借鉴油画经典技法，深化色彩教学改革(NXPowerLite).doc

借鉴油画经典技法，深化色彩教学改革摘要：一直以来，水粉画就作为中职美术专业的必修课，却带有过重的美术高考痕迹，存在教学模式程式化，学生的作品单一、平淡，缺乏创造力等状况，本课题研究如何将油画一些经典技法引入到中职水粉画课堂，在表现技法中创造性地融入了“调性”、“未完成性”的概念，注重用笔的“书写性”和“亮厚暗薄法”的运用。主张“大课堂”概念的综合型教学，通过自主构建画面，自制“基调色”等特殊技法训练，在实践教学中研究如何将当代的一些绘画理念带到色彩教学中去，使学生从狭隘的色彩课堂进入六百年欧洲油画文明中，开眼界、学技术、实践“开放性课堂教学”、提出“创作型写生思路”。提升中职美术专业色彩品质，给学生一个良好正确的艺术启蒙教育。同时使我校整个色彩面貌从工艺型向绘画型全面转型,使美绘组的教学呈现学术性的特质，取得了极为显著的教学成果。学生在历年的省、市基础绘画竞赛中均名列前茅，在今年参加的浙江省美术专业联考中色彩平均分最高的班级达89.27分，超过省联考分数线24分。同时课题已经在富阳实验中学等美术班教学推广。 关键词：油画经典技法、创作型写生、开放性、书写性、未完成性、基调色一、现状和背景的分析（一）水粉画这种画种本身需要改进基础色彩课使用的颜料是水粉色，所以老师们习惯把色彩课叫成水粉课。然而水粉画这种画种先天就不足，它兴盛于文革时期，主要用于革命宣传画，水粉色当时叫宣传色，由于它成本低廉，作画工序简便，易干，易携带，易张贴，符合当时“多快好省”的时代精神，适应当时“红、光、亮、”“高、大、全、”的样板要求，因此被全国范围内广泛推广使用。但是这种绘画样式离审美情趣的要求、艺术本质规律的发展、内在情感和观念的表达、相去太远。水粉画起先的发展偏颇，造成了如今营养不良的局面。这种画种被高校招生所采纳，被中等美术教育所接受，一直来是存在争议的。面对现实，如何使这门课教得更适应学生内在精神的自由发展，如何更遵循艺术规律的真实感受，是我们基础课老师值得研究的问题。（二）当前水粉课堂教学需要改革水粉基础课长期不能有高水准的变革，应试教育要负很大的责任。为了应付美术高考应运而生了一套程式化的教育模式。画苹果应该是什么颜色加什么颜色，画布纹应该是什么笔触配什么厚度，学生不必培养观察能力，更不必用心体验。只要死记硬背、反复练习就大功告成，这样就给先天不足的画种雪上加霜。美术报曾批评这种现象：“省级美术专业高考试卷评分中，在与数千份试卷接触中，发现一种令人不安的现象，那就是每位考生作品的表现手法几乎完全相同。单一化、程式化、平淡化的倾向比较严重。”看来水粉画教学改革是当务之急了。（三）体会高考色彩要求的变化，水粉课程有待教学革新自2004年开始美院的色彩考题带有很强的创作性和绘画性。比如平面设计专业的考题是阳光早餐，环境设计专业是节日等，这些考题不仅要求学生画出各种不同物体的形态特征、色彩关系，更重要的是要求学生緊扣主题思想表现出画面的气氛、情调。由此感到过去的色彩教学方法不够用，因此有待教学革新，需要吸收新的东西。二、油画技法和水粉画的共性探索及教学改革可行性分析（一）教学改革的思路为什么要将油画技法融入水粉画课堂1、油画丰厚的历史积淀和无穷色彩魅力值得借鉴 综观水粉画短暂历史,从未出现过公认的水粉画大家,也从未形成过有份量的艺术流派.恰恰相反的是一些有才华的画家大都选择了油画作为自己的色彩研究课题.学生们开玩笑说：“学水粉画，老师就是大师，因为水粉画从未出现过大师。”然而仰望油画天空群星灿烂，一路辉煌。人类精神在画布上的物化，成就了油画生态的六百年历史，自从佛兰德斯画派创始人杨凡爱克发明了适合于油性绘画的媒介，油画揭开了它生命的光辉篇章。从达芬奇、丢勒到达维特、安格尔、从提香、委拉斯凯支、伦勃朗到德拉克洛瓦、威尼斯画派、尼德兰画派、荷兰小画派、巴比松画派、从巴洛克、洛可可到新古典主义、浪漫主义-一代代大师们代表着他们那一代的艺术家群体在艺术技法上成就的高峰，创造了伟大而丰厚的篇章。尤其值得我们同学借鉴的是印象主义，在研究光色规律上，以打破传统严谨造型为代价，让并置的色彩笔触揭示出在光源之下自然界色彩的无穷魅力。艺术家的创造天性同相对恒定的世俗审美的调和与冲突形成了深沉壮丽的充满人类智慧和灵性的西方油画发展史。如果我们基础课老师不将油画技法融入水粉画课堂实在是“大失”啊。2、油画技法和水粉技法的诸多共同之处使借鉴成为可能油画技法和水粉技法同是色彩技法，其材质上有许多共通之处。这使得油画技法融入水粉课堂成为可能。具象绘画无论是写实的或表现的都要涉及到对某些实体的具体描绘。艺术再现自然的真实是西方传统艺术的美学标准。油画史毕竟是人类文明史的一部分，含有人类对美和科学的共识。这些共识随着时间的推移越来越精练。艺术造型基础就是建立在这些共识上的，虽然可以延伸出很多内容，但离不开对形、色和技法等基本问题的认识和掌握。这一点上油画和水粉画是完全吻合的。这两种材料同样可以用以精微平整的妙绘、也可以粘稠厚堆。