非艺术专业美术欣赏课教学研究

非艺术专业美术观赏课教学探讨在高校中非艺术专业的学生开设美术观赏课,始终被美术老师们认为是较难驾驭的一门课程,因为当前中国的许多中学美术课除了初中开设了一点素描、色调的临摹课程以外,类似书法、中外美术史论、美术观赏等课程大部分学生都没有接触。许多学生对美术常识和美术史论知之甚少或者一窍不通。所以进入高校后开设美术观赏课是特别有意义的。

美术观赏是一个视察、体验、品尝艺术作品的过程,在这个过程中,人们进行感受、体验、分析、推断,从而获得审美享受以及确定的美学学问。通过不断的观赏学习可以提高人们的审美趣味,陶冶人们的高尚情操,干脆或间接地接受教化,从而发挥其社会功能。一般高校加强和实施美术观赏教化,是抓好学生素养教化的重要环节。一般来讲,素养不单单是专业学问的技能,还包括许多直面人生的实力和各方面的修养,如道德素养、生存实力、应变实力、潜在实力、动手实力、审美实力、艺术修养等等。特殊是在心理素养方面的实力的培育,在感觉、知觉、记忆、思想、想象等心理活动中所体现出来的各种实力的倾向,如逆反、新奇、留意力、爱好、情感、动机、意志等这些将构成心理素养的总体,而这些又干脆影响着创建力的发挥。

人的视觉相识是从自然主义起先的,尽管一个立体的自然场景不像是一幅图画,而一幅平面的图画都被看作是一个真实的世界,公众要求艺术家在一块想象的舞台上把生活的故事表现得活灵活现。老师常常听到学生说:“我看懂了这幅画”,或是“我看不懂这幅画”,他们或许是仅限于理解了画的表面画了些什么内容,而不会观赏画面内在的表现手法和含义。在这种相识方法中,丝毫没有审美气息。艺术是以感知为基础的,人们相识美、发觉美、鉴别美、创建美都离不开感觉,这种感觉决不是依靠某些逻辑推理或者数字计算,比如对画面物体和人物的比例关系的把握就是如此,比例原来是数字形态的东西,我们可以依据数理逻辑变换出多种方案,但是,只有使数字形态视觉化以后,才能靠感觉来比较、推敲、推断出美与不美。而对艺术的感受力的加强,就会快速找到它的美的所在,再从色调上来分析,色调的构成要素特别困难,色调的生理效应更为微妙,色调美感的特性特征更强,尽管有着特别详尽的色调理论,有着各种色表,色立体和各种配色宝典的工具手册,也只能对色调的学习与运用起确定的指导作用,最终如不能落实到视觉感觉上来,总是不行的。正如音乐家对乐感的感受、舞蹈家对肢体语言的感受、书法家对笔墨挥毫的感受一样,他们无一不是凭借着一种剧烈的艺术感觉来实现着艺术的升华。

详细到一般高校的美术观赏课,老师要通过审美教化来丰富与开阔学生的审美天地,让学生感受到全面与完善的艺术教化,对于非艺术专业的学生来说,并不要求他们了解太多的绘画技能,通过美术观赏课的教学使其学会一些美术常识及学会如何观赏。如通过中国美术史论的观赏,懂得各门类画种的美感特征与技法特点,懂得其透视上的高远、平远、深远和散点的运用,用墨上的浓、淡、干、湿、焦所产生的艺术魅力和创境达意的艺术手法。美术作品及美术现象的种类繁多,比如从种类上分:油画、中国画、水彩水粉画、版画、雕塑、建筑、民间美术、现代美术等;从时间上分,外国美术有:原始与古希腊、古罗马美术……欧洲文艺复兴时期的美术……18、19世纪欧洲美术直至现代抽象艺术等,中国美术有:新旧石器时代的美术、商代青铜器、秦汉石雕、魏晋壁画以及唐以后的绘画;从作品的内容上分:人物、风景、静物、风俗画、宗教画、装饰画等;从艺术流派上分:西方古典主义、浪漫主义、现实主义……以及后面的印象派、野兽派和立体主义、超越现实主义等;中国画中顾恺之的《传神阿睹》,吴道子的《吴带当风》,范宽、郭熙的《高山仰止》……这些美术观赏的内容,可自成体系,但也有局限,老师要将这些内容有机地联系起来,找寻切入口,达到最佳效果。

