2026年10月自考自考00504艺术概论押题及答案

1、参考教材：《艺术概论》，机械工业出版社，陈岸瑛

主编，2024年版。2、特殊标记含义：P10代表教材页码第10页；“【

】”等标注的代表此处为重点关键词(得分点)。一、单选+多选+填空+(简答)1、在亚里士多德看来，无论是史诗、戏剧还是绘画、雕塑，都是一种【摹仿的技艺】。如悲剧用语言、声调、身体姿势等摹仿神明和英雄的行为，绘画和雕塑则用颜料、石块等物质媒介进行摹仿。从柏拉图到亚里士多德的“摹仿论”，在很大程度上将礼仪性、表演性技艺与生产生活技艺区分开来。不过，他们都认为，无论哪种技艺，都需要认识和掌握一定的规律。柏拉图倾向于认为，凝聚在技艺中的认知是对“理式”等神明知识的摹仿，而亚里士多德则倾向于认为这种认知是在实践中摸索规律。就此而言，摹仿论【不仅从技艺的角度看艺术，而且从认知的角度评价艺术】P242、随着科学技术的发展，【不少艺术远离了身体媒介】。19世纪中叶发明的照相机，使图像生产开始远离手工技艺，等到数码技术取代暗房技术后，人手便整个地从图像制作流程中解放出来了。随着人工智能和大数据时代的到来，艺术的创作、生产、展演和传播日趋高科技化P24-253、中国古代艺术分为四个类型：【宫廷艺术(庙堂的艺术)，文人艺术，宗教艺术，民间艺术】P254、一般来说，【宫廷的艺术、宗教的艺术】等较为严肃的艺术，并不适合以“审美”的方式对待。以审美的方式对待艺术，是以【个人好恶】来衡量艺术的价值P275、1937年林语堂写作了【《生活的艺术》】向西方人介绍品茶、赏石、插花、游山玩水等中国文人闲逸的生活方式。在书中，林语堂将【李渔的《闲情偶寄》】赞为“中国人生活艺术的指南”P27-286、一般来说，“艺术设计”主要与【轻工业生产】而不是重工业相联系，经过艺术设计的产品和服务，抵达人们的日常生活，对身体感官起到直接的作用。与现代生产对应的现代设计，以艺科融合的方式，为现代人的日常生活服务。设计并不仅限于日用品设计，它涵盖日常生活的方方面面P287、就艺术分类而言，【有学术研究、图书编撰中的知识分类，有围绕人才培养的学科、专业分类，也有行业、职业和生活中的分类】。【黑格尔】在《美学讲演录》中开启了一种百科全书式的艺术史研究，涵盖建筑、绘画、雕塑、诗歌、戏剧、音乐等各艺术门类P298、2011年，教育部颁布了新的研究生学科专业目录，【艺术学】从文学中独立出来，成为第13个学科门类。这是艺术学的“升门”P309、从职业状态来看，中国古代的艺人大体上可分为五类：【业余的、职业的、游方的、副业的和自娱自乐的】P3010、周人发展出包括【诗歌、音乐、舞蹈、冠服、礼器】等在内的“礼乐”制度，以文艺感化人心P3511、秦汉以后，贫寒子弟可以通过读书改变命运；朝堂上庄严的礼仪，也可以下沉到乡村。从乡村祠堂、魁星楼、文庙、书院到乡绅和富商的宅院，处处透着“诗书传家”的文化气息。【“梅兰竹菊”“渔樵耕读”“麒麟送子”“五子登科”“马上封侯”】等图案，在乡村建筑和各类民间工艺品中随处可见。从“礼不下庶人”到“礼失求诸野”，礼乐下沉到民间，形成了中国传统艺术特有的政治表征形式P3512、【恩格斯】认为现实主义文艺要想取得应有的艺术教育效果，就不应该直接鼓吹作者的政治和社会观点，而是应该将作者的见解隐蔽起来，客观地揭示社会发展规律，“真实地再现典型环境中的典型人物”P3613、物质文化遗产至少包括三大类：【历史建筑，考古遗址，可移动文物】P4014、【考古学】于19世纪中叶诞生于欧洲，是对古代物质遗存进行实证性、科学性研究的一门学科。很多文物都来自于墓葬。我们不能从这些“地下”文物直接推断出“地上”的生活样式。这是因为，在墓葬中，有一部分文物是随葬的生活用品或礼器，还有一部分文物是专门陪伴死人的墓葬俑和明器。人们首先【需对二者进行分辨】，才不至于闹笑话。【丧礼和墓葬】是丧葬文化的核心P40-4115、人类学诞生于19世纪下半叶的【欧洲】P4316、要想了解中国传统艺术(非物质文化遗产)，【除了参观博物馆、阅读艺术史图书，还可以到全国各地去拜访非遗传承人】，切身感受不同的非遗项目P4317、美术馆或艺术博物馆的核心功能至少包括五个部分：【收藏、展览、研究、公共教育、文创衍生】P43-4418、艺术原本广泛地在生产生活中存在，在多样化的社会空间中存在。【民间歌舞在劳动、休闲和节日中存在；戏剧和曲艺在江湖中游走，在勾栏瓦肆、茶馆、庙会和社火中聚集；造像和装饰艺术在庙宇、祠堂中存在；诗书画印在文人雅集和私家园林中存在】。【勾栏瓦肆】是宋代城市中的演出娱乐场所。【庙会】是围绕寺庙进行的民俗、商业活动P4519、1711年，夏夫兹博里伯爵在《人类、风格、意见和时代的特性》一书中提出【“内感官”】概念P5020、以感觉经验论为基础的美学，称为【经验论美学】。美学教父：【鲍姆加登】P50-5121、19世纪的心理学美学，多喜欢对【审美快感】进行量化的检测和分析。但对于一幅画引起的快感和一杯冰淇淋引起的快感，很难用这种方法去辨别。这两种快感，也很难用肇始于康德的审美态度说进行区分。如果说我们可以不去占有而欣赏一幅画的话，却绝无可能不去吃冰淇淋而享受吃它的快感。我们的确可以远距离观赏一杯冰淇淋，但这并不是对待冰淇淋的恰当态度。类似的，丝绸、漆器、玉石的美，除了需要观看，还需要触摸和使用。在这里，关键的问题不在于我们是否占有对象，或以何种态度、何种方式去喜欢一个对象，而在于我们是否有能力去欣赏它P52-5322、美学对审美活动的解释，可以分为【审美快感说(影响最广)、审美态度说(最牵强)和审美能力说(最具解释力)】P5323、康德在【《判断力批判》】中对工匠和天才的定义做出了哲学的界分。【叔本华和尼采】，也都持天才论，他们将艺术与超验的世界本体联系到一起。游戏说：【席勒】将艺术视作一种无目的、自足的游戏。这种想法与中国古代文人提出的“自娱说”比较接近P53-5424、直觉论代表人物【克罗齐】认为，直觉同时是一种表现，因此其美学理论也被称为“表现论”。克罗齐所说的“表现”，不是指表达思想情感，而是指【赋形】，即赋予感觉以形式，如看见一抹蓝色，听到一个音调，都是一种直觉的、赋形的过程P5425、“品味”通常由三部分组成：【好恶，感觉，判断】。人皆有好恶，未经训练的好恶也可称为偏好，这种偏好是主观任意的，无所谓对错，因人而异。