油画静物教案

油画静物教案油画静物授课内容：1、油画和静物画的初步认识2、油画静物的技法3、油画静物欣赏教学目的：学生刚接触油画，通过教学使学生对油画的发展状况有大致的了解，对油画的工具和准备工作有一定的认识，并能够进行初步写生练习。重点难点：1、油画画布的制作2、油画性能的把握3、油画技法的熟悉4、油画审美的培养教学方法：1、多媒体讲解有关油画发展状况，油画的工具材料，油画的性能特点，油画的表现技法等等。2、课堂辅导，发现问题及时解决。3、课堂示范。对于学生难于理解的问题进行示范。4、作业讲评。通过作业讲评、互评发现问题，总结并提出解决办法。教学过程周次授课内容教学方法作业要求备注1周油画静物课堂讲授、幻灯讲解，个别辅导准备静物1周静物临摹作业讲评，个别辅导作业1幅2周静物写生作业讲评，个别辅导作业1幅3周静物写生作业讲评，个别辅导作业1幅4周静物写生个别辅导，考试登记作业1幅

主要内容

一、油画产生油画是用透明的植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。油画产生15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理想的调和剂。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上，用亚麻油和核桃油作为调和剂作画，致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作，在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。油画自发明以来，一直是绘画表现方式的主流，深受世界各阶层人士的喜爱。油画具有超乎其它画类的优点，这些优点大多基于油画所用的媒剂-油份发展出来。油画所用的油剂是一种黏稠而不易干化的物质，这种物质使油画在绘制过程及完成后，会产生一些异于其它画类的特色。例如：(1)油画是包容性最强的画材：油画颜料不但能涂在各种基底材料上，也能混合其它物质（如纸、砂、木片.........等等）作画，甚至油画本身经由不同程度的稀释后，所呈现的效果也不一样。在技法方面，可采用厚涂、渲染、泼溅、塑造等不同的表现方式，充分传达出作者心中的意念。(2)油画是最容易控制的彩色画材：由于油画不易变干，也没有到处流动的现象，画者在作画时可以慢慢进行，以达成预期的效果。此外，油画颜料的遮盖力很强，即使画错了也可以涂掉重画。(3)油画提供一种宏伟、厚实的欣赏品味：油画由于颜料厚实且不易干，适合大篇幅及多层次的画面表现方式。(4)油画提供一个最有价值的投资：油画本身除了具有多样性的风貌外，它所用的颜料及基底材料都相当坚固而持久，适宜收藏。由于油画具有如此迷人的特色，即使它所需的材料较繁多，空间较广大，仍然吸引更多画家投身其中，以油画作为主要的表现形式。二、油画的发展油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲文艺复兴运动中，由于人文主义思想的影响，许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。因而，古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素特别注重，形成了不同的风格。文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。L.达•芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，R.康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的所有景物。意大利的提香是第1个特别注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透明颜料的多次复叠，忽厚忽薄的笔法，又使色彩与形体有机溶合，造就出质感效果。17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物,令人感到画中光线耀眼。西班牙画家El.格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急和运动方向不仅使被塑造的形象显出生动感，笔触自身也具有艺术表现力。佛兰德斯画家P.P.鲁本斯在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘，依照人物的形体运笔，留下自由奔放、多呈曲线的笔触，造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。荷兰画家F.哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，与他偏于表现豪迈、乐观的人物相辅相成。另一个荷兰画家J.维米尔善于用珍珠般细碎的、圆润的笔触描绘处在室内的人物，使画面产生宁静、温暖的气氛。油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。