即能透明薄罩、也可不透明覆盖。经过整理和思索我认为法国印象派、十七世纪巴洛克、俄罗斯巡回画派更是我们基础课应当借鉴的宝典。三、实践研究的主要进程概要（一）04年至06年课题的探索与培育阶段 该阶段初期我校资深教师沈国荣老师即提出了“色彩教学改革”思路，形成了在色彩教学中要求学生注重调性、注重表现、注重绘画性、注重创作性的教学构想。期间以示范课等多种形式倡导和开展各项工作，在教学技法中通过培养学生观察对象，感受对象的能力，注重调性的把握及不同质感的表现，从而提高学生水粉静物写生中的表现能力。从课题的推进上积极带动并触动了教研组对色彩教学的思考和改革。（二）06年后期至今课题的深入研究与实施阶段这一阶段是扩大教学改革，推进成果积累的重要阶段。课题组由李钧老师主持工作，经过专题尝试和研究，借鉴油画技法，突破传统的水粉画表现技法，并在教学实践中总结形成了较有成效的教学实施策略。克服了原有的色彩教学应付美术高考的痕迹过重，教学模式程式化，学生的作品单一、平淡，完全缺乏创造性等弊端，使我校整个色彩面貌从工艺型向绘画型全面转型,使美绘组的教学呈现学术性的特质，取得了极为显著的教学成果。四、探索与培育阶段的主要工作和教学方法分析（一）04年至06年课题的探索与培育阶段“色彩教学改革”思路的提出第一次在中职学校提出“色彩专业教学改革”想法的是由沈国荣老师在2004年上半年01年级高考、高职考经验交流座谈会上提出来的。当时沈国荣老师非常敏锐地察觉到高考色彩带有很强的创作性和绘画性的变化趋向，在基于对传统色彩教学不断地创新和突破，要求学生緊扣主题思想表现出画面的气氛、情调这一思路的基础上，根据当前中国美院基础部的色彩教学越来越趋向具像表现的特点，结合我校学生的情况，理出了一个“色彩教学改革”的构想：即在色彩教学中要求学生注重调性、注重表现、注重绘画性、注重创作性。并开始在04届学生的色彩教学中尝试和实施。（二）初期“色彩教学改革”构想的实施1、潜心学习、对比研究为课题启动创设积极条件先给自己“洗脑筋”。要搞好“色彩教学改革”首先要提高自己的色彩教学水平，开阔视野。于是决定向同行前辈学习。向同行学习、向学生学习。自己买了存在主义艺术大师贾科海第的画册，这位大师在视觉体念上提出了新的见思：今日世界艺术大师洛佩滋这位具像表现大师在具像表现上有自己独到的功夫；还有中国美院的具像表现的“三剑客”杨参军、焦小健、章晓明的油画作品集。他们在具像表现上都各有千秋；同时还研究和分析了中国美院基础部近几年的优秀学生色彩作品集，仔细观看了中国美院具像表现的领军人物司徒立的画展“三剑客”画展，以及美院基础部的优秀学生作品展等等。这一系列的活动，让我明确了自己该怎样做好色彩教学改革。2、“色彩教学改革”的实施平台 在课堂教学中点滴渗透。a.在辅导学生时，b.在讲评作业时。 利用公开课、示范课系统地讲解“色彩教学改革”的训练，意义及方法。 老师示范或给学生改画是最有成效的。 用一些优秀美术作品、色彩习作让学生观摹、临摹。能起到很好的导向作用和参考借鉴作用。 模拟命题色彩考试。3、“色彩教学改革”初期形成的教学方法 以下是沈国荣老师在2006年10月在画室开设的一次示范课，授课对象是04绘1班，课题为水粉静物画法表现。教学目标：培养学生观察对象，感受对象能力，同时提出学生水粉静物写生中的表现能力。教学能力：调性的把握及不同质感的表现。道具器材：画册、资料、范画。教学过程：一 导入新课。1. 讲自己画水粉画的经历感受。2. 中国美院具象表现给基础教学带来的影响以及美院招生考试中的风向趋势。3. 一些具象表现大师的介绍二 水粉静物表现的观察特点，注重一组景物存在的状态，捕捉转瞬即逝的视觉感受，而不是盲目的视觉索引。法国印象派在视觉里直接追寻“变动不居”等种流变之见的不确定动形态和颜色。（结合一些图片资料讲解）三 水粉静物表现的技法特点1. 大小结合2. 软硬结合3. 厚薄结合4. 光毛结合根据画面而要求。灵活处理，范画讲解，老师示范。四 作业点评总结把学生画好的作业放在一起进行讲评，一方面由学生自己说感受，说技法；一方面由老师说收获说问题。从中可以发现有两个痕迹非常明显。其一就是教师灵活处理了水粉静物的表现技法；其二是教师从感受入手引导学生体会其它流派的表现手法。这一时期主要形成的教学方法有：（1）在观察方法上培养学生学会观看：看整体眯眼看，看虚实盯眼看，瞬间印象回首看。（2）在表现技法上主要在“摆”、扫“、”勾“、“堆”、“刮”、“点”、等用笔上做文章。（3）在调性的把握上一方面训练学生对“高调”、“灰调”、“冷调”、“暖调”等色调上的处理，绘画风格上要求学生做到变化中求统一。（4）在创作性方面，主要训练学生学会构思、学会构成、学会取舍、学会想象。 五、教学技法分析和实践应用（一）教学技法分析将什么油画技法引入水粉画课堂。 界定何谓油画经典技法是一件困难的事，大到每一个时代、每一个流派、小到每一个画家、每一个地方区域都会有自己独特的经典技术技法。