但如果有了某种爱好，而且越走越深的话，人的好恶就会得到某种“锻炼”，从而有别于未经训练的好恶。经过了训练的感觉，会变得越来越精细。通过这些精细的感觉而呈现出来的好恶，就形成了对事物的判断。这种从好恶、感觉出发的判断，即美学所说的【审美判断】P5626、【审美谓词】实际上是特定人群针对特定对象的品鉴活动中细分出来的感觉，以及对这些感觉的命名。针对不同的对象，可以形成不同的感觉细分，由此形成的感觉判断词(审美谓词)也不同。如欣赏太湖石的标准，不适合欣赏砚石；欣赏砚石的标准，也不适合欣赏书法P5627、钱钟书是首个从正面研究俗的中国文人，他在《论俗气》中将俗气分为两种类型，【一种是自然流露的卑下，另一种是附庸风雅，求雅而得俗】。相对于前者，有品位的人更瞧不起后者。从认知的角度来看，前一种好恶是未经熏陶和训练的普通人的“偏好”；后一种好恶是半懂不懂、似懂非懂、不懂装懂，离有真知灼见的好品味还有一段距离P5728、“品味游戏”中的不同角色(红楼梦)P5829、在康德美学中，【雅俗之辨】主要表现为

“经验性的感性判断”和“纯粹的感性判断”之分P5930、审美或者说品味活动是一种令人快乐的感性认知活动，区分不同审美品级的主要标尺是【感觉的精粗和认知程度的深浅】P6131、唯美主义的信条是【“为艺术而艺术”】，认为艺术不必为社会服务P6132、法国艺术家【杜尚】在反美学的艺术思潮中，发挥了承前启后的纽带作用P6233、【商业电影、流行音乐、网络游戏、短视频、主题公园、观光景点】等是典型的大众艺术，以娱乐大众为业P6234、“品味的游戏”是一种典型的小众艺术，不仅存在于古代，也存在于当代。如【品茶、品香、赏石、赏画】等文人雅趣，至今仍受到人们的喜爱。有需求，便有供给。有日益增长的美好生活需求，就有日益增长的艺术供给。当这种供给达到一定规模时，就形成了产业。当大多数人还处于温饱阶段的时候，人们心目中的艺术产业一般是【大众型艺术产业】。随着生活水平的提升，大部分人有条件追求品质生活时，就会出现【小众型艺术产业】。小众型艺术产业既包括使人身心愉悦的【审美艺术】，也包括充满创新性和思想启示性的【前卫艺术】。在一个走向共同富裕的社会中，小众型艺术产业会出现【大众化】的趋势，大众型艺术产业会出现【分众化】的趋势P6335、中国现代美学的开创者【王国维】在《人间词话》中指出古今之成大事业、大学问者必经三种境界：【“昨夜西风凋碧树，独上高楼，望尽天涯路”是第一境；“衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴”是第二境；“众里寻他千百度，蓦然回首，那人却在灯火阑珊处”是第三境】P6436、王国维认为【意境】作为艺术家心灵中诞生的形象，是情景交融的产物P6537、18-19世纪，欧洲最高品级的绘画是以神话、历史为题材的【历史画】。【山水画】在中国古代绘画中品级最高P6538、庄子的《逍遥游》推崇一种不为名利所累的逍遥的人生态度。庄子在《逍遥游》中对“知效一官、行比一乡、德合一君、而征一国者”的成功人士进行了嘲讽，认为他们的自得自满，不过是“偃鼠饮河，不过满腹”。古时的隐士许由拒绝接受尧的禅让，不愿意为天下所累，是庄子所极力称赞的。庄子的人生理想是做一棵无用之树，逍遥于无何有之乡P6639、【柳宗悦】在日本发起了民艺运动，柳宗悦除了推崇简朴自然的美学外，还有着强烈的平等观念，认为老百姓日用而不知的“杂器”，比宫廷重器、文人雅器更美。这种【以百姓日用为美】的思想，推动了日本现代设计的发展P6640、【王艮】提出了“百姓日用即道”的命题，他认为圣人之道，不能将普通百姓排斥在外，百姓的衣食日用中蕴藏着有待发现和遵循的道理P6641、现代化的一个总体发展趋势是由少数人的美好生活发展至多数人的美好生活。现代化分为不同的层面，【政治层面、经济层面、思想文化层面以及日常生活层面】。日常生活的现代化是现代化充分发展、充分展开的结果。以欧洲的现代化为例，以中世纪晚期城市工商业的繁荣和大航海时代为背景，起先是文艺复兴和宗教改革，然后是启蒙运动和政治革命，与此相伴随的是工业革命。到了19世纪中叶，在伦敦、巴黎等大城市中，日常生活大面积现代化，催生了一种摩登的生活方式。在这个过程中，思想文化层面的现代化与政治、经济层面的现代化交替进行，而最晚到来的是【日常生活层面的现代化】P66-6742、在城市化发展的高级阶段，【日常生活的审美化】成为一种普遍需求。日常生活的审美化，除了城市更新，还有艺术乡建P6843、贝尔于1914年出版《艺术》一书，提出了【“有意味的形式”说】P7044、辅助人员一般是【临时工和体力劳动者，从事简单的、重复性的工作，具有较高的可替代性】。这类工作一般不需要经过复杂的学习和训练，不需要积累工作经验，因此也缺乏上升空间。辅助人员通常是执行者，必须脚踏实地，贯彻落实主创人员的想法P7545、【产业链】是围绕某类主打产品形成的产供销全流程的企业分工协作体系。产业链可分为【上游、中游和下游】三个层次。衡量某个传统工艺产区发展状况的主要标准，是看【该地区的产业链是否齐全，配套服务是否到位】P7746、从宏观的社会学视角来看，艺术世界由【生产、分配和接受】三大环节构成P7747、从经济学供需关系角度来看，艺术分配又分【计划调配和市场调节】两种模式。古代等级社会中，【官营手工业和歌舞教坊、贡品和徭役】等均采取计划调配的模式P7848、在我国，【文化消费和公共文化服务】是目前两种主要的艺术分配形式P7849、艺术市场分为P79(1)【初级市场】：艺术从业者直接面对消费者和客户。(2)【一级市场】：艺术从业者不再直接面对消费者，而是通过经纪人和中介机构出售其产品或服务。(3)【二级市场】：通过拍卖行等代理机构，藏家与藏家之间进行二手艺术品交易。【版权交易市场】也是一种二级市场。50、【画廊】是艺术家的专业代理机构P7951、目前全球最知名的画廊是1980年创办于美国洛杉矶的【高古轩画廊】。知名的拍卖行：世界闻名的【苏富比和佳士得拍卖行】分别于1744年和1766年成立于英国伦敦。世界最知名的音乐厅是【维也纳金色大厅】P79-8152、在欧洲现代化的过程中，出现了【美术馆、音乐厅、剧场】等向全体公民开放的公共艺术空间P8053、瑞士美术馆中，比较重要的有【巴塞尔美术馆、苏黎世美术馆、伯尔尼美术馆、克利中心、贝耶勒基金美术馆】等。