2025年新版广州美院复试试题及答案

2025年新版广州美院复试试题及答案专业创作（油画方向）试题：请以“数字游民的精神原乡”为主题完成一幅150cm×120cm的油画创作，限时3小时。要求：1.画面需体现数字时代流动性与情感归属的矛盾；2.结合个人真实体验，通过视觉符号传递具体情绪；3.综合运用油画材料特性（如厚涂、罩染等）完成语言表达。答案：创作以笔者作为“数字游民”的日常为原型——白天在不同城市的共享办公空间用电脑工作，夜晚通过视频通话与老家的父母交流。画面核心聚焦于“虚拟连接”与“现实断裂”的冲突：左侧为半透明的电子屏幕叠加，内容是碎片化的工作文档、社交媒体弹窗（微信聊天框显示“明天杭州见”“北京项目延期”）及模糊的视频通话界面（母亲的脸被像素噪点切割）；右侧为记忆中的老家客厅——褪色的红色沙发、墙上歪斜的全家福（照片中笔者幼年与父母的合影边缘已卷曲）、茶几上积灰的搪瓷杯（杯身印着“广州美术学院1985级毕业纪念”，是祖父的遗物）。空间处理上，左侧屏幕区域采用平涂技法，冷蓝色调（RGB值0A2463）模拟电子屏的冷光，边缘用松节油稀释颜料晕染，强化“虚拟感”；右侧客厅区域以厚涂为主，暖黄色调（F4D35E）的沙发用调色刀堆砌出布料的褶皱，全家福照片的纸质纹理通过多层罩染（先铺熟褐底色，再用钛白薄涂高光）呈现时间的磨损。画面中心设置一个悬浮的“虚拟锚点”——由WiFi信号图标（金色，FFD700）与老家钥匙（青铜色，CD7F32）缠绕而成的装置，钥匙齿痕被信号波覆盖，暗示“物理归属”正被“数字连接”消解。情绪传递通过对比实现：屏幕区域的“清晰却疏离”（弹窗文字锐利，人物面部模糊）与客厅区域的“模糊却温暖”（沙发的厚涂肌理模糊了边缘，但红色调自带亲切感）形成张力，最终在“虚拟锚点”处交汇，表达“虽不断迁徙，却始终被记忆中的‘原乡’牵引”的复杂心境。理论笔试（艺术史与批评方向）试题一：2023年威尼斯双年展中国馆以“元工厂”为主题，呈现了AI提供图像与传统手工艺结合的作品；2024年卡塞尔文献展则展出了艺术家使用ChatGPT重构个人创作史的装置。请结合上述案例，论述AI技术对当代艺术“作者性”的消解与重构。答案：AI技术对“作者性”的影响需从“消解”与“重构”两个维度辩证分析。其一，AI对传统“作者性”的消解体现在三个层面：首先，技术降低了“独特性”门槛——如威尼斯双年展中某件AI提供的青花瓷纹样，其“原创性”由算法对千万张古瓷图片的学习提供，艺术家仅需调整参数，传统手工艺人“一生只做一件器”的独特性被弱化；其次，“创作过程”的去人格化——卡塞尔文献展中，艺术家输入“1995年第一次写生”的关键词，ChatGPT提供了一段“伪记忆”文字，再由AI绘图提供“当时的场景”，这一过程中，真实的个人体验被算法的“数据逻辑”替代；最后，“署名权”的模糊化——当AI成为“共同创作者”，作品的著作权归属（是艺术家、程序员还是算法本身）引发法律与伦理争议，传统“作者=署名者”的逻辑被打破。其二，AI同时重构了新的“作者性”范式：一方面，艺术家从“执行者”转型为“策展人”——如威尼斯双年展中，创作者未直接绘制纹样，而是通过筛选AI提供的2000张方案，最终选择与传统制瓷工艺兼容的12张，其“作者性”体现在“审美判断”与“技术协调”能力；另一方面，“算法人格”成为新的表达维度——卡塞尔文献展的作品中，艺术家刻意保留了AI提供文本的“机械性”（如重复的句式、生硬的情感表达），并将其与自己真实的创作笔记并置，此时“作者性”不再是“个人风格”，而是“对技术局限性的反思”；此外，AI还拓展了“集体作者”的可能——某件参展作品的AI模型基于100位民间艺人的口述史训练，最终提供的图案是“群体记忆”的可视化，艺术家在此扮演“文化转译者”角色，“作者性”与“文化主体性”绑定。综上，AI并未消灭“作者性”，而是推动其从“个体独特性”转向“技术协调力”“文化反思性”与“群体主体性”的多元表达。面试（综合能力考核）问题1：你的本科毕业创作《城市褶皱》以广州老城区骑楼为母题，结合了银版摄影与综合材料。为何选择银版摄影这种耗时且昂贵的传统工艺？这种选择与你想表达的主题有何关联？答案：选择银版摄影源于对“时间质感”的追求。骑楼作为广州“历史-现代”交叠的典型空间，其价值不仅在于建筑本身，更在于它承载的“慢时间”——老茶居里阿公阿婆的闲聊、骑楼下修鞋匠的工具箱、墙面上被风雨侵蚀的“公私合营”老标语，这些都需要一种“能保留时间痕迹”的记录方式。