从古典艺术的三次变革看古典的理性与理性

从古典艺术的三次变革看古典的理性与理性

一个欧洲历史上取得了三个学习古代艺术的成果。第一个是文艺复兴，第二个是17世纪，第三个是18世纪末和19世纪初。文艺复兴时期对于古典艺术的学习主要表现在人文主义方面,其原则就是强调理性和秩序。画家在绘画中致力于透视法和人体解剖学的研究,怀着理性的审美情趣去表现自己心中的“图式”。尤其是拉斐尔的作品,以古典式的均衡和端庄被后世的古典主义艺术家奉为楷模。虽然意大利文艺复兴确立了古典主义美术的基本原则,但从严格意义上说,古典主义的真正发展是在17世纪,它是法国路易十四时代掀起的一种文艺思潮。路易十四时代是法国历史上一个辉煌的时期,国王拥有至高无上的权力,把专制君主制度推向了高潮。政治环境孕育了宫廷文化,并催生出古典主义文化潮流,从思想和伦理层面为专制王权提供了基础。古典主义所崇尚的规则、秩序、均衡、典雅与君主专制制度所崇尚的神圣、崇高、等级秩序和国王的威严有机融为一体。18世纪末至19世纪初,是古典主义绘画的最后一个高峰,这一阶段的古典主义与当时的政治、社会背景有着极为紧密的联系。18世纪下半叶是法国封建君主制日趋腐败堕落和资产阶级逐渐强大的时期,资产阶级为取得革命的胜利,在意识形态领域高举反封建、反宗教神权的旗帜,号召和组织人民大众起来为资产阶级革命而献身。为取得这一革命斗争的彻底胜利,首先要在人们的心理上注入为革命献身的美德和勇气,那就是为共和国而战斗的英雄主义精神。因此,古代希腊罗马的英雄成了资产阶级所推崇的偶像。在这样的历史环境下,产生了借用古代艺术形式和古代英雄主义题材的新古典主义。新古典主义美术产生了大卫、热拉尔、勒布伦夫人、格罗、安格尔等多位大师,以大卫和安格尔最具代表性。大卫是法国新古典主义的最纯粹表达者;而大卫的学生安格尔更是将新古典主义推向了高峰。新古典主义美术由大卫到安格尔是一个转折,在内容上由革命的、与时代相关的事件转向了脱离现实的神话和纯艺术的表现;在形式上由严格的古典主义风格走向了带有华丽东方色彩的古典主义。2新古典主义与古典主义都对造型的准确性要求严格,因此非常强调素描的主导作用。古典主义者坚信只有通过素描,艺术家才能使思想得以表现。普桑是古典主义的杰出代表,他主张艺术家应以智性与理性来支配其素材,他对色彩有过这样的见解:绘画中的色彩是迷惑眼睛的圈套,就像诗歌韵文的迷惑力一样。由此看来,古典主义推崇理智而排斥感觉,进而认为素描比色彩更加高贵。他们非常重视精准的形体观察和对光影的正确分析,并通过理性的空间描述来保持结构的均衡和形式的完整,使写实造型能力达到了一个新的高度。从两位不同时期的古典主义大师——拉斐尔和普桑的作品中我们可以看到,他们非常强调“形”的准确性,且都掌握了对轮廓线精妙处理的素描技巧,这种表现方式与威尼斯画派及鲁本斯在色彩上所表现的张力形成了鲜明对照。新古典主义仍然没有摆脱对素描的依赖。他们的作品普遍具有结构精准、造型完整的特性,而素描训练正好能够达到这种要求。因此,他们把素描的作用放在了首位,认为素描中包含着艺术的尽善尽美。在新古典主义者的理念中,素描甚至被认为是绘画的最高成就。从新古典主义者的标志性口号“只有素描才是真正的艺术”就可以看出他们对素描的认识和推崇。无论是大卫还是安格尔,均为美术史上有着重要地位的素描大师。大卫强调古典艺术特有的准确性和表现力,偏爱雕刻般的造型感觉,追求素描关系下的简洁、质朴和庄严感,极力减弱绘画的色彩要素,他把素描光影技巧在画面上运用得十分娴熟。大卫虽然对素描推崇备至,但他也十分清楚,素描技巧只是表达情感的一个媒介。在强调素描的前提下,大卫还十分注重对人物精神世界的表现,在作品的素描稿阶段就要求表现出人物的精神风貌。