现在看来没有任何一种油画技法可以在六百年油画技能史上大一统的。比如新古典画家用层层罩染的薄画法对抗浪漫主义画家激情的厚涂笔法、严谨的学院派绘画主流认为印象派随性的色彩表现是缺乏教养的表现。究其原因是由于绘画艺术特别强调表象的独特性、非常排斥权威、崇尚个性所造成的。我们在众多的色彩技法中努力去截取一些在现今课堂上能有效操作的部分，这样的工作一直在延续着。1、“调性”的概念 油画老前辈们常常告诫画色彩要重“调性”轻塑造。可见得“调性”在色彩中重要地位，重要到可以不惜牺牲素描来表现“调性”。对学生而言，理解“调性”就意味着掌握了驾御色彩的有效手段。“调性”是相对于画面整体色调效果而言的一个概念，主要用于确保色彩的和谐。油画颜料中有不同色相“基调色”，大大方便了画面的“调性”处理。我们在增加了“调性”练习单元同时也调和出水粉颜料的“基调色”。教学目的是让学生明晰区分色调差异和不同色彩的合理配搭。如图（1）所示：这幅风景写生作业学生是选用了黄紫灰色作为画面“基调色”土墙、地面、瓦片色彩都用黄紫灰色来统一，实现“调性”明确。图（1）2、“未完成性”概念“未完成性”顾名思义就可以理解其意义，就是“完整性”并不能作为对画面的要求，这一点和一直以来的水粉画课堂要求相去甚远。中国美术学院油画系早在1995年开始了称之为“具象表现”的教学变革，在基本方法上提出了“未完成性”。意识是一个“不断流变，不断生成”的绵延不断的意识流。它是一种时间性的存在。本来就没有任何刹那的意识会固定不变。那么绘画的不可完成性是合乎逻辑的。我们在借鉴传统油画经典技法的同时也借鉴了当代的油画表现技法，在我们的学生作业要求一些“意向型”的内容。从图（1）可以清楚看到这位同学处理地面和靠近右侧边上的土墙是意笔草草的谈不上有什么塑造，甚至连白纸都未填满，这张“未完成性”的作业是在强调作者的关注点是在画面的中间部分，处理手法是一种大虚大实的概念。3、用笔的“书写性”当代油画技法极强调用笔“书写性”，这种“书写性”是针对于绘画“制作性”提出来的，也正好针对了习惯水粉教学中“摆笔”画法。由于学生被“形”的描绘难度所约束，要追求超然逸气的“写”自然掺杂了许多“作”的痕迹。以至在整体感上不能通达畅意。为此在水粉课堂有必要借鉴“印象主义”，以打破严谨造型为代价，让流畅笔触造就色彩无穷魅力。图（1）整幅作业用笔是非常流畅的，并无做作的痕迹，这并不意味着这位学生用笔已经受能生巧了，恰恰相反为了用笔有“书写”意味，学生不得不牺牲一点形的准确性，树的处理上足以显漏造型的不到之处。4、油画经典技法“亮厚暗薄法”的运用早在文艺复兴时期伟大画家提香就开了亮部直接厚涂的“亮厚暗薄技法”的先河。形成了变化丰富的笔触美感。这种经典技法经过几百年的演变，笔触不再被动地描摹造型，而更具有强烈的表现性意味。油画的这种强烈视觉效果和一副平整的水粉画效果大相径庭。所以教导同学学点经典技法使厚薄不一的笔触表现形体走势，表达物象实存的力度。无生命的水粉材质在运作之间显出生命活力。如图（1）中显示，颜料层多遍加厚的黄色土墙和深色瓦片的薄涂所形成的对比，不仅造成了土墙色彩的视觉扩张力，也使景物更有质感上的实在性和画面效果的丰富性。（二）课堂教学中的实践策略1、提出“大课堂”概念的综合型教学学习环境融入油画大背景我在这里竭力提出并推行“大课堂”的教学概念，就是提倡一种综合型的教学。把“油画技法融入水粉课堂”的命题放到大艺术教育的背景下实施。“大课堂”突破了传统的班级、画室授课的狭隘观念，引导学生把美术馆、博物馆、画廊、油画欣赏光盘、都作为外延的课堂，努力拓展学生的视野。即从传统中吸取精华，又关注当代绘画艺术，将油画的精神追求和艺术情趣带到现实的水粉课堂里。（1）走出校园学习观摩03美术绘画两个班来讲，光是05学年上半年我们就组织了许多大型的参观活动，去中国美术学院象山校区参观基础部的一些油画写生作业，甚至进入美院油画课堂学习大学生习画过程。在南山校区带学生观摩了“学生优秀作品展”“教师推荐作品展”“研究生作品汇报展”等等。有一次绝好的学习机会，在我的建议下许多家长带学生去上海参观了“法国印象派”作品展。记得一次参观叶国丰老师的作品展，作品内容是抽象的，学生自然是看不懂的，我从色彩的构成，油画肌理的美感，表现的美感多方面给学生阐述，使同学从一无所知到略有领悟，从渐渐明白到愿意尝试，这是多么大进展。（2）开放性课堂教学05学年美术绘画组精心挑选了130张国外油画大师的精美印刷作品，用数码相机拍摄，打印成八开大小的彩色塑封图片提供给学生临摹学习。图片内容：画派名称画家姓名作品类别印刷数量印象派雷诺阿静物、风景10张印象派西斯莱风景10张印象派莫奈静物、风景20张现实主义库尔贝静物、风景10张现实主义柯罗静物、风景10张罗可可主义布歇静物、风景10张巴洛克主义维米尔静物、风景10张巡回画派列维坦静物20张巡回画派谢罗夫静物、风景10张后印象派塞尚静物、风景10张后印象派凡高静物10张 将这些图片供一个班三十五位同学挑选，学生根椐自己的眼光和喜好选择一至二幅图片用以临摹。