【卢浮宫博物馆】位居世界四大博物馆之首。中国国家大剧院落成于北京奥运会前夕，由法国建筑师【安德鲁】设计P8154、【对艺术的评价】是艺术分配环节的核心部分。一般来说，小众艺术的价值主要由【少数专家和专业机构】判定；大众艺术的价值则主要由大众“用脚投票”P82-8355、【艺术接受】是使艺术成为艺术的终端环节。姚斯提出了【“接受美学”】P8356、乐籍制度始于【北魏】。【百工】泛指从事各类造物活动的匠人。古代的官营手工业多采取劳役制，役使【军匠、军兵、民匠、民夫和罪犯】等，宽松一点的形式是让民匠、民夫轮流服徭役。宋代的官营手工业更为宽松，出现了招募制、和雇制等更为平等的用工形式P8557、梅隆基金会资助的【非营利性数据库ARTstor】，是迄今为止全球最大的艺术图像数据库P8558、艺术收藏对艺术创作的作用：在张彦远看来，真正有品位的书画藏家，不仅要舍得花钱，还得懂鉴识和阅玩，知道如何装裱、保存。只有广闻博见的人才真正懂得书画的价值，只有对书画真正喜爱的人才会为这种价值买单。中国古代的艺术收藏之风，远胜于同时期的欧洲。收藏活动一方面【促进了艺术品的保存和流通】，但也存在将鸡蛋放在一个篮子里的风险。古今中外的大藏家都热衷于研究，其藏品往往是成体系的，甚至能构成一个或数个艺术史研究专题P8659、大众有各种机会低成本地接触艺术，最简单的方式就是【去参观美术馆和博物馆】P8760、【本雅明】在《机械复制时代的艺术作品》一文中，认为广泛传播的艺术图像削弱了艺术原作的价值P8761、发烧友这个词源自【中国香港】，最初指音响器材爱好者，后泛指各类达到一定专业水平的痴迷爱好者。一些发烧友听黑胶唱片，沉迷于不同版本的古典音乐演奏；一些发烧友在流行音乐中寻找另类的、水平更高的乐队和歌手；一些发烧友自学电影史，对电影发表专业评论。这些新的需求使大众流行艺术的创作水平不断提升P8762、前卫艺术具有较强的【批判性、思想性和创新性】P8963、【巴塞尔艺术博览会】源于瑞士，是全球顶级艺术博览会

P9064、现代艺术体制(标准化)与传统艺术体制(非标化)：P90-91(1)在标准化的艺术体制中，艺术人才是由【专业艺术院校分门别类地培养】的。在现实生活中，以非物质文化遗产活态传承为例，仍然存在着非院校的艺术人才培养方式。(2)在标准化的艺术体制中，艺术生产者、分配者和接受者之间主要是一种【陌生人关系】，而在传统的艺术体制中，这三者之间更多是一种熟人关系。(3)在标准化的艺术体制中，艺术生产、分配和接受三个环节，往往【在空间上彼此隔离、相距甚远】，而在传统的艺术体制中，这三者常常在同一个地方发生。(4)在标准化的艺术体制中，【美术馆、画廊、拍卖行】等专业分配机构是艺术世界的枢纽与核心，但在传统的艺术体制中，分配者的角色往往较为模糊，甚至不存在专门的分配环节，分配者的角色也是多样化的。65、传统艺术体制通常来说是非标化的。但这并不表明非标化的艺术体制一定会被标准化的艺术体制替代，而是有可能和谐共处，取长补短，相得益彰。事实上，现代化进程并不会打破所有的传统，【传统也可以与时俱进，融入现代社会，成为一种活态的传统】P9066、奥多尔蒂对“白立方”(指四壁洁白的美术馆)的不满与同时期盛行的【大地艺术、在地艺术】等试图逃离美术馆的前卫艺术产生了强烈共鸣。大地艺术代表人物是【罗伯特·史密森】P9167、【格里斯沃德】提出了“文化菱形”理论P9368、【语言、表情和肢体动作】构成了人类生产生活中无时不在的表意活动P9769、从造物和表意的角度来看，被称为工艺美术、装饰艺术的传统手工艺，实际上包括三种艺术类型：【造物艺术，表意艺术，以及介于二者之间的装饰艺术】P10070、【本体论】，也称存在论，是探究世界本原或万事万物基本存在方式的哲学。一元艺术本体论认为所有的艺术都以表意的方式存在P10071、表意艺术的媒介，起初是【语言、声调、表情和身体姿势】。但是人类的表意活动并不满足于这些手段，而是从很早就开始征用【造物手段】来为表意服务。从岩画、神像到金字塔和各类大型建筑，与生活世界平行的观念世界以材料、工艺为手段，呈现为一种可见的物质形式。文字的存在最初也依赖于手工艺制作，或者由石匠刻写在石头上，或者用模子印制在青铜器、砖瓦和陶土上，或者用特制的竹简和毛笔来书写。当书写工具和载体变得越来越便捷，【文字才和语言】一起成为表意活动的首选媒介，越来越精神化、非物质化P10072、讲故事的艺术形式：【说唱叙事、戏剧叙事、视觉和空间叙事、跨媒介叙事】P101-10573、【史诗】的传唱者在远古时往往具有巫者的身份，因为史诗通常是在部落祭祀或节庆活动中演唱的P10274、【莱辛】在《拉奥孔：论诗与画的界限》一书中，对语言叙事和视觉叙事进行了对比研究。莱辛认为叙事诗可以讲很长的故事，而造型艺术只适合表现一个瞬间。诗歌擅长叙事，绘画擅长状物P10475、在教堂中，绘画和雕塑都要通过讲【宗教故事】来完成其礼仪、教化功能。绘画通常可以表现一连串故事，如乔托在阿雷纳礼拜堂所做的壁画，以连环画或者说戏剧场景的方式，讲述了耶稣的生平和耶稣外公的生平。与绘画相比，雕塑一般更适合表现故事中的单个角色。但在中国民间雕塑中，如在木雕、砖雕和陶塑等建筑构件中，却经常出现戏剧化的人物群像，形成一种【空间性的叙事】P10576、【跨媒介叙事】就是一个故事从一种艺术媒介向另一种艺术媒介转化、新生的过程。例如，以语言为媒介的故事转化为以文字和书籍为媒介的故事P10577、说书人在讲故事时，常常会扮演成不同的角色，摹仿不同年龄、性别和性格的人说话。对于听众，特别是对于现场的听众来说，这种角色扮演更容易唤起他们的情感共鸣。多个人通过角色扮演来讲故事就是【戏剧】P10678、【唱歌、跳舞、演奏乐器、说书、演戏、杂技、武术】等活动(以身体为媒介的表演活动)，其艺术成果无法与身体分离。而包括【绘画、雕塑在内的各种手工艺产品，录音棚里录制的音乐，摄影棚里拍摄的影视作品】，都可以与身体分离而独立存在，远距离流通P10679、以身体为媒介的表演活动与以产品、作品的方式存在的艺术，在生产、分配和接受方式上均有很大不同。从哲学上来说，前者主要以【“事”】的方式存在，后者主要以【“物”】的方式存在P10780、舞台性的表演活动产生的一般社会条件包括两方面，【一是对艺术表演的专门化欣赏需求，二是为满足这一需求的职业化表演】。