【莫扎特单簧管作品的艺术特征分析8500字（论文）】

前言《A大调协奏曲第一乐章》由沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（WolfgangAmadeusMozart）创作，莫扎特是古典音乐时期最有影响力的作曲家之一,被称为"音乐神童，莫扎特创作的音乐体裁涉猎广泛，众所周知莫扎特擅长交响曲、歌剧、弦乐四重奏、钢琴及小提琴协奏曲，而此曲是莫扎特所创作的唯一一部单簧管协奏曲，在这首作品中作曲家将技巧性的因素与诗意的内容相结合，该部作品旋律优美、真挚、富有歌唱性，这部作品的结构是莫扎特为协奏曲这种题材确立的固定结构原则——双呈示部，既富有技巧性的华丽乐段，又具有温和、柔顺、真挚的艺术特点，令人如沐浴于春风里，本文笔者将从多角度的视角全方位的剖析莫扎特音乐风格、创作手法，对该部作品单簧管演奏特点展开分析,从而为同类作品的演奏提供参考价值。以莫扎特为单簧管所写《A大调协奏曲第一乐章》为例，针对该作品的气息、演奏技法、演奏情感等特点进行分析整理，阐述单簧管演奏该作品的艺术处理形式特征分析，研究以莫扎特《A大调单簧管协奏曲》作为基本的理论基础点，深入剖析该作品的创作背景、音乐作品风格、乐曲结构及演奏技巧，更好的演奏发挥。本文主要是在对莫扎特为单簧管而创作的唯一一部作品《A大调单簧管协奏曲》第一乐章进行分析后，将该作品在技巧和演奏风格与整个乐曲进行融合，更好地表达这首作品传达的意图。对其演奏技巧、作品风格、乐曲结构进行逐一分析，深切的感受莫扎特音乐的魅力，同时希望通过学习和分析该曲的演奏技巧更深入的掌握该曲的特点和精要，从而不断提高演绎水准。一、作品简介（一）作者介绍莫扎特是古典主义时期的一位音乐天才，在他短暂的一生中创作了多达六百多首音乐，涉及交响乐、钢琴、长笛、小提琴等多种乐器，并且在每个类型的作品中都创作出了不朽的经典之作。黑格尔曾经说过：“没有人能真正超出他的时代，正如没有人能够超出他的皮肤”。莫扎特生活在约瑟夫二世统治时期时，皇帝本身也热爱音乐和支持音乐事业的发展，属于一个较宽松、自由的时期。但是随着18世纪欧洲精神这个思想文化大背景的不断变化，他的创作风格也不断变化。莫扎特有着自己的音乐演奏特征，力度、速度和装饰音无一不体现他自己独特的风格，所以，我们要全面地了解莫扎特的创作风格乃至于具体、现实的社会文化背景才能更好地演奏他的作品。从莫扎特音乐中所透露出来的是他一颗充满爱的心，是一片纯真、纯善和纯净，他的音乐往往能打动我们灵魂最深邃的部分。音乐是莫扎特的全部，也使他实现了个人的价值，能够做他喜欢的事情，我想他是快乐的。我们敬佩他的勤奋，更敬佩他伟大的创造力，所谓“伟大的作品只能来自一颗伟大和高贵的灵魂”。（二）创作背景莫扎特是古典主义时期重要的作曲家之一，作品众多,共有作品600多首,创作作品体裁广泛，几乎涉及所有音乐领域。如交响曲、歌剧、各种乐器的协奏曲与室内乐等，被誉为“音乐神童”。莫扎特在欣赏一场曼海姆乐派的音乐会时，感受到了单簧管美妙的音色，并在给父亲的信中这样说道：“如果我们萨尔茨堡的乐队里也有单簧管就好了!你真应该听一听这奇妙的乐队。你想象不出乐队里用了双簧管、长笛和单簧管后的声音有多美。我们要是能有这么一个乐队该多好啊!”而这时的单簧管还是被当作Ｅ调小号的代替品所出现，并不是一种真正意义上独立的乐器。真正将单簧管从“假小号”中独立出来的是莫扎特为单簧管宗匠安东•斯戴德勒谱写的《Ａ大调单簧管协奏曲》，正是因为莫扎特对单簧管音色的喜爱以及他对好友斯戴德勒单簧管演奏的欣赏，才使得这部伟大的作品诞生。