每一位同学都有机会发挥主观能动选择学习哪一路流派，哪一种技法，不仅让他们觉得自己的眼光受到了尊重，也培养了他们的责任感，为今后的“创造性学习”打好了良好的基础。亚里斯多得在两千多年前说：“一个创造者实质上是一个梦想家”，换句话讲人是不完美的动物，因此他一生追寻实现美。我们的学生同样在色彩课的学习中有自己独立审美的一面，要给他们更大的空间，提供一个“群星灿烂”的油画技法世界，让他们自己选择哪颗巨星更靠近他们的始初状态。思路不一定要很清晰，画画难得的是单纯，绘画的至高境界不是清晰而是浑屯。每一张临摹完成之后都安排一次讲评，学生互相审视完成的作品，然后尽力鼓励同学间的相互指正，肯定好的地方，发表不同的看法。只有在学生阐述不清或者评诉离题时，我才采取适度干涉。这样学生不仅通过仔细临摹熟悉了一位大师的油画表现技艺，也能在同学间交流过程里了解到多位大师的美妙画面，培养了视觉敏锐反应、洞悉、理解等心智思维。我们很少给学生布置回家水粉作业，而是要求同学放学后或是双休日多去新华书店，外文书店，图书馆观摩油画作品集。从前辈、名家，大师们那里吸取养分，能学到许多学校里学不到的东西，增加感性认识、对事物特别感受的把握能力。2、提出“创作型写生”的教学思路依靠经典名作、自主构建画面教与学是课堂教学进行过程中互动的两个方面，传授与吸取双方积极主动、相互配合才能达到理想的教学效果。作为教育者要尽可能多地提供信息来提高学生的修养，培养他们用自己的思维方式对造型和材料进行感知的能力和热情。 每一位老师都可能有自己既有的绘画风格，或是古典写实的，或是表现写意。艺术风格本身并无高低优劣之分。要有宽宏的心态，切忌唯我独尊的权威姿态。师生之间要形成切磋交流的良好风气，这样教与学才能真正互动起来，学生的原创性思维也活跃起来。在前面我已经给学生展示“大课堂”教育的种种形式，有意使学生风格呈现多样化，有利于学生在各种尝试中逐渐发现自己的兴趣点，积极主动地探索适合自己的绘画形式。所谓“创作型写生”，就是要在教学中培养学生的想象力和思维原创性。我们现行的教学体制和结构仍存在不尽人意之处。传统的教学模式倾向与单向传授，基础教学过于强调技术的训练，这种“填鸭”式的单调死板的教育抑制了学生的主体意识和求学积极性，原创性也受到局限.整个教学过程变的单调乏味,始终难以进入一种积极互动状态,那么在课堂上如何传授呢?总不能让学生在学校内流汗受累练就一生本领反而成了创作道路的绊脚石.（1）提倡画内省的真实写生是深刻领悟自然界和生活的过程.它摹写的是另一种真实内省的真实.如果真正处身大自然,力求真诚的思想情感,那么每一个人的体会必然是不一样的.凡高面对风景传达出狂热的激情,塞尚则冷静地抽离自然景物背后的稳定秩序.所以在大自然中引导学生感受并且提高这种能力,大胆自信地表达自己的独特绘画技法.在看到学生作品出彩之处,教师应当加以肯定并向学生阐述油画技法中诸多表现手法和形式追求,慢慢拓展同学们的绘画思路.那种死板的镜像式写实主义在西方早已被抛弃.现在迫切需要转变观念,写生应该是对物象的提炼和升华,是对超越事物形状颜色的深刻相似性的追逐。油画家王琨形象地称之为“挣扎”感受，就是既要画面相对客观，又不能被客观束缚，要挣扎着走出来。凡高的向日葵以及塞尚的一百多幅“圣维多利亚山”就是学生在写生过程中极有参考价值的范本。（2）依据经典、自主构成课堂静物写生平时老师摆什么学生画什么，几年画下来学生养成了一种不动脑筋的惰性，以至脑袋空空，始终找不到适合自己的切入点。其实油画中的荷兰小画派、法国印象派、有数以万计的宝贵静物构图样式。在06界绘画班里学校拿出一部份购置道具的资金交给学生，让同学自己去菜市场或超市等地方买组合心中理想静物元素。根据油画资料摆放出具有经典意味的静物来。既然摆出了自己的静物实体，学生脑子里自然自主构成了心中的画面。3、色调作业的特殊训练方法（1）通常的色调练习中老师通常是摆一组红、黄寸布加上一些暖色水果和暖色瓶罐，作为暖调作业叫学生完成，或摆一组蓝、绿寸布加上一些冷色蔬果和冷色瓶罐作为冷调作业让学生写生。其实单单这样练习是显得过于简单了。色调的细微差异很难深入研究。暖调作业能不能变调成冷调作业，冷调作业能不能变调成暖调画面？我们采取了特殊的训练方式。老师分别将照相灯蒙上红、黄、蓝等不同颜色的透明玻璃纸，将蒙过色纸的灯光分别照到暖调或冷调景物上。让同学分辨色调间细微的转变，这样景物本身不变通过色光的转换来实现调性的变化。打破了学生原有“调性”是物体固有色决定的认识。法国印象派大师莫奈的教堂系列作品为我们的教学提供了实画依据，如果说莫奈是选用了四个不同时间来画同一角度的教堂，不如讲莫奈是用了四种不同的色光来完成四幅惊世之作。日落晚霞时呈暗红色光，中午阳光下教堂是亮黄色调，雾气中的教堂是蓝灰色的，最后一幅是阴天的青灰色。有了大师的精彩色调演示，我们同样在课堂里制作色光，为了使同学明晰“调性”意义。（2）自制“基调色”如果一幅作品中的色彩和谐整体，那么这幅作品自然具有色调感。