《拿破仑一世加冕大典》是大卫的一幅鸿篇巨作,整个画面场面恢宏,人物虽多达百人,但大卫通过高超的素描造型能力,把每个人物形象都描绘得惟妙惟肖,将庄严和恢宏的气氛把握得非常准确。作为大卫的弟子,安格尔对于素描的重视程度有过之而无不及,但他的造型手法与大卫有所不同。大卫注重古典艺术形式下素描的完整性,以及人物雕刻般的造型,这种手法非常适合表现大卫喜欢的英雄题材及悲壮场面;安格尔则将线条和轮廓相结合,将形和线放在了头等重要的位置。从安格尔的肖像画中我们可以看到:结构的严密、手法的细腻、素描关系的明确使得人物造型极为具体。安格尔的人物造型以素描的严谨细微为基础,画面中几乎没有一笔失误和多余的线条。他对线条的重视与理解已经超越了之前的所有画家,他提出,线条就是素描,就是一切。并说,即使是烟雾也必须用线条来表现。显然,他将富于魅力的线条放在了第一位,在他看来,线条不仅是理性的象征,也是唯美与华丽的表现。安格尔强调线条本身的意义与表达的特质,反对在画中的阴影和轮廓处表现反光,他认为阴影内琐碎的反光和沿着轮廓发出的反光,都对艺术的庄严感毫无价值。新古典主义十分重视画面对明度的要求,虽然它把素描的作用放在了第一位,但由于画面明度的增强,摆脱了以往古典主义画面效果过于灰暗的弊病。重视素描,看轻色彩,在作品中着眼于素描关系和形式结构的悉心研究,是新古典主义美术的基本理念。3新古典主义同古典主义相似,在内容、技巧、构图上都遵循既有的规范和秩序,但是两者在题材选择、表现方式、人物安排等方面却有许多不同之处。这些变化和差异以大卫最具代表性。新古典主义画家反对洛可可的陈腐画风,渴望通过重视古希腊、古罗马的简洁和庄重来传达正义、荣誉和爱国主义等道德观念。他们重视历史的精确性,试图在古典题材中如戏剧般重现当时的一幕,甚至试图通过细节的真实刻画来还原历史的瞬间。大卫用古希腊式的静穆甚至呆滞来表现人物的动态和表情,同时人物的肤色也回到文艺复兴时的“固有色”,只是亮度得到了提高。男性和女性在一定程度上回到巴洛克的粗壮,男性与武器占据画面高点的情况也再次出现。大卫认为古代艺术是画家的学校,是近代画家取之不尽、用之不竭的源泉。古典主义所具有的端庄典雅和艺术样式,非常适合表现他所憧憬的、理想的英雄人物。他主张艺术必须向广大民众进行道德教育。他在自己的绘画创作中把古典艺术的手法与宣传革命的思想统一起来,使古典传统在法国大革命时期得到了发扬。他的作品《荷拉斯三兄弟的誓言》就是一个很好的说明。此画虽然是历史画,但空间效果非常独特,作品经过精心安排,把现实的场景定格成一种舞台效果的浮雕,那种悲剧性的崇高精神在瞬间就感染了广大观众。作为古典主义精神捍卫者,同时又是新古典主义最纯粹表达者的大卫,在创作《马拉之死》时,却遵循着现实主义的创作原则。他认为把马拉描绘成他所看到的那种姿态——为人民的幸福而奋力写作的姿态,是很有意义的。在《马拉之死》这幅具有鲜明风格的作品中,虽然人物形象非常突出,但用色十分单纯。整个画面平静庄严,省略了一切无关大局的细节,力求简单质朴。大卫一改他画肖像时使用逐一相加的小笔触的习惯,而是以更果断、更厚重的大笔触来表现坚实的形体和变化分明的光线。他对场景中所有静物的刻画,体现出对客观写实的追求,这在他以往的作品中完全没有过。在这幅作品中,大卫对悲剧事件的表现达到完美的程度。这幅油画以极为简洁的古典手法成功地将肖像的描绘、历史事件的准确性和崇高的悲剧性结合在一起,使它成为一幅具有崇高悲剧美的佳作。大卫的作品充分体现了新古典主义的美学特征,以自然为原型,按照纯粹的理性美去再现自然,让对象服从于既有的典雅和古典主义的美学模式,将对象理想化、完美化。