在中国古代社会中，【戏曲】是最典型的舞台艺术P10881、传统工艺使用的天然原材料主要包括三类：【矿物、动物和植物】P11182、在后工业时代，振兴传统工艺有助于建立人与自然和谐共生的现代文明新形态。【“天有时、地有气、材有美、工有巧”的中国古代造物法则，以及发端于文人阶层的山水精神和山水艺术】，对于建构有中国特色的自然-文化生态系统具有重要指导意义P11183、从字面上来看，材美工巧是指【材料美、工艺巧】。但其实很多原材料从大自然获取之初是谈不上美的，只有经过了挑选和加工后，才能成为良材美质，用于制作材美工巧的器物P11284、在中国传统雕塑中，【玉雕、木雕、核雕】等使用天然原材料的雕刻品种，都要讲究因材施艺。人造材料如砖、陶，或大块开采的汉白玉、青石等建筑材料，在雕塑时就没有这种讲究。这些材料一般被当作均质的质料来使用，完全臣服于功能和造型需要。在玉雕、木雕、核雕中，雕刻艺人则需要尊重材料，与材料对话，才可能制作出巧夺天工、妙肖自然的作品P11385、柳宗悦用“【无心】”来描述“手熟”，认为在手艺人成千上万次“无心”的操作中，可以成就一种“无心”之美P11486、艺术媒介都发生在【艺术生产】环节P11987、传统艺术可分为【造物艺术、表意艺术和身体艺术】三种类型。“媒介”这个概念只适用于表意艺术，而不适用于不具表意功能的造物艺术和身体艺术。“媒介”的本义是中介和手段。“媒介”有些像梯子和桥梁，所谓登楼撤梯、过河拆桥，达到了目的，手段也就没用了。例如，颜料是绘画的媒介，人们在绘画作品中看的是色彩而不是颜料；乐器是音乐的媒介，人们是去听音乐，而不是听乐器，也不是看乐器。颜料和乐器，都可称为艺术媒介。但是，在造物艺术中，用陶土造出漂亮的陶罐，用木材造出精美的家具，陶土和木材本身并不因为造出了陶罐和家具而失去作用，相反，它们在最终的产品中占据一个核心位置。就此而言，我们不能将陶土和木材称为媒介，尽管它们是为造物艺术服务的一种手段P12188、【媒介化】指材料和身体在长期为某种表意活动服务的过程中，成为一种专门化的物质手段。材料和身体如果只是偶尔用于表意，其原本的属性并不会发生太大的改变；如果长期用于表意，就会逐渐改变自己的性质，开始具有一种专属的媒介特性。从材料、身体到第一媒介的转化就是这样开始的。表意艺术与造物艺术、身体艺术的真正区别是在【第二个阶段】上发生的。在这里，制备好的专属材料随不同的应用方向分途发展。在造物艺术中，备料被用于制作物质产品，成为产品最核心、最基础的成分。在表意艺术中，备料或者说第一媒介、媒材，被用于传情达意，制作精神产品，在此过程中，第一媒介进一步去物质化，发展为精神性的第二媒介。点线面、色彩、声响、音符、体态、表情、手势等，是从第一媒介发展而来的第二媒介P12289、在艺术现代化进程中，第一媒介和第二媒介分途发展。第一媒介归属于工业生产和科学技术领域，被排斥在艺术创作之外；第二媒介归属于艺术创作核心领域。在西方艺术现代化进程中，【第一媒介被极大技术化，第二媒介被极大科学化了】。第一媒介的技术化，如将古钢琴改进为标准化的现代钢琴，按照标准色谱生产管装颜料，研制照相机、摄影机，开发绘图和作曲软件等。第二媒介的科学化，如在几何学、光学、心理学、神经科学基础上，建立透视学、色彩学等科学理论，用于指导艺术创作和第一媒介的生产。百年前，徐悲鸿等人之所以认为西画比中国画更“科学”，就是因为有透视学、色彩学这些科学化的第二媒介理论P12390、【内容和形式】是分析艺术的一对最基本的范畴，这对范畴只适合分析表意艺术。造物艺术更适合用【形式和功能】这对范畴进行分析。表意艺术的内容一般来自艺术外部，来自社会生活；也有的内容来自艺术史，来自艺术家对艺术的反省。与内容不同，形式来自【艺术内部】，属于艺术的本体部分。也有人将形式称为艺术的本体语言P12591、第一媒介和第二媒介共同构成了艺术的底层形式，或称【一阶形式】。在此底层形式之上，艺术形式与外部社会内容进一步结合，产生丰富的艺术形象。艺术形象是内容与形式的融合，如风景、人物、静物等。从内容角度来看，可以说它是艺术的内容；从形式角度来看，可以说它是艺术的形式。这一形式不同于一阶形式，可以说是艺术的【二阶形式】P12692、表意活动分为【说理、叙事、描述和抒情】四个主要类型P12693、长篇视觉叙事，也可以采取【异时同幅】的格式，如敦煌壁画中的佛本生故事，西斯廷礼拜堂天顶画中的创世纪故事等，都将多个故事场景拼合到同一个平面上。长卷式视觉叙事与异时同幅视觉叙事的主要区别在于【前者是线性叙事，而后者是结构性叙事】P12794、与史诗和小说相比，造型艺术更适合进行【戏剧化叙事】。顾闳中的《韩熙载夜宴图》分赏乐、观舞、小憩、清欢、宴归五段场景，介于长卷式叙事和戏剧化叙事之间。更多的中外绘画、雕塑作品则只描绘一个戏剧场景，如大卫的《荷拉斯兄弟之誓》和古希腊雕塑群像《拉奥孔》P12795、在西方哲学看来，描述的底层框架是【“空间”】P12796、【写实绘画】是用绘画的手段去描摹肉眼可见的世界，或者说，是借助第二媒介，形成一种对象如在眼前的视错觉。【线性透视】可以用几何学来度量，是高度科学化、量化的P128-12997、塞尚在绘画中不仅考虑远近关系，而且一直未能完全放弃线性透视。例如，他用多视点画静物，让观众看到不同视点之间的紧张和矛盾，从关注透视营造的视错觉到关注透视这一画法本身。塞尚采用相互冲突的【散点透视】来描摹对象，更能让观众意识到透视关系在画面构图中的作用P12998、只有表意的艺术有内容层。艺术表征的内容可能是【道理和寓意、故事、自然和社会中的事物、情感和氛围、反省和思考】等。一般来说，【史诗、故事、小说、戏剧、曲艺、有声电影等有语言参与的艺术】构成的表征系统最为完整，表达的意思最为充分和清晰P13099、沃尔夫林在《美术史的基本概念》中，用五对范畴来区分文艺复兴艺术风格和巴洛克艺术风格：【线描和涂绘；平叠和纵深；封闭形式和开放形式；局部独立和整体统一；绝对清晰和相对清晰】。【统一性】是巴洛克艺术最显著的构图特征P131100、文人艺术的核心主题无非是【入世和出世、有为和无为】两种P134101、在古代民间文艺创作中，题材与主题的对应关系却十分明显。