“基调色”是形成一幅作品色调的基本色彩。对色调的组织与把握仅仅依靠理智和感觉是不够的，还需要颜料的齐备。油画有多种“基调色”颜料，以保证油画作品的整体色彩驾御。而水粉颜料却没有“基调色”，为了确保学生全面学习油画强调的“调性”知识。我们参考油画“基调色”颜料调配出自己的水粉“基调色”颜料。每位同学除了有一个大的普通颜料盒，还需要配备一个晓得颜料盒用于放置自制“基调色”。自制的“基调色”和油画一样主要倾向于“灰性”色调。根据不同的画面需要配置不同的“基调色”。比如蓝灰色、红灰色、棕灰色等等。事实上许多油画家根据自己的喜好也自己调配极具风格的“基调色”。调配的方法也比较简单，一份草绿色加五份白色再加上半份的橘红调和出中性灰绿色，用于画晚春的景象很合适，用一份中黄五份白色半份半份黄绿调配的灰黄色画农村土墙十分协调。参与调配的色彩颜料一次不超过三种，调配出的基调色要求仍具备较高的彩度，每幅学生作品都应该有明确的“基调色”。这样油画的这一份宝贵控制色调的经验有效地用于水粉课堂中。教学场景教学内容：根据所摆设的道具调和出适合于画面的“基调色”并着手画出静物。教学重点：让学生通过对静物色彩的观察，调和出符合自己观察方法的“基调色”。教学难点：调和出的“基调色”要和所画静物协调。课前准备：摆设一组静物如图（2）所示，其中道具有土罐一只、萝卜三只、玉米一株、白布一块、褐色布一块，白碗一只。教学第一阶段：（大致15分钟时间）教师提出要求：静物是由棕土色、白色、黄色、紫红色等各种色彩组合而成，要求同学们讨论并实践最恰当的“基调色”学生：热烈发言，甚至争论。教师：安排意见相近的同学分成一组，全班共分出三组。教师巡回指导。三组学生的讨论结果：第一组以半份土红色加上半份浅绿色加上五份白色做画面“基调色”第二组以半份黄绿色加上半份浅灰色加上五份白色做画面“基调色”第三组以半份天蓝色加上三份白色做画面“基调色”教师讲评：同学们讨论出的三种“基调色”调配方法都是正确的，只是不同的“基调色”使用要和不同的画面处理相结合。分组“基调色”特点使用难点第一组以半份土红色加上半份浅绿色加上五份白色做画面“基调色”。这是依据土罐的色彩来组织整个画面，画面的色彩要围绕着土罐颜色展开。使用这种“基调色”处理白碗、白萝卜比较困难，建议处理白色物体时多使用暖黄色。第二组以半份黄绿色加上半份浅灰色加上五份白色做画面“基调色”。是考虑到整组静物以冷黄色道具居多。画面铺色会相对容易些。使用这种“基调色”重的色彩不好控制，建议重色多使用赭类颜料调配。第三组以半份黄绿色加上半份浅灰色加上五份白色做画面“基调色”。是以光源色作为依据的。也是油画常见的“基调色”使用方式。画面强调光的色彩变化。单独使用这种“基调色”作画难度太大，建议调出重棕色的“基调色”配合着使用。教学第二阶段：（大致三节半课时间）教师指导学生调出各自的“基调色”，实践使用“基调色”组织画面。评述：图（3）（4）学生的两张不同手法的课堂作业，在没有“基调色”时学生遥控制画面色调是困难的，出现的色彩往往过于鲜艳，为了色彩统一又很难回避色彩灰暗的问题。有了“基调色”调和情况就大不相同了。“基调色”的使用是油画色彩处理的惯常手法，学生通过自制水粉“基调色”其过程本身就是对画面制作前的一种色彩思考，这种思考随着自制“基调色”使用贯穿整个作画过程。也实现了我们将油画这一宝贵技法引入色彩课堂的初衷。 图（3）非“调性”作业 图（4）“调性”作业。（3）小色稿训练法在静物写生中特别强调用小稿来推敲色调，在32开大的小纸片上画一张色彩的小稿(下图5、）。 （图5）小色稿的制作方法：作画时间；1525分钟内完成画面大小：四开纸中间用上单面胶分成4张16开画面画面内容：静物写生练习作画步骤： （如下图6）步骤1、单色起稿，注意构图步骤2：从物体的暗部、背景开始着色。因重的颜色在在大关系中易把握。 步骤3：从后往前铺色。整体观察，大胆用色，大笔小画、甚至可以用刮刀代笔，概括每个物体的亮、暗面。要趁感觉新鲜时就把大关系照准。一铺满画面为结束信号。步骤1步骤2步骤3（图6）（4）变调训练法一般来讲，主色布决定画面色调，也就是说画面的色调是由几块面积较大衬布为手段决定的，但同时要需要对立因素。教学实践训练中通过换掉其中一块较大衬布为手段进行重新组调，其他物体受其面积影响随之改变，或者改变主体物等方式来变调训练学习（见下表）。变调训练的具体安排如下：学习过程时间形式要求作业目的第一阶段三周时间第一周变换其中一块布的固有色1、必须临准那些颜色很好的地方。2、颜色不好或一般的可以换掉。3、笔触可变可不变8开8张判断学生对色调的理解与表现第二周变换所有布的固有色16开8张第三周布色相不变，变冷暖、纯度、明度16开8张第二阶段一周时间移花接木两张画混合套用1、两张画的主体物互换，2、色调可以变化、画面结构不变。