大卫十分推崇普桑,在艺术理念上明显受到普桑的影响,主张用理性来指导艺术,将艺术纳入规范和有序之中。大卫的许多作品以古希腊罗马英雄事迹为题材,强调强有力的结构关系,追求简洁、质朴和庄重感。由于过分夸大理性作用,把情感和个性放在了从属地位,因此大卫的新古典主义有时被称为折衷的、派生的风格,这种风格使文艺复兴以来的古典主义得到延续。4大卫的学生中安格尔成就最突出,并当之无愧地成为大卫之后最重要的新古典主义画家。新古典主义发展到这里表现出明显的转折:忽视政治和社会作用,重视艺术的纯粹性和观赏性;风格华丽唯美、具有东方色彩。在安格尔所处的时代,浪漫主义已经蓬勃兴起,而他坚守着古典主义法则,以一种“为艺术而艺术”的姿态来反对浪漫主义艺术。安格尔最初是大卫学院派艺术的忠实信徒,出乎意料的是,他的第一幅正式的历史画创作《阿格流斯接见阿伽门农的使者》,虽然获得了当时最高的艺术大奖——罗马奖,却引起了大卫的误解和不满。在这幅画中,安格尔一改学院派教条、僵化的表现形式,表现出古典绘画从未有过的轻巧和诗意,他摒弃了大卫所崇尚的光影效果,在色彩亮度提高的同时又降低明暗对比,使得画面细腻活泼。安格尔是新古典主义绘画的最后一位大师,却比大卫更多地受到了文艺复兴古典主义的影响,他的作品中充满了拉斐尔式的优美典雅。安格尔极其注重古代艺术的形式节奏,即使表现一种强烈情感,也使用非常冷静与均整的手法,素描精确,轮廓秀美,充满娴静与孤冷的情调。安格尔把“古典”的原则和“自然”的形象结合起来,使唯美华丽的风格臻于极致。自文艺复兴以来,古典主义者一直把历史画创作视为绘画的最高境界,肖像画属于第二等级,所以安格尔本人并不承认自己是肖像画家,但是许多美术史学者仍将安格尔定位为“一位伟大的肖像画家”。法国古典主义肖像画有一个共同的特征,即把人物描绘得十分庄重和典雅,安格尔在这个基础上又将华丽风格融入其中,他的《德赛夫人》、《贝尔登像》等都是杰出的肖像作品。在这些画中,虽然素描居于支配地位,但画面的颜色变化处理得非常耐人寻味,在用色上增加人物肤色的亮度,把古典的明晰和浪漫的美感结合起来,使得画面既辉煌又雅致。安格尔有许多以裸女为题材进行的创作。在米开朗基罗、提香、乔尔乔内等人的笔下,裸女体现的是一种充满人性的时代理想和精神,而安格尔在裸女上所寄予的理想,则是“永恒的美”这一既抽象又纯粹的概念。究其原因,乃在于其寻求以线条、形体、色调相和谐的“理想美”。表现这种理想美的方法就是把线条和轮廓作为艺术形象的基础加以固定化,安格尔直接运用线条对画面进行艺术处理,强调画面的平面性,使事物本身之重要性,附属于形式要求,因此,裸女只是安格尔表现理想美的载体而已。1856年,七十六岁高龄的安格尔画出了自己最杰出的作品——《泉》。此画是画家对“纯粹古典美”的进一步表达,在这里抽象的古典美与具象的女人体进行了完美的结合,使其成为新古典主义美术最后的光芒。安格尔从1820年就开始酝酿创作这件作品,前后竟然花了三十六年的时间。此画向世界表白了什么是“无瑕的美”。5新古典主义美术重视素描而轻视色彩,重视共性而轻视个性,重视形式而轻视感情的存在。作为传统绘画的重要流派之一,新古典主义画家将透视、解剖、明暗、造型等绘画技法作为重要的表现手段,并将真实的“再现”当作基本目标。为了达到这个目标,他们无法避免对素描的过度依赖。这样,容易导致画面的固化和僵硬,使画面缺少生气。大卫的画虽然简洁而精准,但他对色彩采取的轻视态度,使得画面缺少自由和运动气息。自从安格尔在1825年成为法兰西美术学院的院士之后,他对古典主义的理解就成了各美术院校的教条。19世纪,随着浪漫主义的兴起,人们