英国画家J.康斯特布尔最早直接用油画在室外写生，获得丰富的色彩感受，他在局部用细小笔触并置颜色，使之混合成较鲜明的色块，画面较古典的褐色调子明亮得多。色彩的补色──色轮两极的颜色在并置时能互相提高明度和强度的原理，是在后来被科学认识的，但康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理，并在实践中部分地运用。他的作品启发了法国画家E.德拉克洛瓦。德拉克洛瓦以浪漫主义思想支配创作，根据当时的历史事件创作大幅主题画。他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了震动当时画坛的风格。法国巴比松画派的许多画家在不同的自然气候条件下进行风景写生，认识到景物光源色、固有色和环境色之间的关系，认识到色调对于体现时间、环境、气氛，烘托艺术主题，构成画面意境与情调的重大意义。他们大量的风景创作画出了大自然风、雨、晨、暮等特定的色彩气氛。在此基础上，法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果，以色光混合原理解决油画的色彩问题。C.莫奈、A.西斯莱等画家捕捉外光景物表面光线变化给人的色彩瞬间印象，用细碎笔触的厚涂法将对比色并置，他们认识到暗部或阴影并非黑色的浓淡变化，改变了用调和过的单一色彩画暗部的传统作法，在暗部和阴影部位也用色点并置。由于视觉生理的作用，并置的色点在一定距离外看去是透明的、有冷暖倾向的色块，并形成微妙的过渡。印象主义淡化了景物的体积感，强化了色彩因素，不再依靠明暗和线条形成空间距离感，而依据色光反射原理，用色彩的冷暖形成空间。印象主义的作品出现了前所未有的鲜明与生动，也表明色彩既有综合的、也有纯粹的表现力。19世纪的欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派，虽主要体现在艺术主题和内容上，但油画技法也相应各具面貌。如新古典主义注重油画中物象造型的严谨与坚实感，符合古典传统的造型法则；浪漫主义围绕悲剧的主题，力求以色彩、笔触因素和构图中运动式线条创造画中情节的紧张感；拉斐尔前派注重对画中人物心理情绪的表达，较多画面以青、紫、绿调子构成感伤的、静寂的意境……。虽然近代油画的面貌已经比较丰富，但都具有写实的整体特征，它们共同表现为：一幅油画是艺术形式的统一体，色彩的主调统一着画面各局部的颜色，局部色彩在过渡的渐变中互相形成和谐的关系，不存在孤立的色块；笔触基本上是为塑造形象而运用，显露的程度有限，并统一在或曲长、或短促的某种有序倾向中；被描绘的物象统一在中心焦点的构图中，形成与真实视域同构的效果。从19世纪末叶开始，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然，而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。V.凡高以疾急奔放的笔触，使浓厚、明亮的色彩充满强烈的力感，表现内心情绪的不安。P.高更以象征的色彩和造型构成画面，作品的空间与传统的形式相违，具有非描述性的神秘气氛。P.塞尚探研用几何形构成艺术形象，创造出画面是一个富有自身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。例如：忽视色彩而主要作形体自由构造的立体主义；注重色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义；通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位的趋势。三、油画的工具材料1、写生工具：画笔：画刀画架：调色油：画框：画布：调色板：2、作画准备绷框：框、布、钉子、锤子或钉枪，由中间向两边刷底子见下：胶质底：（1）、先用乳胶何水大约5比1调和，薄涂于绷好的画布上面，较大的水份比例可以使胶液在画布上得到一定程度的吸收，比较恰当的程度是渗入画布厚度的1/2，画布正面湿度均匀而正面仍然保持干燥，。一位胶液适当渗入画布可以使胶层于画布结合牢固，但彻底渗透却会破坏画布的弹性和柔韧性，甚至一定程度的影响画布的寿命。（2）、第一便胶液干透以后，用细砂纸将画布轻度打磨，去除毛刺和胶聚的颗粒，然后将乳胶和钛白粉和立德粉按照1∶1∶1调和，刷于画布上，或用刮刀刮到画布上，刮两到三遍，每一遍都要等上一遍干燥、打磨后再进行，最后还要用1∶5或6的乳胶与水的稀液在表面在刷1－2遍，这样酒可以使底料表面形成一层轻微的薄膜，，保证画面上颜料的油分不被画布吸收。还有就是商店中有现成的胶质底料，我们买回来只需要在画布上刮几层即可。写生用的油一般以二合油（松节油＋亚麻油）、三合油（松节油＋亚麻油＋光油）为常用。可以分开用，开始使用松节油多些，后面使用亚麻油多些，光油可以等画面干后在刷亦可。有色底子：有些画家喜欢在画底子中加入一些颜色，如安格尔喜欢在画布上涂一层很薄的暗红色底子，格列柯喜欢在“底漆”中加入微量的红色。有色底子对画面产生极大的影响，当人们在白色底子作画时，能极大地表现出色彩的饱和纯度，当你在有色底子上作画时，色彩之间的相互关系能很快地得到某种协调。第二节

