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高中美术鉴赏模块古代中国画单元核心知识、核心概念与学科思想方法江苏省南通第一中学 周宏一、单元核心知识与核心概念中国画是中国的民族传统绘画样式。简称国画。在古代无确定名称，一般称之为丹青。主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。古代人物画：以人物活动为主要描写对象的中国画传统画科。 曾因题材类别的不同分为许多支科：描写历史故事与现实人物者称人物； 描写仙佛僧道者称道释； 描写社会风俗者称风俗； 描写妇女者称仕女； 肖像画称写真。 又曾因画法样式上的区别分为若干类别：刻画工细勾勒着色者名工笔人物； 画法洗练纵逸者名简笔人物或写意人物； 画风奔放水墨淋漓者名泼墨人物； 纯用线描或稍加墨染者名白描人物； 以线描为主但略施淡彩于头面手足者名吴装人物。 人物画是中国画里直接反映现实的画科。 它在体现中华民族审美意识特点的同时也较全面、较充分地反映了政治、哲学、宗教、道德、文艺等社会意识，在中国画各科中最富于认识价值与教育意义。人物画的产生早于其它中国画科。据孔子家语记载，在周代即有劝善戒恶的历史人物壁画。 至战国秦汉，以历史现实或神话中人物故事和人物活动为题材的作品大量涌现。 战国楚墓出土的人物龙凤与人物驭龙帛画是已知最早的独幅人物画作品。 其后大量出土的帛画、壁画、画像砖石，表现出这一时期人物画的兴盛发达。 魏晋隋唐是中国人物画重要发展时期。 魏晋时期，思想的解放，佛教的传入，玄学的风行，专业画家队伍的确立，促成人物画由略而精，宗教画尤为兴盛，出现了以顾恺之为代表的第一批人物画大师，也出现了以魏晋胜流画赞、论画为代表的第一批人物画论，奠立了中国人物画的重要传统。 盛唐时期吴道子则把人物宗教画推到更富于表现力，也更生动感人的新境地。 五代两宋是中国人物画深入发展的时期随着宫廷画院的兴办，工笔重彩着色人物画更趋精美，又随着文人画的兴起，民间稿本被李公麟提高为一种被称为白描的绘画样式。 宋代城乡经济的发展，宋与金的斗争，社会风俗画和具有现实意义的历史故事画亦蓬勃发展。 作品在体现对象的社会属性上，在表达人物内心的复杂性上，在宏伟的构图能力上，都有飞速进步，张择端的杰作清明上河图便产生于这一时期。 自南宋受禅宗思想影响，写意人物画肇兴以来，此后中国人物画开始朝另一方向发展。 从重视教育认识功能，转向重视审美作用； 从为对象传神，转向更多地抒发作者情感。 仕女画、高士画大量出现。元明清以来，虽较多的文人画家转而致力于山水画与花鸟画，但接触民生、关心国事、接受了具有萌芽状态反封建意识的文人或职业画家仍不乏人物画的优秀创作。明末的陈洪绶、清末的任伯年便是杰出的代表。古代山水画：是以自然风景为主要描写对象的中国传统画科。自然界中的名山大川、风景佳胜、田野村居、城市园林、楼观舟桥、历史名胜等都可以作为山水画的题材内容加以表现。 中国山水画在表现多彩多姿的自然景观之外，更集中体现了中国人的自然观与社会审美意识，也从侧面间接地反映了社会生活。山水画的趣味与我国民族的审美情趣有着极其密切的联系，因此也吸引着历代的文人雅士、画家学人对这一画科不断地完善和开拓，山水画成为千百年来中国传统绘画中发展得最为完备的绘画门类之一。山水画习惯上多按画法风格的不同分为：勾勒设色、金碧辉煌、富于装饰意味的青绿山水或金碧山水；纯以水墨描绘的水墨山水或墨笔山水；以水墨为主，略施淡赭淡青表现朝晖夕阳的浅绛山水；以水墨勾皴淡色打底并施青绿等敷盖色的小青绿山水；几乎无水墨纯以彩色图绘的没骨山水。这些画法风格产生于不同时代，都不同程度地对山水画的发展起到了推进作用。隋唐时代，中国山水画已经成熟，展子虔的游春图，反映了隋代或初唐青绿山水画的面目，虽未脱装饰遗意，但写实能力有极大提高，饶有抒情意味。盛唐的吴道子进而发展了简练而又写实的山水画法，所画山水“怪石崩滩，若可扪酌”。张璪及中晚唐画家更创造了水墨山水，没骨山水亦出现于敦煌壁画中。五代北宋的山水画在真实描写大自然并表达一定的审美认识上达到一个高峰。继荆浩、关仝、董源、巨然分别开创或继承南北山水画派之后，北宋关仝、李成、范宽三家鼎立，各擅胜场。