交响乐队中各组乐器的作用

交响乐团中各种乐器的作用交响乐团的真正形成是在过去的几百年里，严格地说，是维也纳古典音乐学派兴盛的时期。在此之前，交响乐团的作曲并不完美，只有一些管弦乐团的作曲不完整。例如，在海顿和莫扎特的作品中，乐队的组成和规模仅限于以室内乐为特色的小乐队。交响乐团的形式和组成在贝多芬的创作中得到了完善。例如，在贝多芬的交响乐创作中，一个由两三个管弦乐队组成的交响乐团已经基本确定。后来，在19世纪初至后期浪漫主义音乐的整个过程中，交响乐团的创作和组合都得到了进一步的完善。大型四管交响乐团的出现和各种特色乐器的加入，丰富了交响乐团的音响效果和艺术表现力。这些特点在马勒、理查施特劳斯、20世纪现代作曲家普罗菲特耶夫、肖斯塔科维奇、斯特拉文斯基等的创作中得到了充分体现。因为交响乐团使用如此多的乐器，它有一个非常丰富的表达。根据作品风格的需要，交响乐团被分成不同的作品。如单管系统、双管系统、三管系统、四管系统等。乐器比例：交响乐团用木管作为评判作品的标志：“双管”乐队(共约60人)；由“三管”组成的乐队(共约90人)；“四管”乐队(共约110人)。为了配合各组乐器数量的合理比例，弦乐器和其他乐器的数量也会随着木管乐器的增减而变化，以保持声音的平衡。首先，音乐指挥。音乐指挥引导着整个乐队的音乐表演，使多种声音的表演成为一个整体，可以说是一个乐队的灵魂。乐队的指挥也是对音乐的诠释和再创造。指挥家詹姆斯莱文曾经说过：“指挥棒也是一种工具。”有些人说听音乐可以看出指挥家的气质。音乐指挥在舞台上的角色如下：首先，提示表演者。一件作品的规模通常很大，在观看音乐的时候，演奏者经常记不起排练时要求的所有细节。这时，舞台上指挥的手势将起到提示作用。其次，决定一些无法量化的治疗方法。例如，表演者记得某个地方的命令要求慢或快、多慢、多快、从哪里开始慢、从哪里恢复到原来的速度等。这些在光谱上是无法量化的，只能当场看到命令的表达，因为艺术需要情感，而不是写下来。第三，现场演奏。表演本身会使人们处于兴奋状态。指挥经常展示排练中没有的激情和想法。因此，表演者必须注意舞台上指挥的动作，并与指挥默契配合。一旦指挥展示了排练中没有进行的处理，表演者必须迅速做出反应并立即展示。这种现场表演往往非常精彩，无法挽回。第四，表现，增强作品的感染力。并非所有指挥官都是如此。指挥官有他们自己的风格。他们中的一些人在他们的心中和手中看起来沉默而温暖。他们中的一些人表演得很好。音乐传达情感的同时，指挥官们自己也在用他们的身体动作向观众传达他们的情感。也就是说，他们中的一些人确实有指挥官向观众展示的元素，例如最典型的日本指挥家小泽征尔。其次，弓弦组包括小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴。弓弦乐器表达含蓄，声音悠扬动人，适合情感歌曲的主题，所以流行音乐比管乐器使用得多。自从小提琴问世以来，它已经在世界各地广为流传。像钢琴一样，它受到来自世界各地的人们的喜爱。尤其是小提琴，因其丰富的艺术表现力、优美的音色和歌唱魅力而最受欢迎。然而，流行音乐不同于古典音乐。流行音乐的主要角色是歌手，而不是第一小提琴手或钢琴家，流行音乐的伴奏乐器也不是小提琴。流行音乐中弦乐的使用不同于古典音乐。小提琴手不可能演奏一大段精彩的独奏，小提琴也不能代替钢琴和吉他等乐器。因此，弦乐在流行音乐中起着辅助作用，并在衬托主旋律、渲染歌曲气氛、丰富歌曲的色彩和音响效果方面发挥作用。第三，木弦组和木管分为“簧下乐器”，包括短笛和短笛(也叫长笛)；“单簧管”包括单簧管、低音单簧管和萨克斯管。男高音和男中音萨克斯管在管弦乐队中普遍使用，高音、高音、中音和低音等萨克斯管也在其他管弦乐队中使用。“双簧管”包括高音双簧管、英国管、大管和大管。虽然它们都是木管双簧乐器，但它们实际上是高音、中音和低音的组合。其中，长笛、双簧管、单簧管、大管和低音大管在18世纪的器乐中频繁出现。在19世纪，它成为增强戏剧气氛的主要演员。在交响乐器中，我们知道弦乐器组中的各种小提琴在外观上大致相似，并且几乎形成于同一历史时期。但木管乐队不是，它的发展很不平衡，有些在古代很有名，但有些出现得很晚。此外，木管乐器组的所有乐器的生产仍在改进和完善中。各种木管乐器都有自己独特的形状和结构，演奏的姿势和方法也各不相同。