油画技法油画的技法很多，其实并不可以归纳成有若干画法。就好比在学习踢足球时会学内脚背传球、外脚背传球，但真正到了场上就是即兴发挥了。但总的来说还是可以分为直接画法和古典画法（也就是所谓的罩染）。直接画法的发展可以说是在19世纪初才真正开始迅速发展的，之所以称为直接画法是相对于古典画法来说的，就是表达画家对于事物的直接感受，以相对厚的色彩来直接进行绘制。古典油画有一句话说“色彩不过就是一层皮”，这句话也就解释了古典绘画技法的真谛。古典技法会在画布或是画板上用黑白绘制单色素描，以棕色为多，由亮部到暗部逐渐用白粉提起。这种素描会按照作品的完成效果画得非常深入，待素描完成后会用色彩在素描效果上罩染，各种颜色之间并不进行调配，靠各个透明色层的重叠来表现丰富的色彩。现代绘画并不严格区分于画法，会将直接画法同古典罩染法结合使用。如忻东旺旧把直接画法和古典画法很好结合起来。同时随着科技的发展，还出现了使用喷笔等现代技术的新画法。一、作画步骤油画是以油彩颜料为媒介，进行作品创作的。它之所以成为世界性的画种。首先，它有着很强的表现力。比如，它可以无数次的覆盖，可以一遍一遍的画。其二，它的色彩鲜亮，饱和度强，不易变色。第三，它可以反复修改，有着很强的可塑性。特别是它不像水彩、水粉画那样干得快，一但画坏不易修改。1、思考、构图、起形构图前要先注意你对静物的感觉，你感觉古典一些更符合你的想法，还是现代一些更能构打动你，一定要注意自己的情感。按照这种情感考虑你所想用的形式，然后开始在速写本上勾草图，考虑色彩安排。多勾几个比较一下，那种形式更好，可以使你的油画事半功倍。构图要多动脑子，尽量选用比较新颖的构图，平淡、袭旧、程式化的构图往往由于司空见惯尔不能够吸引人。好的构图能够影响到你下一步作画的心情。要千方百计的打破旧的程式，创造新的为人们所接受的形式，才更具有审美的刺激性。忻东旺说：一幅课堂作业对我来说绝不能有习作意识，因为那样会降低画画的精神及心理标准，所以必须要使我的画具有某种时代意味。起形可以用铅笔、碳笔或直接用稀薄的油画颜料，甚至用其它能够画上色的工具和颜料。铅笔和碳笔的稿子在用色前最好用水或有肯定一遍，否则会被画笔带起，似乎颜色变黑、变灰，并且最好不用橡皮擦，会破坏胶质层。2、分析、上第一遍色分析物体的形状、颜色、结构等因素，按照形式需要画上第一遍颜色，立体的、平面的都乌所谓，可以不太细致，也可以不太厚，要大的效果。3、刻画与感性发挥按照自己的构思，充分把自己的想法表达出来。写实的要注意写实的要点，如色彩、结构、空间等，现代的要注意现代形因素的体现，如画面的形状构成、色彩构成、点线面的运用等。油画用笔方法更多，下面将进行详细介绍。4、调整与再认识根据自己的设想效果，和画面的协调程度，对一些不合适的局部，包括形状、色彩等进行调整，使画面整体协调。二、油画用笔挫挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。

拍

用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。

揉

揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接揉合的方法，颜色揉合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。

扫

扫常用来衔接两个邻接的色块，使之不太生硬，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。

跺指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。拉

拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等，这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面，画刀画出的形体坚实肯定，是画笔或其它方法难以达到的。擦

擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在干了的底色或起伏的肌理上用擦的笔法可画出类似国画飞白的效果，使底层肌理更为明显。抑

抑是用刀的底面在湿的颜色层上轻轻向下压后提起，颜色表面会产生特殊的肌理。在有些需要刻画特殊质感的地方用抑技法可达到预期的效果。

砌

砌的方法是用刀代替画笔，像泥瓦匠用泥刀环泥灰那样将颜色砌到画布上去，直接留下刀痕。用砌的方法可以有不同的厚薄层次变化，刀的大小和形状以及用刀的方向不同也会产生丰富的对比。用画刀调取不同的颜色不作过多调合，任其在画面上自然地混合能产生微妙的色彩关系。起伏过大的色层也可用砌的方法将其砌平。砌的方法如果使用得当，就会有很强的塑造感

。划

划指用画刀的刀锋在未干的颜色上刻画出阴线条和形有时可露出底层色来。不同的画刀能产生深浅粗细不同的变与画笔的笔触及画刀利的技法产生的色面形成点、线、面的对起伏的肌理变化。

点

点——众法自点始，一切笔法均出发于点。早在古典坦培拉技法中，点画法就是一种表现层次的重要技法。在维米尔的作品中也使用了点的笔触来表现光的闪烁和物体质地。印象派时点彩笔法成了其基本特征之一，但莫奈、雷诺阿和毕沙罗等的点法各自具有不同的变化和个性。新印象派则走向极端，机械