荆浩的山水画论笔法记，把谢赫“六法”移于山水，以“真”为主，强调以树木体现一定道德观念。北宋郭熙父子的林泉高致则围绕中国山水画创造的核心意境问题，系统地总结了经验，使中国山水画理论更加体系化。经过南宋画家对寄幽情美趣于精粹景色中的探索，至元代尤其是元四家黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，山水画又出现了一个重视主观抒发与风格创造的新的高峰，也完成了山水画中诗书画的统一。明末董其昌简化古人创造的山水形象，参照书法开合起伏的法则，用以构置平面化的山水境界，造成了山水画的又一变异。入清以后，一派沿董其昌蹊径变化古法，在笔墨风格气味上谋求新意；另一派面向自然亦发挥笔墨传情的效能，独抒个性。后一派的代表石涛撰写的苦瓜和尚画语录（画谱）是古代山水画论中最优秀的名篇。五代两宋以后山水画的变异发展，不但造就了为数极多的名家和作品，而且形成了多种多样的风格流派。中国山水画虽然以自然风光为主要描写对象，致力于审美客体的发现与描绘，甚至省略山水中的人物，或把人物视为点景，但决不是被动的摹写，决不忘表现审美主体的认识、理想、感情与愿望。尽管出现在画面上的山水是有限的，是形貌上的，仅能是自然景物的局部或社会生活环境的侧面，但或者通过有限的取景表现对整个宇宙自然的由表及里的认识，或者在一山一水中寄托了对国家乡土的感情。它既要求描写自然风物的外貌及其丰富变化，又注重显现其运动中的内在联系。中国山水画的特殊传统是创造形神一致、情景交融的意境。通过不同意境的构筑，实现画外意与“意外妙”，去吸引观者，感染观者。为创造动人的意境，要求山水画家“外师造化，中得心源”，读万卷书，行万里路，把观赏了解认识、感受大自然与社会生活之总和酝酿为胸中丘壑，胸中意象，按写境与造境两种意境构置方式诉诸笔下。所谓写境，即寄情于实际存在的景物，更强调审美对象的实在性与具体情。所谓造境，即对现实景物进行更大胆的艺术概括、艺术提炼与艺术幻化，从而更强烈地表达作者的情感、理想与愿望。二者境象虽有具体与宽泛的不同，却无不以情与意为主导。在形象的描写上，中国山水画强调留影，亦即实行宏观的总体的把握，而不过分拘泥于细节；同时从物象的结构组织出发，形成了既反映树石类别的特点，又更具程式化的手法。在程式化法则的使用上，则反对依样葫芦，主张灵活变化，实际上是以高度提炼的结构程式进行写实。在空间的处理上，中国山水画要求“以小观大”，“折高折远”，游动视点，把高远、平远、深远、阔远巧妙地加以灵活运用。山水画的构图，比之人物、花鸟画更重视“势”的表现与“开合起伏”。所谓“势”，也就是具体形象间的联系；所谓“开合起伏”，则是这样联系中的节奏变化。对“势”与“开合起伏”的高度重视，是在静止的画面或简或繁的形象组合中体现大自然内在联系与运动的重要手段。山水画的笔墨技法，较一般的人物、花鸟画丰富多变。笔法主要表现为多种皴法和点苔法，墨法则湿者有“染”，干者有“擦”，趋湿相化为“破墨”，以干累积为“积墨”。笔中有墨，墨中有笔，彼此互相渗透，极尽千变万化之能事，有效地提高了笔墨状物抒情与表达独特风格的作用，对人物、花鸟画也发生了积极的影响。其色彩的使用，及书画的结合则具有相同于人物、花鸟画的特点。古代花鸟画：花鸟画对于人物和山水而言，是成熟最迟的。花鸟画是以动植物为主要描绘对象的中国画传统画科，又可细分为花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等支科，值得我们注意的是中国花鸟画不是仅仅为了准确地描绘现实中的花卉禽鸟，而是集中地体现了中国人与自然生物的审美关系，借此抒发自己的情感，间接地反映社会生活，体现一定的时代精神，其技法多样，曾以描写手法的精工或奔放，分为工笔花鸟画和写意花鸟画。又以使用水墨色彩上的差异，分为水墨花鸟画、泼墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画与没骨花鸟画。中国花鸟画重视写生，以写生作为创作的基础。这种写生，并不是单纯的简单模仿现实的花卉禽鸟，而是在真实描绘客观对象的基础上，表现出花鸟的生命力和其各不相同的特征。就象表现人物画一样，不以外部的形似为目的，而是更重视传神。当然中国花鸟画的借物抒情并不是硬加到作品上的，而是要善于抓住动植物与人的某种思想