很多图案，如【猴子骑马(马上封侯)，象驮宝瓶(喜象升平)，三只羊(三阳开泰)，喜鹊、莲花和芦苇(喜得连科)，莲花、笙、桂花和男童(连生贵子)】等，通过谐音的方式将题材和主题融为一体。这些带有吉祥寓意的图案，不仅通过各类工艺制作进入建筑和居室，还以实物和民俗活动的形式存在，如将花生和红枣撒在婚床上寓意早生贵子，再如在客厅摆放花瓶寓意平安。这些吉祥之物甚至进入到文人绘画中，只不过，与民间工艺中的直白表达相比，文人画中的吉祥题材往往不以程式化的图案存在，而以更为自然的图画方式存在，其寓意也更为隐晦P134102、进入艺术史的现当代艺术作品往往具有较强的思想性和话题性，即便是那些抽象的艺术创作也有主题和议题。只有艺术院校的低年级学生，由于尚未进入创作状态，才会误将题材当主题，今天画雪山，明天画沙漠，后天画沾满颜料的工作服，看似“主题”多样，其实只是习作和练习。对于学生来说，【懂得区分题材与主题】才是艺术创作的开始P134103、【艺术形象】是内容与形式融合的结果，最宽泛的艺术形象也称艺术“表征”，指艺术作品、艺术表演活动形成的整体面貌P134104、如果从内容入手，图案分类更容易形成一个逻辑一贯的图案分类体系。从内容来源来看，造型艺术中的图案无非从【造物和表意】两种活动中发展而来，经工匠之手反复应用，在广泛接受和传播中趋于定型P136105、造型艺术的构思需要充分考虑材料、工艺问题，才能顺利地落实为作品。大体量的建筑工程只有画出详细的设计图、施工图才可能完成。即便是一个人可以完成的绘画和雕塑创作，有时候也需要一个打草稿或试错的过程。对于做“行活”的人来说，一般需要有现成的【粉本或图样】作为参考。这些都可以说是一种设计的活动。在小型艺术创作中，【构思、设计和制作往往连为一体】。木雕艺人将构思简略地画到草图上，然后将图样贴到木板上，凭感觉和经验完成雕刻作品，构思和设计贯穿艺术活动的始终。在大型艺术创作中，【构思、设计和制作往往分开】，由不同的人进行。在建筑行业，大师工作室一般只负责概念设计，另有专门的设计院绘制施工图，再交给专业的监理和施工队实施P137106、从任务和工作方向上来看，美术的首要任务是表意。设计的首要任务是【造物】。【伽达默尔】在《真理与方法》中将艺术列为开启真理的首要手法

P138107、艺术家只有【深入时代、深入生活】，才可能承担重大时代思想主题的表达任务。时代思想主题是在时代先进人物的前沿探索中，在广大群众的生产生活实践中形成的。一切划时代的作品，其艺术和思想力量归根结底来自一个时代火热的生活和斗争，来自斗争中开辟出来的真理领域P138108、艺术可以说理、叙事、描述和抒情，但最重要的还是说理。在叙事、描述和抒情的艺术中，说理的部分主要体现在其【创作立意和思想主题】上。在作品构思阶段，深入的研究和思考是最重要的。研究得越深入，思考也就越接地气，由此形成的主题思想才能具体而微，和创作素材紧密结合，以艺术的形式开启真理P139109、日本原研哉提出了日用品再设计的主张。无论有没有艺术家、设计师参与，生活用品总是会被源源不断地生产出来。对此，设计师有两个策略：①离开日常生活、向纯艺术靠拢。②【回归日常生活，针对市场上流通的生活用品进行再设计，加以改进和提升，这就是原研哉代表的那种设计主张】P139-140110、【现代性】是现代化的结果，也是现代社会区别于传统社会的特性。德国法兰克福学派提出了“工具理性”概念。【工具理性】也称技术理性，是一种以绩效为唯一目标的理性行为P146111、【费孝通】出版了《乡土中国》一书，将传统社会与现代社会的主要区别概括为【熟人社会与陌生人社会】的区别。传统社会是一个扎根乡土的社会，是一个人与人彼此熟悉、讲人情伦理的社会。现代化使大批农民离开乡土进入城市，进入一个由陌生人构成的生活环境，人与人之间变得疏远，形成一种法律和契约关系P147112、中国式现代化的特色：【是人口规模巨大的现代化，是全体人民共同富裕的现代化，是物质文明和精神文明相协调的现代化，是人与自然和谐共生的现代化，是走和平发展道路的现代化】P148113、1927年，旅居巴黎的本雅明开启了他的【拱廊街研究计划】。本雅明认为：“爱伦・坡的著名小说【《人群中的人》】有些像是给一部侦探小说拍的

X光片”。人们难以在川流不息的现代都市留下个人痕迹，由此形成的心理焦虑使【侦探小说】得以流行。爱伦·坡的这篇短篇小说恰好揭示了侦探小说隐含的社会动机P151114、19世纪下半叶，巴黎大规模的城市改造为印象派提供了丰富的都市生活题材。【克拉克】在《现代生活的画像：马奈及其追随者艺术中的巴黎》一书中，对巴黎改造与印象派之间的联系进行了别出心裁的研究。印象派画作中的都市现代性，不仅体现在绘画题材上，更体现在与都市现代性内在相关的描绘方式上。如，在绘画作品《卡普辛大道》中，莫奈采取一种俯瞰的视角描绘林荫大道——奥斯曼改造巴黎的重要成果，有意使车马人群面目模糊，变成一个个移动的小黑点P151-152115、在欧洲，抽象艺术是在印象派之后的【现代主义艺术运动】中发展起来的。【抽象艺术】指作品中不再出现题材的表意艺术P153116、追随音乐的绘画所模拟的主要是音乐的【抒情性和结构性】，具体的手段是将纯色、基本色当作音阶来使用P154117、采用结构性叙事，镜头与镜头之间除了音乐性的组接，还有隐喻性、排比性的组接，这类镜头剪辑方式被称为【垂直蒙太奇】，以区别于以线性叙事为主的【水平蒙太奇】P154118、【“机器美学”】是第一次世界大战前后流行于欧洲各现代主义艺术运动中的一种审美倾向，“机器美学”歌颂机器，赞美机器，追随机器精神从事艺术创作。在设计史上，德国包豪斯和苏联呼捷玛斯设计学院提倡的机器美学与手工艺运动提倡的手工艺美学构成了一对反题，【前者拥抱工业现代性，后者反对工业现代性；前者倡导艺术为工业化大生产服务，后者怀念一个逝去的手工业时代，并幻想重建一个乡土乌托邦】P155119、【起先是汽车、继而是飞机】，激起了意大利未来派的艺术灵感，由此在欧洲产生了最早的机器美学。1909年马里内蒂在《费加罗报》上发表了《未来主义的基础及其宣言》,热情歌颂“像爆炸般呼吸着的蛇一般的赛车”的速度之美。他歌颂的【速度之美】成为绘画和雕塑的主题，艺术家们用各种手法来表现运动，如贾科莫・巴拉的《牵着绳索的狗的动态性》和卡洛・卡拉的《红骑士》P155-156120、在《走向新建筑》一书中，柯布西耶引入【住房机器】这一充满机器美学精神的建筑理念P156121、今天的人已很难看出马赛公寓和柏林公寓的新意所在，甚至会觉得它们过时、丑陋，毫无可取之处。