首先,老师应引导学生从各种角度建立“真实”的概念。在不同的时代、不同的文化背景下,人们对真实有不同的理解。米开朗基罗的“大卫”,安格尔的“古典主义”,毕加索的“立体主义”,以及非洲的木雕,中国的农夫画等等,于创作者来说,都是真实的。因为每位艺术家都以自己内心中的“真实”的尺度来描绘对象。但是它们之间在观念上、风格上的差异却是相当大的。同样,作为观赏者来讲,每个人也会因修养、学问、性格的不同而对“真实”的体系标准做出不同的推断。那么我们老师应当教给学生什么呢?

英国的艺术家和指责家艾瑞克·牛顿曾特别形象地将艺术品比作一层层剥开的洋葱,表皮是“再现层”,表皮之下一层为“诠释层”,再往里一层称为“审美层”,也就是讲,看一幅画,首先我们看到的是画面表现的内容:人物、场景或是一些抽象的符号。其次,再看一看画家是用何种方法来表现,如构图、线条、色调、笔触以及总体的表现符号等等。最终,综合以上两点,想一想作品给你一种何样的意境,剧烈程度如何,是否领悟到了一种以语言、文字所不能表达的体验,假如有了,那应当是基本上看懂了。

现在我们拿达·芬奇的《蒙娜丽莎》来作为观赏对象,第一眼的印象是一个安详、温柔、完备的女性形象,然后知道艺术家在应用了科学的方法在绘画观念、技能上采纳的独特方法。然后,将其和以“神”为主导的中世纪作品相比较,《蒙娜丽莎》那传神的眼睛和会心的微笑,是对人生的充分确定,是对人性的赞扬,从而表达了作者的人文主义思想。类似的表现技法,在今日屡见不鲜,但在那个年头,那个历史环境下有如此成果,的确是相当有艺术价值的。

我们再以毕加索的现代作品《格尔尼卡》来观赏,画面中的各种惊奇造型令初见者费解,然而那种具有张力的感觉是每个人都感受得到的。接下来,假如我们了解了牛头是残暴与黑暗的象征,马是民众的象征,孩子的哭号挣扎的形象以及立体主义的基本造型方法与法则,那我们就会知道毕加索在画中表现了人民受到各种苦难而造成的暴烈恐怖的气氛,画家用犀利的笔触表达了他对法西斯的仇恨与宣泄,而立体主义就是他视察、表达事物的一种表现方法。

在美术观赏课中老师在教学中要让学生懂得,美是具有多样性的,但又有确定的内在联系。艺术的价值并非在于精确地摹写事物的表象,而在于表现出事物的本质以及传达作者对事物的理解和情感。艺术史告知我们,艺术的发展有一个从低级到高级、从外部世界向内心精神状态发展的过程。从每个时代所留下的作品中可以看出,他们对前人的成就都有所发展,有所创新并和时代紧密结合在一起。仅看懂一幅作品或是几幅作品并无太大的意义,只有通过大量的、不同风格的作品观赏,并且使这些作品在脑子里串起来,形成确定的概念和框架,逐步建立起学生自己的审美价值系统,这才算真正地学会了观赏。

美术是一门与千家万户休戚相关的艺术,非艺术专业的美术观赏教学又是人生感知美术审美教化和美术技能教化的重要阶段。让美术从美术家的小天地中解放出来,“飞入寻常百姓家”,让高校的美育教学工作立足于审美实力的培育,激发学生广泛地参加审美活动,从被动地接受美育