8开8张判断学生画面色调及色彩关系表现的好坏第三阶段二周时间选好构图、色调，老师布置主体物等到资料和书里参考，选取自己喜欢的造型4开16张判断学生整体处理色调、画面整体效果能力第四阶段（高考前）三周时间完全默写自由组合、构图4开24张达到高考要求常变的是红、黄、蓝、绿四种色调，下（图8）就是改变主体台布（图7）色相的变调训练的学生作业，这些训练我鼓励学生尽量用大笔，甚至用调色刀上色，小纸大笔让你不得不更关注大色块间的关系。让学生知道很多大画家在开始创作前也往往通过画上几张小的色彩稿来反复推敲色调的。 （图7） （图8）变调训练中会发现学生变的调子都不一样，例如说变红调子画室里30多位学生，这至少有15张以上的红色是不同的，但是要一个学生画出15种以上的红色是相当难度的。因此教学中主张多变，找到一种有色布最大限度的变化，然后其他物体跟上。这才是变调练习带来的作用，从而深刻认识色调的含义，拓宽色彩知识面，掌握调性规律。总之在色彩教学中要求学生加强了“色调”的表现，通过学习学生能建立起和谐统一的画面色彩关系，整体色彩能力有较大的提高。4、当代绘画技法在水粉课堂中的适度渗入 在中职水粉课堂中引入油画一些经典技法固然是有其深刻性的一面，但也必须清醒的意识到学生们是在当代艺术氛围中成长起来的，课堂上只讲经典而回避当代技法显然是不和时宜的。中国美术学院油画系早在1995年进行的教学改革，为我们今天中职水粉课堂当代性提供了再好不过的理论依据。在水粉课堂上具体落实分为两块内容：（1）“绘画书写性”的导入当代“绘画书写性”是反对工艺性的描绘形式，对当代学生绘画用笔提出自如和率真的要求。不单是画物象的实况，也要画自己的感受，艺术中所追求的不是对于现实世界的准确描绘而是内在情感的真切表达。但问题是学生功力尚浅被形束缚，又怎能抒发心灵以至通达畅意。“书写性”正是针对于绘画的“制作性”而提出来的，让绘画者更加直观地表现自己对于绘画对象的第一印象与内心感受。将这种“书写性”的技法融入到水粉技法中，也正好针对了学生习惯在运用水粉中“摆笔”画法这一僵局。这技法让学生在运用色彩的时候不再完全受制于对象的形体，而更多地体味“印象主义”带来的色彩感受。作品（图9）大胆地运用的刮刀的效果。远景中的远山的冷灰在刮刀的平涂中自然地有了山脉的形体。在近景稻田的刻画上，刮刀的“书写性”笔触更加明显，“挑”、“刮”、“蹭”、“抹”各种技法的揉杂运用，让农作物的层次表现生动形象。近景是一排极富特色的徽派建筑，但运笔相当松动，相较于“形”，“色”的表现力更占主导地位，这位学生敏感地抓住了墙体在光线下的冷暖变化，让“书写性”的意味贯穿了整张画面。作品（图10）是一张相当出彩的风景写生作品。学生在写实的基础上强调了个性的表现，让作品极富张力，让人印象深刻。在这张画面中“书写性”技法的运用很独特，看似大面积平涂却包含了各种色彩层次。形体被高度概括，整体色调协调统一，局部色彩丰富到位。看似不经意的勾画表现的电线，门框等物体都符合透视原理在画面中的运用，强化了空间的进深感。在墙体中冷灰的处理是这张作品色彩意识上“书写性”的最佳体现，暖灰色彩的基调下，冷色带来的不仅是画面的冷暖对比的和谐，更是作品本身最闪光的亮点。作品（图11）是一张带有“未完成性”的画面。相对统一的干画技法使画面显得很透气，尤其在徽式建筑的表现上，屋顶的黑色在“书写性”笔触的运用下层次感十足，瓦楞的质感在不经意间就有所体现。房屋前的植被的表现手法为点彩，浓淡、明暗、冷暖都以点的笔触轻松驾御，尤其在底部的留白让画面的整个氛围更加具有直接书写的意味。作品（图12）以全景的角度描画了一张田园风光。整张画面的笔触有意识地依照对象的形体走势来运用，使形色的结合有机地统一起来。天空的处理非常“写意”，黄色基调的运用使天空的浅青色犹如空气一般在流动。山体在这张画面中已经不能算远景，阴阳向背的笔法强调使山体极具体感。难得的是在群山的表现中，这位学生分了前后两层，使得画面的空间深度又提高了一个阶梯。作为近景的道路和田埂，笔法上相对概括，顺势利导表现了横向的空间延展。前景彩在利用固有色的基础上，明度与纯度都有提高，因“书写性”笔触的连贯相当自然地与整体色调和谐统一。 （图9） （图10） （图11） （图12）用笔的“书写性”能让学生在掌握色彩技法的表达上能够更快地提高审美意识，在水粉技法中体会油画的经典技法，无论在技能和知识的掌握上，还是在欣赏能力的提高上都是非常有效的方法。为了实现“书写性”我们使用了两种教学方式。1）减弱素描效果，提倡用色造型要画好色彩实际上是要牺牲一点素描效果的，这是必须很客观来面对的。更要客观面对的是我们的学生功底浅，所以他们要表达色彩需要更多牺牲素描效果。避免学生对复杂的造型产生恐惧感，不要因为画得像画不像而失去画画热情。宁可画不像也要把色彩画出来，用色彩抒发心灵感受，甚至可以无视或有意识改变客观物象的真实性。2）一个小经验“破边线”这是我们在长期色彩教学中总结的一条可行经验，物体边线允许不规则是能够使学生摆脱用笔拘谨的好方法。学生常常为了画出漂亮的边线而无法组织随兴的笔触，为了避免用笔工艺性、平涂性完全可以让同学画边时笔法过一点或不到一些。