后现代主义建筑理论家认为这类满足大众需求的功能主义建筑缺乏个性和温度，还将【密斯·凡·德·罗】提出的“少即是多”的现代主义设计原则讥讽为“少即是乏味”P156122、1913年杜尚在兼职图书管理员之余，将一个【自行车轮】倒过来焊接到吧台椅上，无意中制作了生平第一件现成品。杜尚日用品创作作品中，【《喷水池》】最为出名，该作品被誉为20世纪西方艺术史上最具颠覆性和代表性的作品P158123、超现实主义是从【达达主义】发展而来、以巴黎为中心的一场前卫艺术运动。达达主义诞生于第一次世界大战期间的【苏黎世】。布勒东1924年发起超现实主义。布勒东为达达主义的偶发创作找到了一个新的理论基础-【弗洛伊德的精神分析学】P158124、【马克斯・恩斯特和萨尔瓦多・达利】是最具代表性的超现实主义画家。达利的【《记忆的永恒》】是一幅人尽皆知的超现实主义绘画作品P159-160125、【后工业社会】也称为丰裕社会、消费社会。德波将消费社会称为【景观社会】，认为景观社会是商品社会的高级发展阶段。与以实物占有为主的商品社会不同，景观社会更在意对各类“外观”的消费，如橱窗、广告、品牌形象、美容、时装、城市景观等。费瑟斯通在《日常生活的审美化》一文中，将消费社会的主要特征概括为“【日常生活的审美化】”。波兹曼认为【大众传媒】在操控消费者行为的过程中发挥了主导作用P161126、【詹克斯】宣称：“1972年7月15日下午3点32分，现代建筑死于密苏里州的圣路易斯城。”对于詹克斯来说，现代主义不会一下子就死去，而是会在反复挣扎中走向自我消亡P162127、后现代主义触及但没有找到最终解决方案的两个核心议题是：【如何超越现代性和现代主义叙事，重建现代与传统的联系；如何打破文化等级制，协调精英文化与大众文化的关系】P164128、从沃霍尔、昆斯、村上隆到唐纳利的艺术生产，最大特色并不是人们通常认为的艺术商业化，而是商业力量为艺术所用，通过大众传播渠道和流行形象重新建立起作品与现实世界、艺术家与观众的关联。沃霍尔、杰夫·昆斯高冷的波普艺术,被他们发展为【亲民的潮流艺术】,位居大众流行文化的时尚前沿P167129、当代艺术趋向：【观念性、社会性、跨界性、物质性】P167-173130、纽约概念艺术代表人物科苏斯和勒维特认为传统的艺术过于注重【感官和外观】，而新的艺术应关注【概念和观念】。科苏斯最有代表性的一件作品是【《一把椅子与三把椅子》】，这件作品由一把真实的椅子、椅子的照片和“chair”英文辞条复印件构成。对于他来说，展出中的三把椅子都只是一种表面现象，最本质的那把椅子只存在于观念中P168131、【伯瑞奥德】出版了《关系美学》一书，将与公众互动的艺术纳入到“关系艺术”范畴P170132、20世纪60年代，以瑞士的【让·丁格利】为代表的动态艺术家将废旧的机器零件组装起来，接上电源和电动机，让它们产生一种怀旧的、带有幽默感的运动P170133、真正确立美学学科地位的是【康德】P178134、审美教育与艺术教育的关系：【审美教育更偏形而上，是一种理想和目标；艺术教育更偏形而下，是一种手段和实施路径】。审美与艺术的关系可以理解为一种需求和供给的关系P179135、以美育为目标的艺术通识教育【并不是专业艺术教育的简化版、通俗版】，而是有自身的专业属性和任务使命P180136、审美教育可分为【学校美育和社会美育】两个部分P180137、学校审美教育旨在提升学生的【审美能力】。审美教育的目标：【培养学生感受和享受美好生活的能力(首要)、艺术表达和创新能力、文化传承能力】(三方面的审美能力)P180-182138、在中小学教育中，有必要将美育与当地历史文化结合起来。中小学美育完全可以和乡土教育结合，让学生就近参观当地的历史文化遗址、博物馆和美术馆，接触活态的非物质文化遗产，养成发现家乡之美的眼光。【立足家乡、立足大地的美育课】才是最鲜活、最富教益的美育课P182139、【景德镇】是目前国内最大的传统工艺聚集区；【云南鹤庆县】是目前国内最大的金工聚集区

P183140、在中国，“公共文化”这一概念源自【群众文化】P184141、国有文艺院团改革的核心是【加强绩效管理，抓创作，多演出，多出精品力作】P186142、我国国有文艺院团改革的新举措：①成立了国家艺术基金和各省市文化艺术基金，采取项目制申报和专家评审的形式，对国营和民营演出机构的节目创作进行资助。②将文艺演出的政府采购纳入公共文化服务体系，由群众点单、政府出资、申报者竞标、第三方评估。这一举措既将竞争机制引入政府文艺赞助体系，质优者胜，避免躺平和吃大锅饭，又【打通了文艺供给通往群众需求的“最后一公里”】,可以更好地做到文艺创作以人民为中心，文艺演出为人民服务。③随着非物质文化遗产保护体系在我国的建立，自然而然产生的一条新的发展路径P186-187143、农民画起源于1958年“大跃进”中的【“新壁画”群众美术运动】。【邳县】当时在墙画创作方面却走在全国前列，被《人民日报》《美术》等誉为“美术史上的一颗超级卫星”P187144、20世纪20年代，法国艺术家杜布菲为精神病人和儿童画所感动，将它们称为“原生艺术”。后来，人们也将这类艺术称为【“素人艺术”】，泛指艺术圈外、未经专门训练的人创作的艺术P188145、1988年，文化部用【“中国现代民间绘画画乡”】命名了第一批45个画乡。2007年至今，以外延更广的“中国民间文化艺术之乡”进行命名或重新命名，每三年评选一次P188146、《中华人民共和国公共文化服务保障法》(2016年)中，【公共文化服务】指由政府主导、社会力量参与，以满足公民基本文化需求为主要目的而提供的公共文化设施、文化产品、文化活动以及其他相关服务P188147、2005年，党的【十六届五中全会】首次提出建设公共文化服务体系的构想P189148、随着认识的提升和社会经济的发展变化，公共艺术越来越注重【“在地性”】，追求艺术对特定地域、特定人群、特定空间的整体性作用。【地方重塑】是公共艺术的永恒主题，也是公共艺术的出发点和归宿点P191149、国内较早、较为知名的艺术乡建项目有【渠岩的许村计划，欧宁和左靖的碧山计划】。