木管乐器的声音不如弦乐器饱满，它们的力度也不如弦乐器灵活。然而，木管乐器有各种各样的音色和各种各样的声音，这可以增强弦乐器的声音效果。它还可以软化铜管乐器的声音，使整个乐队更加和谐统一。木管乐器组中的每种乐器大多是分开演奏的，这样可以充分发挥他们惊人的灵巧。与弦乐器组不同，它主要是一种集体表演。木管乐器组通常每种乐器只使用两到四种乐器，所以这个组的总人数比弦乐器组的少得多。当时，像竖琴和古钢琴一样，它也是家庭音乐中最受欢迎的乐器。直到19世纪中叶，长笛的生产一直在不断改进。单簧管的形状与双簧管有些相似，但它比其他木管乐器更晚被用于交响乐团，直到18世纪和19世纪才被采用。单簧管的原始名称“克拉尼托”与拉丁词“克拉鲁斯”有关，它只是部分地说明了单簧管的音色特征。在19世纪中叶，单簧管在技术上已经达到了高度的完美，但是大管是木管乐器组中四种基本乐器中最低的。大管有一个很长的管体，所以它被做成两个管子重叠在一起的图案，正如它的意大利原始名称“fagott”所表示的，就像“一捆柴火”。自17世纪以来，管弦乐队就开始使用大型管乐器，但直到18世纪下半叶，它们才最终在管弦乐队中站稳脚跟。交响乐团中主要管弦乐队的数量起初并不固定，从一个到八个不等。在汉德尔的时代，人们特别喜欢大管，有时大管的数量甚至超过小提琴的数量。例如，有三把小提琴，而有四根大管子。第四，铜管组包括短号、小号、法国号、长号、大号(低音)。铜管乐器之前大多有号声和猎号。早期交响乐中使用的铜管数量很少。很长一段时间，交响乐团只使用两个喇叭，有时还会增加一个喇叭，直到19世纪上半叶，铜管乐器在交响乐团中被广泛使用。铜管乐器的发音不同于木管乐器。他们不是通过缩短管中的空气柱来改变音高，而是通过演奏者嘴唇的压力变化将“附加管”连接到乐器本身。所有铜管乐器都配有形状相似的圆柱形喇叭，管体为长圆锥形。铜管乐器的音色壮丽、辉煌、温暖。虽然音色有它自己的特点，但大而宽的音量是铜管乐器的共同特点，它超越了其他类型的乐器。在中世纪西欧的音乐文化中，小号成了皇室或骑士的乐器。它代表“英雄”，常用于战争或队列中。进入交响乐团后，小号的作用甚至得到了保持。很久以前，小号在管弦乐队中处于特别突出的位置，比其他演奏者都要高。因此，许多作曲家经常给小号尽可能多的演奏机会。瓦格纳歌剧唐豪塞前奏曲中长号的强劲唱法和罗恩格林第三幕前奏曲中长号的爆发力是其特点。第四，打击乐器组包括定音鼓、大鼓、铃鼓、铙钹、三角钟、铃鼓、排钟、锣、木琴、钟琴、钢钢琴、雪橇铃、响板、沙锤、棘轮、牛钟、布谷鸟笛、盒梆子、音乐鞭、小钟等。大多数打击乐器组都可以在乐队中独奏，如钢琴曲、钟琴、木琴等。它们大多用来烘托气氛，如定音鼓、沙锤、铃鼓、钹、军鼓、编钟等。交响乐团的最后一组乐器是打击乐器。打击乐器在管弦乐队中没有独立的意义。打击乐器除了增加管弦乐队声音的亮度和光彩，或用于模仿声音的目的外，主要是从节奏上加强管弦乐队的声音。就其在节奏中的作用和效果而言，管弦乐队中的任何乐器都无法与打击乐器相比。打击乐器的种类、风格、质地和发音方法都有很大不同。从制造材料的角度来看，有些是皮革制成的，有些是金属或木材制成的。打击乐器组中的所有乐器可以分为两类：第一类可以调节音调，即可以发出一定高度的声音。这类乐器包括定音鼓、木琴、台钟、电子钟和钢琴钟等。第二种类型不能调整语调，也没有一定的音高。这些乐器包括三角铁、铃鼓、响板、钹、铃鼓、鼓和锣。打击乐器组通常安排在舞台后边缘的右侧，在铜管乐器的后面。似乎打击乐器可以说是世界上历史最悠久的。在人们学会用弦乐器和口哨来发声之前，他们已经知道如何在木头或陶器上演奏节奏。在整个原始社会的历史中，最原始的鼓是存在的。一些打击乐器，如锣、木琴、鼓和响板，是从古代东方传入欧洲的。其中，像响板这样的乐器被用于欧洲国家的舞曲中。打击乐器更早被引入歌剧和芭蕾舞乐队。直到18世纪下半叶，个人打击乐器，如定音鼓，才开始在音乐会乐队中使用。然而，随着标题音乐的发展，打击乐器也被广泛使用，以充分展现作品的情节内容。打击乐器的数量变化最大，完全取决于作品的内容。一般来说，弦乐器组的乐器数量最多，仅第一小提琴就有10多种乐器，但其他组中的每种乐器通常只使用两三种乐器，甚至只有一种。每种乐器可以演奏不同的声音，有些容易演奏高音，有些容易演奏低音，有些容易演奏快速活泼的旋