(2) 作品“未完成性”的要求当代绘画与传统绘画作品比较起来有一个十分明显的差异当代绘画的“未完成性”。这也是中国美术学院油画系教学改革中十分明确提出的画面要求。既然“存在”是“不断流变，不断生成”，那么绘画的无法完成是合乎逻辑的。在中职水粉画课堂上一般采取“视点推移”这样一种方法来实现“未完成性”。画色彩时要求学生不急于在物体的大关系上来回进行，而是要求稍稍铺上一些大色调后选取一个合适的观察点慢慢画进去，一点点展开，视点渐渐推移画面逐渐明晰，可以建立第二观察点第三观察点，通过学生的有意识的重组、构成、次序组合来产生最后的画面效果，这种思维方式是意向型的，并没有传统教学所框定的终极画面效果，画面并不顾及传统意义上的完整概念，而更多要求绘画的过程性以及在过程中展示的思路和理念。 图（13） 图（14） 图（16） 图（15） 用图（13）（14）（15）（16）分析“未完成性”水粉画作业图（15）（16）和传统水粉画作业图（13）（14）的不同之处。理念的不同观察方法的不同画面效果的不同“未完成性”水粉画作业“未完成性”作业描绘的真实物体是一种流变不居、不断逃离的对象。揭示一种无终结的画面效果，强调绘画的构成性。是一种任取一点作为观察开端然后一点点展开的观察方法，并不是急于在整组静物上做全局的把握。最后画面的调整是尊重主观的需要，而不是简单的模仿对象。带有极强的主观处理痕迹，手法上是大虚大实，甚至是“意到笔不到”的意境。传统水粉画作业以为绘描绘的物理是恒定不变的对象，画面揭示的是对真实物体的摹仿，临仿也是传统的艺术观念的核心。强调整体观察，对整组静物的每一处观察仔细，然后在主体物部分加强色彩对比，次体物对比减弱些。严格尊重对象的真实效果。是对客观物体的客观再现。画面的效果由来于规范的程序演进。又如作品（图17）是一张强化“未完成性”的作品，画面上的对象塑造形式强烈地体现了学生在这组静物写生的现场感。在整组静物中，装在篮子中的水果是学生最感兴趣的对象。在基本构图了然于胸的时候他采取了大胆的局部画法，以最直接的感受在第一时间表达在纸面上。篮子本身形成的空间中，冷暖两种色调的苹果相互垒叠在篮子中。水果的固有色与环境色的相互协调，本身体块的塑造等各种状型的因素在此被淡化了，学生更在意的是整个篮子的空间内各物体的一种存在状态。从传统的水粉教学上来说大局铺色是首要的，但正因为整体观察的强化往往让人忽视了在这一刻这一现场最直接的感受。从这个画面可以看出学生并不是完全只专注单个的绘画对象，他的构图意识已经包含了全局观，尤其是篮子旁几笔延伸的色块摆笔，让人完全可以想象到桌面上浅绿色桌布的平铺状态。篮子后面的白磁盘上的切片面包，只是用了寥寥数笔，但因为底面透视线的相对准确，让篮子后的空间基本得以展现。切片面包基本只是铺了色，没有细化塑造的痕迹，但四片面包的叠放秩序却让人一目了然。篮子前的苹果与牛奶杯的处理显得较为简单，由固有色可以利用这个苹果明显地将画面空间再往前延伸，牛奶装在玻璃杯中的状态表达更加模糊，但意象却表达到位，基本已经传递了这是一个放在前面的玻璃杯的信息。从整张画面看，基本是未完成状态，但如果由观察者的角度转化到绘画者的角度看，整个画面的意向就是表达现场的作画感受，“我”最感兴趣的就是篮子，以及这组静物所形成的空间。作品（图18）的相较作品01就相对完整，但以传统的教学观念看，各物体的塑造都还离完成有一段距离。从这组静物组合看，主体物应该是插满花的深色陶罐，桌面前端的瓷盘和水果的组合应属于次主体。由画面的直观感受来解读，学生将最想表现的应是整个组合的前后空间关系。拟现场的感受，他在这组暖灰调组合中被白瓷盘衬托的冷色系水果所吸引。书写性意味较强的笔触表现出学生在色感上的天份，冷暖的微妙结合让人完全可以忽略其造型的不严谨。盘子前面搁置的一把水果刀也只是几笔带过，他所强调的就是这几者在当时那个环境下的存在关系。由香蕉到陶罐到玻璃高脚杯，再到后面的若干水果，这些物体的随意性就非常明显。尤其是作为主体物的插了花的陶罐，看似随意的拖笔、扫笔与点顿，基本就勾勒出这个物体的存在感，可说是“意到笔不到”。玻璃杯和后面的水果作为画面空间的延后层次，在把握了色彩规律下的表现更为意象，强化的就是现场写生中的这种情绪。由再现到意象，由状形到写意，这样的绘画观念在水粉教学中的体会与运用，一定能让学生在色彩写生中收获颇丰。 （图17） （图18）5、油画经典技法“亮厚暗薄法”的在课堂上的实际操作文艺复兴绘画大师提香开始的“亮厚暗薄法”经过百年演义不仅开创了一代画风而且对当代绘画有不可估量的影响。向学生极力推荐的是17世纪荷兰画家伦勃朗的作品，他采取的颜料层对比十分独特，厚至团块般的强烈，薄至珐琅般的透明，两者过度得自然轻松，天然成趣。“亮厚暗薄”在课堂教学研究中也给它起名叫“多层着色法”，颜料的多层性塑造使亮面尽可能厚涂，由色层的厚薄不一来显出色彩画的丰富韵意与肌理。