2017年以来，渠岩又在广东顺德青田村开展乡建，形成了以儒家思想为导向的“青田范式”P193150、日本新潟县的越后妻有大地艺术节，创办于【2000年】。【2018年】，创业者孙倩邀请越后妻有大地艺术节发起人北川富朗先生，在北京启动中国大地艺术节计划。【2022年】，孙倩将大地艺术节引入广东佛山，举办了规模盛大的“艺术在樵山——广东南海大地艺术节”P194151、在整个苏州，在四季轮回中，在衣食住行中，山水世界与生活世界完美地叠合到一起，形成一种艺术化的生活形态。山水精神渗透到生活和艺术的微末层面，庭园中的太湖石、案头的灵璧石，兰花、蒲草和盆景，水八仙和节令美食，都是山水精神具体而微的体现，由此形成了一种以小观大、以大观小的人生和艺术境界。继承好、利用好中国【山水精神】、山水艺术的自然文化遗产，有助于建立有中国特色的现代生态文明P195152、建设美丽中国也是建设【山水中国】P196153、【2003年10月17日】，《保护非物质文化遗产公约》(《非遗公约》)在联合国教育、科学及文化组织(教科文组织)第32届大会上通过P196154、中国将非遗(非物质文化遗产)分为十大类，其中有七类明显是传统艺术，如【民间文学、传统音乐、传统舞蹈、传统戏剧、曲艺、传统美术、传统技艺】。其余的三类——【传统体育、游艺与杂技，传统医药、民俗】，也和艺术有或多或少的联系P196155、自2007年开始，我国提出了非遗【整体性保护】的理念。2007年，文化部批准设立了我国第一个国家级文化生态保护实验区【闽南文化生态保护实验区】P198156、非遗传承人群研修研习培训计划(非遗研培计划)是中国非遗保护事业的一个新的突破。在非遗研培计划中，出现了【“非遗传承人群”】这个新的提法，尚未进入四级代表性传承人名录的年轻传承人和普通从业者也开始享受政策红利。这一转向符合非遗世代相承、活态发展的本质要求，使中国非遗事业从立档、保存、记录，走向了传承、弘扬、振兴这一更高的发展阶段P199-200157、文化部于【2017年】联合工业和信息化部、财政部，制定了《中国传统工艺振兴计划》P200

二、简答+论述1、“自由艺术”和“美的艺术”的区别和联系P23答：自由艺术，即古希腊、古罗马和欧洲中世纪上层阶级从事的学习和研究活动，一般包括文法、逻辑、修辞、算数、几何、天文和音律等七种学问。夏尔·巴托在《归结为同一原理的美的艺术》一书中明确界定“美的艺术”，并将诗歌、音乐、舞蹈、绘画、雕塑等艺术归入其中。这些技艺，除诗歌外，音乐、舞蹈、绘画、雕塑等艺术原本都是工匠、优伶之能事，被纳入“美的艺术”后，就能与“自由人”从事的“自由艺术”平起平坐了。电影出现后，也有人将建筑、绘画、雕塑、诗歌、音乐、舞蹈和电影等七种艺术称为“美的艺术”。2、技艺与技术的区别P24答：手工技艺和身体技能，更多地依赖于耳濡目染的经验，是一种典型的实践之知；技术更多地依赖于抽象的科学原理，只有基础科学取得突破，技术才能有更大的发展。3、艺术如何为统治阶级服务(艺术与意识形态的关系)P25答：庙堂的艺术，也可称为礼仪的艺术。从马克思主义的视角来看，它们是统治阶级意识形态的物化呈现，同时也是劳动人民智慧的结晶。在阶级社会中，统治阶级维持其统治地位的方式，除了依靠武力和强权，也离不开具有说服力和感召力的观念意识形态。这种意识形态在早期社会中，主要体现为神话、巫术和宗教。在这些充满神秘色彩的活动中，诗歌、音乐、舞蹈等艺术形式率先发展起来。随着生产技术的提升，一些大体量的、令人敬畏的建筑也被建造出来，具有

“法力”的神像和礼器被供奉其中，接受人们的膜拜。这些感性的艺术形式，无疑增强了意识形态的感染力。4、当代有哪些行业和职业与艺术有关P31答：以2017年颁布的国家标准《国民经济行业分类》为例，大面上与艺术、设计相关的行业有制造业大类中的纺织业，纺织服装、服饰业，皮革、毛皮、羽毛及其制品和制鞋业，木材加工和木、竹、藤、棕、草制品业，家具制造业，造纸和纸制品业，文教、工美、体育和娱乐用品制造业；建筑业大类中的建筑装饰、装修和其他建筑业；住宿和餐饮业大类；文化、体育和娱乐业大类中的广播、电视、电影和录音制作业，文化艺术业，娱乐业等。5、艺术聚集现象的理解P31-34答：(1)艺术在现实生活中并不是泾渭分明的，而是在现实生活中随着不断变化的社会需求，形成不同的聚散离合状态。(2)艺术聚集的类型：①艺术可以在产品中、在单一的艺术门类中聚集，这是一种小尺度的艺术聚集现象。如戏曲作为一种独立的艺术门类，聚集了多样化的艺术。有乐器制作和音乐演奏，有舞台、服饰、道具、脸谱等工艺制作，有说和唱，有舞蹈和武术，还有能文能诗的剧本创作；②艺术也可以在空间、时间和产业中聚集，这是一种大尺度的艺术聚集现象。多门类艺术在时间中的聚集，主要发生在有固定时间周期的节日和市集中。春节是中国传统节日中持续时间最长、最有人气的节日。艺术在空间中聚集：北京故宫聚集了海量的艺术珍品，其建筑由香山帮等知名的工匠团体营建，体现了高超的艺术水平。苏州园林几乎聚集了所有的文人艺术品类。拉萨的布达拉宫聚集了不同时代的艺术精品，生动地呈现了一部传承有序的藏族艺术史。佛山祖庙汇聚了从粤剧、醒狮到瓦脊陶塑、金漆木雕等各类艺术，几乎涵盖了佛山所有的民间艺术类型。在景德镇、宜兴、德化等陶瓷产区，在苏州苏绣、玉雕、核雕和红木家具产区，在云南鹤庆传统金属工艺产区，艺术因产业而聚集。(3)艺术的聚集，首先体现为人的活态聚集，其次体现为内容和形式的跨门类、跨媒介关联。6、艺术的社会功能P34-38答：(1)礼仪和政治功能。(2)认知和教育功能。(3)娱人和自娱功能。(4)沟通和认同功能。7、如何理解艺术是把握、认识世界的一种方式P35-37答：观画者需读经通史，才能了解历史人物的故事，进而学习如何识别其视觉形象。反过来，图像也可以帮助观者、特别是不识字的信众，学习和了解经卷记载的故事、人物和思想。在“审美”的框架内，也有人认为，艺术可以帮助人们认识自然和社会。德国卡西尔创立了符号论美学，认为艺术在赋予人的感觉以形式的过程中，揭示了世界的真相。艺术形式不是心灵中的主观形式，而是社会历史中生成的可见可感的客观形式，该形式中凝聚着人们对世界的认知。8、艺术如何促进族群认同P40答：认同指一个人对自己身份归属的主观认定。特定的认同感，是由特定的社会文化环境塑造和强化的。文化认同，是一种最深层、最具感染力的认同。