而我们今天所见到的《Ａ大调单簧管协奏曲》并不完全是莫扎特的版本，这是因为现在低音高音区域的连续跨越在当时的五键单簧管上是无法实现的，流传最广的版本是：莫扎特去世后，斯戴德勒请了十二个月的长假在欧洲旅行。他在国外时，拿破仑战争爆发，交通遭到了破坏，直到六年后，他才回到家乡。这时，职位早已让人占去，他只得另谋营生,就在这时他想到把协奏曲改编为现代单簧管乐谱。二、单簧管（一）单簧管介绍作为一种外来乐器，单簧管是它的学名，又叫克拉管或黑管，由一片芦苇制作的哨片卡在笛头上发音而得名，也有许多地方称它为“竖笛”。这种西洋木管乐器产生于17世纪，于19世纪末传入我国。它的发展要比其他木管乐器晚，第一只单簧管由德国纽伦堡的乐器制造家登纳改进了一种原有的木管乐器而得，结构相对简单，只有7个音孔和2个键。直到18世纪初改造后，单簧管的音域才不断扩大。在西方音乐史上，18世纪是器乐发展、定性的重要时期，不仅钢琴和小提琴的演奏技巧有了突飞猛进的进步，单簧管也有了突破性的进展。当然，单簧管的进展与莫扎特的重视是分不开的，他把单簧管这种乐器的功能发挥得淋漓尽致，把它推上了俨如皇后般的地位，为后来单簧管的发展打下了基础。单簧管的每一次变革与发展都为它更好地演奏曲子起到了积极的促进作用，使它的演奏技法更加便利、表达情感更为完善。发展至今已经成为一种有着自己独特魅力的乐器，单簧管在管乐中是音域最宽的一个，跨度为四个八度的音域，泛音也是木管中最容易演奏的一个，表现力包括琶音、音阶等，也是其它木管乐器无法超越的。它丰富多彩的音色和能够演奏出流利的音阶和琶音越来越受到艺术家的青睐和人们的喜爱，也广泛应用到乐队当中。（二）单簧管相关作品莫扎特对单簧管的喜爱也是毋庸置疑的，是莫扎特把单簧管推上了“单簧管王子”的地位。他创作的许多作品中都应用了单簧管，充分发挥了它的性能，如重奏作品《降B大调管乐五重奏》和《降E大调三重奏》等，其中独奏作品《A大调单簧管协奏曲》被称为是最伟大最经典的单簧管协奏曲。莫扎特写作此曲，一方面是对单簧管音色的喜爱，另一方面是为他好朋友安东·斯塔德勒所作，这位好朋友和他相识于1781年的维也纳，是一位有着极高单簧管演奏水平的乐团演奏家，这也为莫扎特创作此曲提供了一定的技术支持和保障。这部伟大的作品在他1791年10月辞世前两个月之前完成，是莫扎特的“天鹅之歌”，当然也是他的另一首《安魂曲》。后来在1801年出版时被改编成适合标准单簧管演奏的版本，以便流传下去。这首曲子两百多年来一直深受人们喜爱，直到现在还是大型的国际单簧管比赛必选曲目之一，因为演奏莫扎特的作品才能考验自己能否演奏出作品最本质的东西，让每一个音符会说话，诉说你的哀愁与快乐。他创作的音乐注重音乐语言的表达和情感的真挚，结构清晰、严谨。他的创作让人们了解到了单簧管的独特魅力，让更多的作曲家和音乐爱好者了解了单簧管，这也为单簧管以后的发展奠定了基础。三、《A大调单簧管协奏曲第一乐章》作品分析（一）音乐风格第一乐章为A大调的快板，原是1978年莫扎特为法国号管弦乐写作的快板乐曲的草稿，这一乐章流露出他卓越的音乐才能，风格是如歌的，精神饱满的，极富歌唱性。乐队引子以弦乐组的一个温柔的主部主题开始，这首协奏曲的一大特点是，所有的单簧管独奏段都是起始于一个平稳安详的音色力度和音高水平。独奏单簧管在演奏主部主题时，效果甚至比乐章开始时候更柔美。先用小提琴伴奏，于是获得了轻快的室内乐织体，后来中提琴加入，最后低音弦乐器参加，为曲子加入了一些清淡的和声支托。这一乐章的轻快，像是初夏第一次赤脚趟进清凉的溪水里，淙淙的水声里跳跃着斑驳的树影和叶片间倾泻到水面的阳光，水声仿佛也是快乐的。第二主题变为E大调，弦乐与单簧管密切配合，单簧管连续的琶音结束了主部主题的陈述，弦乐器接着插入第一主题的旋律，呈示部结束。