为了将这种手法在实际运作中能条理清晰，有章有法，课题组将“亮厚”部分分为三种不同制作手法1：平涂法(常运用于天空，远景，背景布纹上)；2：散涂法（常用于树木，花卉上）；3：厚涂法 (用于最亮的物体上，比如墙面、白盘子、鱼身上)， 三种手法依次布局，必然使“多层着色法”效果丰富生动，错落有致。如学生作业（图19）所示：（图19）（1）平涂法在天空和水面上就是用单向的笔势，均匀的力度涂绘成大面积的色彩，表现出对象平稳、安定的特质，构成画面静态的元素。用的是小号低纹笔，笔肚比较宽，笔毛相对软，使得颜料厚度适中，笔法极显流畅。（2） 散涂法风景中的树叶的亮面和屋顶瓦片的亮部使用散涂法。用4号尼龙笔厚沾颜料，顺着形体的自然转折趋势揉按用笔，笔触比较松散灵动，能达到厚实而又晶莹的效果。（3）厚涂法整幅作业中厚涂法用的最彻底的是画面的主体物墙面部分,这位同学用的是油画刮刀来将混合白色刮到画纸上去的，由于前面已经学过吸干颜料水份的实践练习，所以这面白墙的厚堆色层相当坚实。“亮厚暗薄”的画法难度在“亮厚”上，“亮厚”的难度在于如何操作上，经过几年的教学积累，我校课题组的教师们基本已经解决了这个问题。理解“亮厚暗薄”并不难，问题是水粉这种材料是水性的比较稀不宜堆厚，经过尝试后得出有两种改进方法。1）将几种亮色提前稍稍晾干一些，特别是白色颜料要预备的多一些，在晾干的过程中要注意经常去搅拌一下使之干湿均匀，用晾过的颜料用于起厚效果很好。2）预备一小块未上过油漆的木版或一叠卫生纸，画前将要使用的若干亮色挤在木版或卫生纸上用以吸掉一些颜料上的水分，这样做的好处是即能随时控制干湿程度又能掌握颜料的用量不致浪费。经过改进后的颜料就比较能做到颜料层的厚涂，产生厚薄叠错的视觉效果。六、色彩课改的应用与推广实例（一）课堂教学范例：08绘画（1）班在本课题的实践过程中注意到十九世纪末有两位新艺术大师的绘画贡献对现今的基础教学有极深的实践意义，于是紧密结合本课题已有的成果展开。 1、两位欧洲油画大师的介绍与作品分享1)爱德华.维亚尔 法国纳比派的代表画家，吸收印象派的光色成就，学习了点彩派的绘画新手段，采用大色块平涂的技法，有真实感的效果，又不失印象绘画的色彩斑澜，呈现十九世纪末期备受青睐的装饰趣味。不太关注画面视野的深度感与物象的体积感，人与物体相互交融在单纯色块构建的基本形于色调的层叠之中，维亚尔反对学院派艺术，坚持造型单纯化于表现装饰化的视觉效果，画面对光线的游离感悟深刻，技法娴熟老练，作品大多描绘日常说见的场景，看起来颇有亲切感，和现在学生描绘的题材比较相似。2)皮埃尔.博纳尔 博纳尔也是纳比派的首要大家，画风建立在印象派和新印象派的基础之上，兼有东方绘画的装饰效果，博纳尔对色彩有着细腻，敏感的感受力，因而其作品具有色彩绚烂的视觉魅力，画面空间给人以无限广阔的体验，画中物象强调构成有序穿插，博纳尔的风格造就了印象派向色彩斑澜的抽象艺术的过渡。2、依据两位欧洲油画大师的作品艺术效果，分析绘画中若干中职美术色彩课堂可用元素1)构成元素画色彩形时教导学生不要急于在物体的大概上来回进行，而可以在对象中任取一点作为分析开端，随着这个开端点形成其他各个色块的相连关系。以此类推，布满画面。如果我们的教学将点作为坐标，推移作为网络的方式，横向与纵向或十字架坐标式地向四边撑开，那么这推移的过程本身就是构成，我们称它为“构成的形式”。构成是一种造型概念，也是现代造型设计技法，维亚尔和博纳尔给我们的课堂提供了极其丰富的图片资料。2)基本形的概念以往的形体概念比较侧重与立体的形式，而这样的观察方式不太容易把握整体色调，考虑的因素过多会削弱颜色的感染力。维亚尔和博纳尔的基本形的概念接近平面效果，有“正形”“副形”的区分，基本形组合方式多样精彩。有分离、接触、覆叠、透叠、联合、差叠、重合等等组合效果。3)空间的概念 在学生作画过程中，由于用了空间深入的手法，物体表现有时会出现零散的状态。因此，在教学过程中必须强调空间秩序组合。所谓空间秩序组合，就是在对象中归纳出一些同一性的形。例如一些偏斜线的形、偏横线的形等等，这就将自然凌乱的形从新组织起来，使得每块形体每根线条都在井然有序的结构网络之中。3、实践的思路将“构成元素 空间的概念 基本形的概念”引入色彩课堂 的实际操作1)“构成元素”的概念的课堂运用所谓传统的方法是利用从大色块面到小块面的层层推进来描绘形体的一种模式，这种绘画方式往往比较忽略一些细节，緊扣色彩衔接使画面效果总是处于大的冷暖色调框架中。“构成元素”的手法是抓住描绘对象的大致外形简单涂抹，紧接着配合第二个、第三个一直进展下去，并且将每个细节像连接链子一样环环相连，最终形成完整色彩图像。这种从大致外形简单涂抹又特别关注配合其他物像内容的思维形式恰恰是传统手法的逆向思考。在最初的学生练习中采用大量的小稿尝试，有意减少细节的介入，让学生的视觉尽可能进入纯色彩感知的状态。换句话讲在同学们的眼里物像不再是一个一个具体的实在，而是一些不同色块的组合。2)用笔几乎平涂运作的手法在欧洲许多名家名画中很容易找到用笔顺着结构运作的实际例子。在众多艺术家中，给人印象至深的文艺复兴素描大家米开朗基罗，在他为西斯廷教