银版摄影的特殊性在于：其一，它的成像过程依赖银版的氧化反应，每一张照片的色调（从淡紫到深蓝）会因曝光时间、温度的细微差异而不同，这种“不可复制性”恰如骑楼里每一户人家的独特故事；其二，银版的金属表面会随着时间氧化，逐渐产生类似“包浆”的质感，与骑楼墙体的斑驳形成互文——照片本身的“老化”成为“记录对象老化”的隐喻。创作中，我将银版照片（记录骑楼的具体细节，如褪色的木窗棂）与综合材料（从骑楼废墟中收集的碎砖、陶片，用UV胶固定在画面）结合：银版的“精致”（能清晰呈现木窗的木纹）与碎砖的“粗粝”（保留着水泥与砖灰的触感）形成对比，既致敬骑楼的“历史精度”，又哀悼其“现代损毁”。这种材料选择本质上是在用“工艺的时间性”呼应“空间的时间性”，最终指向对“城市更新中如何保留‘有温度的历史’”的追问。问题2：2024年，广州美术学院提出“新岭南艺术”发展方向，强调“传统基因的当代转译”。如果你被录取，计划如何将这一理念融入你的研究生创作？请结合具体创作计划说明。答案：我的创作计划聚焦“广绣纹样在数字交互装置中的活化”。广绣作为岭南传统工艺，其“铺绒施锦”的细腻纹样（如百鸟朝凤、缠枝牡丹）承载着岭南文化的审美基因，但传统绣品的展示方式（静态装裱）限制了其与当代观众的连接。我计划从三个层面实现“转译”：第一，视觉语言的数字转化。将广绣经典纹样（如“孔雀开屏”）扫描成3D模型，用ZBrush软件细化每根“绣线”的凹凸质感，再导入UnrealEngine引擎，制作动态装置——当观众靠近时，纹样会“生长”：原本平面的孔雀羽毛逐渐立体化，每根“绣线”以0.5cm/秒的速度“延展”，模拟刺绣时“一针一线”的过程，让观众直观感受广绣的“手工温度”。第二，交互逻辑的文化转译。传统广绣的“寓意性”（如“牡丹象征富贵”）是核心文化基因，我计划设计体感交互：观众通过手势（如双手合十模拟“刺绣持针”）触发纹样变化——合十时，牡丹花瓣闭合；展开手掌时，花瓣绽放并飘出虚拟“金箔”（广绣常用金线），同时播放粤剧《牡丹亭》选段的片段音效。这种交互不仅是技术参与，更是通过“动作-意义”的绑定，让观众在操作中理解广绣的“象征语言”。第三，传播场景的跨界拓展。计划与广州永庆坊（骑楼文化街区）合作，在其露天展览空间设置该装置。白天，装置以AR形式投影在骑楼外墙上，与真实的广绣店铺（如“梁秀玲广绣工作室”）形成“虚实互文”；夜晚，装置转为实体投影，配合灯光秀，将广绣纹样与骑楼的雕花窗格叠加，打造“可触摸的岭南美学夜游”。这一计划的核心是：不将广绣视为“博物馆标本”，而是通过数字技术激活其“活态基因”——让传统纹样从“被观看”变为“被参与”，从“历史记忆”变为“当下体验”，最终实现“新岭南艺术”所倡导的“传统与当代的有机生长”。问题3：你在个人陈述中提到“关注流动社会中的个体情感”，并列举了《地铁备忘录》（记录陌生人的碎片化对话）《云端相册》（整理父母手机里的家庭照片）等系列作品。这类创作常被批评为“私人叙事的过度放大”，你如何回应这一批评？答案：我认为“私人叙事”与“公共性”并非对立，关键在于“个体经验”是否具备“可迁移的情感结构”。以《地铁备忘录》为例，我记录的是2023年广州地铁3号线上100段陌生人对话：有外卖员说“今天送了47单，孩子的学费有着落了”，有大学生说“毕设被导师否了，现在只想哭”，有老人说“孙子今天会来，我买了他爱吃的糖沙翁”。这些对话看似私人，但剥离具体身份后，呈现的是“努力生存”“焦虑迷茫”“期待团聚”等人类共通的情感状态。我将这些对话转化为装置：用100张地铁票根（真实收集于3号线）作为载体，每张票根背面手写一段对话，正面用紫外线墨水印刷对应的情绪关键词（如“坚韧”“挫败”“温暖”），当观众用紫外线灯照射票根时，关键词显现，形成“私人故事→公共情绪”的转化。《云端相册》则更直接地探讨“数字时代的家庭关系”：我整理了父母手机中2018-2023年的2000张家庭照片，其中1500张是他们拍摄但从未发送给我的（如父亲在我生日当天拍的蛋糕，母亲拍的我房间空着的床）。我将这些照片按“时间-地点”坐标可视化，制作成动态数据图——照片密度高的区域（如2020年春节、我考研成功时）会弹出语音（父母当时的真实微信语音：“囡囡，蛋糕给你留着”“别太累，我们在家等你”）。这种创作不是“放大私人”，而是通过“