紧接着，单簧管用小调式吹出一个忧郁的对比旋律，开始了发展部。这些惆怅的笔触，即使在最阳光灿烂的第一和第三乐章，也总是挥之不去。在这部作品中，莫扎特在很多乐句上使用了不同音区对比的手法，在变幻中让人联想到不同的角色。低音区一般使用强力度，而高音区则相反，这样一来，就丰富了乐曲的色彩，使之更具有感染力。（二）曲式分析小提琴演奏家海菲茨曾经说过：“最难演奏的不是帕格尼尼，而是莫扎特、贝多芬。”技巧的娴熟不能与音乐的完美全释划等号。莫扎特的音乐最难演奏的就是他的“简单”。越是弦技的曲子，越容易遮盖演奏者许多的缺陷，表面越简单越需要我们真正地渗入到里面去理解和把握他作品的风格，流露出真诚与自然的美感，无需更多的装饰，因为莫扎特的音乐都是他内心情感的抒发，有着丰富的内涵，看似简单，想要很好地理解和表达、感染听众属实不易。这首作品是典型的古典主义时期的三个乐章套曲结构，双呈示部结构和有技巧性行的华彩乐段。《A大调单簧管协奏曲》的第一乐章，是一种Allegro快板，采用A大调。节拍为4/4拍，曲式为双呈示部奏鸣曲式。这部分的第一主题典雅而庄重，由单簧管在乐队那里接过来演奏更有一种柔美而忧伤的感受。在本曲的编制上，采用两根长笛、两根巴松管、一个两个Ａ调的圆号，加上弦乐组。在作品的开头，便是由第一和第二小提琴所演奏出的第一主题（1-24），在开头八个小节的a段主题最后结束于不完全终止，此处终止使用了Ｄ＃与Ｖ/ｖ的重属和弦对Ｅ调的主和弦进行暗示。并在后面随即得到解决，此时长笛在上方拆分成了两个声部，并在后面的第三小节重合到一起。弦乐则是在此时引述出带着装饰色彩的新的主题，实际上该部分的骨干音与开头第五小节开始的部分基本是一致的。同时此乐句具有一个闭合性的终止，代表着该乐句的结束。乐段b开始于16小节，此部分使用了乐段a的部分音乐材料，例如17小节的七度跳进曾在第6小节出现，同时中提琴所演奏的伴奏音型变更为了连续的切分音，这一部分的旋律在进行一系列的发展之后结束在一个封闭式的终止之上。从25小节开始，25-49小节的部分，和往常的协奏曲中期望的不同，并没有琴交替展现的第一主题的卡农展开，通过对第一部分主题的模仿发展。很有趣的是，在31小节的位置，有一段长笛声部与一提琴对大提琴和低音提琴以及巴松的模仿，以及中提琴对二提琴的模仿，由此产生了一种此起彼伏的感觉。相同的模仿和重复也在39-42小节中有所运用。最终使用一个完整的终止于A大调的主和弦（48-49）。庄重典雅的主题反复出现起主导的作用（见谱例1）。谱例1第一乐章主题57-60小节如上谱例所示，主题句从弱奏开始旋律柔美的缓慢上升，呈现出一种温馨和积极向上的感觉。第一乐章中的十六分音符平均对称，单簧管用涟漪般的音阶和琶音仿佛在刻画自己的灵魂状态，也体现了古典主义时期严谨的音乐风格。第一乐章的单簧管演奏充分发挥了单簧管的演奏技巧及特点，表现出的音乐十分具有美感，给人以优美柔和的感觉，同时在加上小提琴、中提琴、低音弦乐器的伴奏配合，与乐队充分融合，表现出的音乐更加具有美感。四、《A大调单簧管协奏曲第一乐章》的艺术特征（一）演奏特征每一首作品都有其独特的演奏技巧，而莫扎特的这首《Ａ大调单簧管协奏曲》也不例外。它充分表现了单簧管独有的音色特点，运用了吐音、连音,以及指法技巧等搭配着演奏者不同的强弱对比、呼吸处理以及情感的表达，将单簧管神秘而又丰富多彩的音色和莫扎特自然单纯的音乐特点表达得淋漓尽致。1.气息运用气息是吹管类乐器中经常讨论的话题，它是乐器的灵魂。气息的运用也是每个曲子中尤为重要的学习部分，而古典主义时期更注重乐句的完整性，不能随意换气，一定要有一个衡量的标准。