺术》杂志，为西方文艺思潮进入俄国作了铺垫。正处于衰落阶段的圣彼得堡芭蕾舞剧团受到了新的冲击，福金没有迷信古典芭蕾而是用邓肯的造型去丰富和拓展他的芭蕾语汇，大胆进行改造使之具有特色现代审美潮流的新形式。这些作品的主题反映了 20世纪初，进步人士的心态：要冲破牢笼求得自由，在华尔兹结尾仙女与青年的动作越来越融合一致，共同飞向理想之国，更是凸显了这一点。二、舞蹈结构与情节内容方面的不同《仙女》是一部二幕古典芭蕾舞剧，这是一个介于现实与虚幻之间的三角恋情故事。舞剧讲述了苏格兰青年农民詹姆斯在订婚前爱上了仙女西尔菲达，并随他而去。因急于留住仙女听信女巫的谎言，致使仙女西尔菲达翅膀掉落，而此时他的未婚妻答应了别人的求婚，詹姆斯悔恨交加。毫无疑间《仙女》是无情节芭蕾的典范，其描述的故事情节曲折飘渺引人入胜，情节的展开清晰饱满为舞蹈提供了广阔的空间。《仙女们》 被福金看作是一部完整的作品， 而不是一连串的舞蹈。 《仙女们》 没有对情节的描述， 而是表现了青年诗人在月光下漫步的翩翩浮想。这部作品是芭蕾史上第一部无情节作品，体现了福金追求轻盈飘逸、美丽富有诗意的浪漫主义气氛的构思。三、舞蹈动作与艺术风格方面的异同《仙女》的成就奥秘之一是其父亲菲利普・塔里奥尼考虑到了仙女的扮演者女儿玛丽亚的形体条件和技术基础，为了塑造轻盈飘逸超凡脱俗的仙女形象， 动作设计突出了大跳、 空中拉贝斯、 脚尖功等飘逸的动作形态。 然而，《仙女们》绝大部份的动作编排仍然采用了古典芭蕾的程式以及滥用脚尖功动作表达“轻盈似飞”的艺术境界，但这个舞蹈不追求复杂的舞蹈技巧，而是重风格的表达。塔里奥尼父女共同创造的这种“仙女”舞蹈开创了后世浪漫主义芭蕾的风格，福金将《仙女们》冠以“浪漫主义的幻觉”的副标题，并使其虚拟性地重现了浪漫主义时期的芭蕾风格，但整体的风格却更自由化、个人化，体现了那一时代向往自由的青年心态。四、舞蹈音乐与服装布景方面的区别《仙女》的诞生受到了前浪漫主义芭蕾的影响，体现了诺维尔“情节芭蕾”的主张，因而对于内容情节以及戏剧结构的重视要高于音乐，浪漫主义芭蕾时期的舞剧音乐直至鼎盛时期的《吉赛尔》才标志着成熟。然而芭蕾发展到以彼季帕为代表的古典芭蕾时间， 对于音乐与舞蹈的关系有了不同的态度， 音乐一旦写成， 便要使舞蹈服从于音乐。再到福金的时代，他开始倡导“音乐与舞蹈建立平等的权利的联盟”，到了20世纪50年代之后，这种主张己被广大编导所接受。 《仙女们》的舞蹈动作随着肖邦的音乐起伏变化，音乐映村着舞蹈。《仙女》以轻盈飘逸的自纱裙，塑造了超凡脱俗的仙女形象，开创了芭蕾的“白裙时代”。《仙女们》中福金用薄雾般的白色纱裙对浪漫主义时期进行了追忆，复原和突出了“白裙芭蕾”时期轻盈飘逸的审美理想。但《仙女们》简化了舞台背景，如运用一些幻灯景，以造境为立。五、时代意义与后世影响方面的差异《仙女》这部舞剧的成功解开了浪漫主义芭蕾的序幕，自此轻盈的脚尖技术成为了芭蕾艺术的重要因素，保留至今。并且仙女所着的那身飘逸的过膝长裙还开启了“白裙芭蕾”的新时代。自此这种白纱装饰小翅膀的过膝长裙便作为了浪漫主义芭蕾的象征被后世沿用。《仙女们》 这部“现代芭蕾