在练习的过程中，要根据乐句标好换气符号，并按照标注的符号进行换气,养成习惯,从而达到练习的目的。在练习过程中更要以不变应万变，不要改变气息的方向,仅仅去改变指法，将每个乐句都按照练习长音的方式进行练习。而在训练气息时，可以通过弯腰九十度自然呼吸，找寻气息发力的位置，也可以平躺于瑜伽垫上拿着乐器去吹奏长音，去感受气息的发力点。而这些方法也是为了让演奏者可以体会到气息张力，从而在曲子中更好地运用。在曲子中会有很多空拍，但不是所有的空拍都是用来换气的，有的空拍是音乐的需要，为了使乐句更加连贯与流畅。2.吐音、连音（1）吐音吐音有很多种方式，演奏者要根据谱面上标记的不同符号进行演奏，除此之外还要根据作品的背景进行处理，不同演奏者的理解方式不一样，自然吹奏出来的音乐效果也是大不相同的。在《A大调单簧管协奏曲》中，由于它处于古典主义时期,所以它的吐音不会是较短的断奏，而是像一个轻巧的皮球在水面上跳跃的感觉一样，圆滑且富有灵动感。如果吹奏成较短的断奏,就会使乐句听起来愣愣的，太有棱角，不符合莫扎特单纯的性格以及自然、流畅的音乐特点。手指起落和舌头的配合是影响吐音准确性的因素之一，在吹奏吐音的过程中会出现手指与舌头没有配合到一起的现象，使得每个音不能够清晰地表达,会让人有一种被“夹住尾巴”的感觉。在练习过程中要针对连续的16分音符的吐音进行慢速的练习，一个音一个音地去吹奏,找到舌头与手指起落时相吻合的点，再一点一点地去加快速度，在加速的过程中还应注意16分音符的平均度。（2）连音说到连音技巧就不得不提到电影《走出非洲》的插曲，也就是《Ａ大调单簧管协奏曲》的第二乐章了。作品中运用大的连音将音符串联起来，演奏时则需要更多的气息作为支撑，以一个乐句的最后一个音符为目标音符，气息连贯地将乐句吹奏出来。在第一乐章中会有一连串的琶音式的连音，这时的指法不再是依次进行，而是两个手指进行配合的运动，手指的运动尽量离乐器近一些,这样防止手指的运动影响气息，从而破坏了连音线。在演奏过程中也不要有任何心理压力，放松心态，用演奏音阶时连贯、流畅的感觉，去演奏琶音。3.运指莫扎特是古典主义时期的杰出代表，他的作品有浓郁的古典主义时期的特点,通俗、简单、朴素，他运用简单的音符与节奏将音乐进行表现。在莫扎特的这首《Ａ大调单簧管协奏曲》中就不难发现，没有太复杂的节奏与指法技巧，运用大量的琶音、音阶与简单的主题，书写着这一美妙的乐曲。在第一乐章中有一段连续下行模进旋律，谱例看上去并不困难,甚至可以用简单来说，但当速度达到108以上时，这个地方的指法就会有些绕指。就算之前练习得非常熟，过了一段时间再去吹奏这首曲子时，这里仍然是需要重点练习的部分。所以在连续的运指时，手指与乐器之间的距离要更近一些，练习过程中，不易急于求成，而应放慢速度，体会手指与乐器之间有一根橡皮筋连着的感觉，一定不能将手指抬得过高。这样的话可以缩短手指的运动时间，从而快速且准确地演奏该片段。在第一乐章最后，连续相同的16分音符重复了六遍，这时可能会因为肌肉一直重复一个动作而变得僵硬，从而使音符没有持续连贯地吹出。在练习时则需要慢速进行练习，让肌肉去习惯，并学会去控制手指，最终可以在120左右的速度将它连贯地吹奏。这个地方主要是考验演奏者对于手指的控制能力。4.力度对比根据每个演奏者不同的情感理解，对强弱变化的处理与力度的要求就会有不一样的结果，在处理力度变化时需要注意渐强渐弱、极强极弱都需要留有空间。只有这样音乐才会更有张力，同时看到渐强的记号应该先弱下来，为之后的渐强做准备，同理，渐弱则相反。这样的话才会使音乐色彩更加丰富。在吹奏渐强、渐弱或者速度保持一致的同一个音符时，一定注意气息的平稳，防止用力过大出现“大肚子音”的情况。在吹奏极强或极弱时还须注意“强不噪，弱不虚”，控制好嘴型与气息，这样才能使音色更加柔美。在出现了强弱对比变化时，要注意二者之间的对比与反差，丰富作品表现力。（二）音乐表现1.为不同乐器分配角色，并在旋律进行中进行调配既然是歌剧那么必然离不开形形色色的角色和各种各样的情景，在莫扎特1970年公演的歌剧《女人心》中，讲述了两个军官分别与一对姐妹订婚。本来一切都很幸福，有一天两位男主向资深光棍阿方索秀恩爱，受到一万点暴击的阿方索于是设了一个赌局来试验女主们是否真的不会变心，两位男主于是对对方的未婚妻展开追求的故事。其中为了表达两男两女的情感纠葛，在一处场景中出现了四个人物的同台合唱，他们虽然是在合唱，但不同于传统复调作品表达同一个主题，每个角色都在表达自己的情感遗愿。在这样的情境下每一个角色的情感和人物特点都表现的淋漓尽致。在莫扎特的《Ａ大调单簧管协奏曲》中也有诸多这类的表达。以第一乐章的第二呈示部开头为例，从最开始单簧管在极弱的弦乐衬托中出现，到后面64小节长笛和小提琴的骤然加入，到了65小节更是由弦乐声部来呈示主题旋律，单簧管却是在上方极具表现力的演奏了一段华彩乐句，并在69小节非常具有霸气的将众人目光夺回，并在一串大起大落的连续大跳中收尾。倘若仔细聆听这里的音乐变换，便可发现莫扎特在短短的一个主题部分就给各个声部安排了如此多的角色风格，我们可以听到在最开始单簧管如同女高音的流畅咏唱，也可以听到弦乐与主题如影随形的“悄悄话”，但最终还是会在单簧管极具张力的舞动中回归主角。通过一个漂亮的强奏下行琶音，配合后面一个夸张的十八度大跳，仿佛角色瞬间从一个低吟的男中音转接到咏叹的女高音。将一个同样的乐器表现出不同的角色特征，足矣可见莫扎特对单簧管音色拿捏的高超之处。莫扎特在该部分使用的乐器数量和音符的密度都不高，但是通过这一位位音色各异的角色调动，将其塑造为一场丰富的演出。2.矛盾与竞争的融合在莫扎特的创作生涯中，他本人最为喜爱的是他的喜歌剧体裁，但是既然是戏剧，那么便离不开冲突和对话，协奏曲从本质上便是独奏乐器与乐队的竞奏，但它同样需要与乐队水乳相融，这种若即若离的感觉才是正确演绎一首协奏曲的状态。莫扎特作为一个歌剧大师，他在自己的歌剧中，往往会安插一些激烈的矛盾与冲突，例如《女人心》中两对男女之间的情感碰撞，亦或者是《魔笛》中王子与夜后的冲突。在莫扎特的《Ａ大调单簧管协奏曲》中同样有许多如此的乐段出现。《Ａ大调单簧管协奏曲》91小节中，单簧管通过降低了六度的一个向下进行的连续音表现了一些如同阴云般的愁思，但在一小节后马上又跳进近两个八度到了小字二组（使用巴赛特单簧管演奏前音可再低一个八度），并落在ｅ小调的不完满终止上，这里一段音色的突兀对比可以说让每一个熟知莫扎特风格的听众印象深刻。众所周知，莫扎特逝于1791年，而该作品正是莫扎特创作的最后一首交响乐作品，但是整个作品中却难以察觉莫扎特有什么临终的悲伤或是哀恸。莫扎特在这部作品的创作中，仿佛还是那个长不大的孩童，他从未抱怨过天妒英才或是生活的困苦哀伤，只是揣着一颗赤子之心，在自己的作品中与自己对话，或是谈乐，或是戏言。而这些陡然出现的与众不同的音调便能体现他丰富而又纯净的内心情感。3.歌唱的附和协奏曲的形式最初源于合唱，其实任何一种器乐形式都是源于对歌唱的模仿，常言道：“弹不如丝，丝不如管，管不如肉。”（分别对应键盘、提琴、管乐和声乐），歌唱的表现力永远都是远超任意一种的器乐演奏的。莫扎特在自己的歌剧作品中创作出了大量的优秀的歌唱作品，他们也成为了莫扎特创作器乐作品的灵魂，并大量运用在其中。以莫扎特《Ａ大调单簧管协奏曲》第一乐章的独奏部分开头为例，这个部分的难点和重要都在于第一个音上，莫扎特的作品从来都不会有德彪西或是现代作品的复杂多变的调性