佳作如明月，“山南山北雪晴，千里万里月明”，这是跨空间共情；“今人不见古时月，今月曾经照古人”，这是跨时间融通古今。这些经典作品，或者以文字和书籍为载体，或者作为物质产品流通。它们将不同时代、不同地区的人联系到一起，在生活之流上，建立起普遍的文化认同。这种文化认同有大有小，小到一个方言区，大到一个民族、一个国家，乃至全人类。经典的艺术作品，以及那些在生活中活态传承的经典艺术形式，对于建立文化认同功莫大焉。9、如何通过物质文化遗产复原古人的日常生活P41答：考古工作者详细地记录遗址发掘状况，对文物进行检测、分类和保护，为艺术史研究提供了坚实的物证。艺术史家结合历史文献，对考古资料进行解读，力图还原一段鲜活的历史。文物修复通过材料检测和工艺试验，一方面将文物碎片重新组合到一起，另一方面研究古代的造物流程，将失传了的工艺技术恢复起来。10、如何理解非物质文化遗产是一种活态文化P42答：非物质文化遗产与物质文化遗产的区别，不在于非物质性，而在于活态性。如果说物质文化遗产是过去完成时，非物质文化遗产则是现在进行时，在适应环境的过程中被不断地再创造。如果说物质文化遗产是见物不见人，非物质文化遗产则是“见人见物见生活”的当代社会实践。11、一个好的美术馆应该具备的条件P44答：(1)首先得有成系统的艺术品收藏和固定陈列。(2)不断策划新的临时展览。(3)为公众提供优质的公共教育活动。(4)设有文创纪念品商店。12、品味与偏好的区别P55答：品位原则上是有标准的，偏好原则上是没有标准的。偏好无所谓对错，但品味却有高下对错。品味虽然也依赖个人好恶和主观感受，却不难形成公认的标准。13、如何理解感觉细分是跟着审美对象走P56-57答：感觉是跟着对象走的，惟其如此，主观的感觉才可能有客观的对错。面对不同的欣赏对象，必然产生不同的感觉细分方式。如油画欣赏中分化出来的精细感觉和水墨画欣赏中分化出来的精细感觉，必然是不同的。当前审美教育一个最大的误区是误以为可以脱离具体的欣赏对象，笼统地培养某种审美能力。然而，真正有效的审美教育，必定是围绕特定的对象进行的，要么学习品茶，要么学习品画，并不存在一种笼统的教育方法，更不存在一种放之四海而皆准的审美法则。14、时尚知识体系与审美知识体系的区别P61答：与金字塔形、静态的审美知识体系相比，时尚知识体系通常来说是动态的、开放的，像川流不息的河流一样，不断推陈出新。审美求精、求深，时尚求新、求广。在某种意义上，时尚的知识比审美的知识更难把握。15、如何将品味理论用于指导小众型艺术产业的实践P63答：有关品味的理论，对于小众型艺术产业具有实践指导意义。小众型艺术产业是有知识壁垒的，具有金字塔式逐级上升的结构。从上往下看，可形成一条“鄙视链”，由此激发人们的自豪感和上进心。从下往上看，可形成一条“教育链”，通过美育和艺术通识教育，帮助人们逐级上升。两个链条合到一起，便形成小众型艺术产业的消费基础。16、如何打造时尚品牌P64答：高档品牌的运营者必须掌握时尚流行规律和话语权，并不断在关键节点上露出，如国际知名的时尚杂志等。高档品牌除了有严格的品控、高额的设计投入，还有一整套营销和宣传策略。不少高档品牌会在最中心的城市和最高档的街区开设旗舰店，邀请明星建筑师精心设计。高档品牌要不断推出新的产品系列，除了邀请影视、体育明星为其代言，还会努力与处在金字塔尖上的当代艺术家联名合作。高档品牌也会通过公益活动提升其社会形象，如非遗保护和扶贫等。17、有品位的生活是否等于奢侈豪华的生活P65-66答：有品位的生活虽然建立在一定的财富或权力基础上，但有品位和有钱有势毕竟不同。品味是一种内在的感觉能力。品味的获得只能靠自己，而无法靠继承或巧取豪夺。在古代等级社会中，财富和权势有很强的群体继承性，而品味却要靠后天的个人努力。因此，有品位的人常常会嘲笑那些有钱有势却没有品位的人，后者也因此自惭形秽，努力附庸风雅。过一种有品位的生活，并不一定需要特别有钱。18、艺术个体生产的前提条件P73答：一件作品由一个人完成，还是由多人配合完成，取决于具体的情况和条件。水墨画、油画作品，之所以能由一个人从头到尾地完成，是因为其体量较小，而且有专业厂家提供画材、装裱等配套服务。19、17世纪荷兰艺术品市场出现了哪些新特征P79在17世纪荷兰的黄金时代，富裕的中产阶级热衷于购买绘画装点自己的房屋。正是从这时起，一种新型关系在艺术家和消费者之间建立起来，从社会学角度来看，这种关系是一种平等的熟人关系或陌生人关系。随着艺术市场的繁荣，不仅绘画作坊出现了更细致的专业分工，而且还出现了艺术代理、艺术拍卖等现象。20、当代艺术为什么要走出“白立方”P91-92答：(1)从宏观的视角来看，是对现代艺术体制的不满，尤其是对其中专业化、内卷化的分配制度不满。(2)当艺术创作的目标成为艺术体制中的量化指标时，不仅会使艺术家失去创作的热情，也会使艺术创作过度集中在艺术本身，使艺术与日常生活渐行渐远。21、造物活动与造物艺术的区别P97-98答：(1)造物艺术从造物活动中发展、分化而来。一般来说，造物活动满足的是人的刚需，造物艺术则要满足更为精细的需求。(2)造物活动与造物艺术都涉及对材料的选择和加工。只不过，造物艺术对材料的选择更讲究，对材料的加工更精细。22、如何看待美术与工艺美术之争P100-101答：(1)在以表意艺术为核心的一元本体论中，被称为工艺美术、实用美术、装饰艺术的艺术，无论取得了多么辉煌的成就，依然被认为比美术、审美艺术和纯艺术低半头。(2)事实上，20世纪60年代以来的西方当代艺术，早已在实践和理论上突破了美术和工艺美术的划分，甚至在很大程度上承认造物艺术具有与表意艺术平等的地位。只不过，迄今为止，还没有产生一种有影响力的艺术理论，建立起二元甚至多元的艺术本体论。(3)假设艺术本体论建立在造物和表意艺术的双重基础上，上述争论都会烟消云散。造物艺术和表意艺术是从人类最基本的造物、表意活动中发展出来的两种最基本的艺术形式，原本不分伯仲，彼此交融互渗，创造出无数艺术精品，丰富了人类的物质和精神世界。一种尊重历史的艺术本体论，原本就应该建立在造物和表意的双重基础上。23、故事与小说的区别P102答：(1)本雅明在《讲故事的人：尼古拉·列斯科夫作品考察》一文中，对口传故事与现代小说进行了对比。现代小说依托面向大众的现代出版业，由单个的作者在远离读者的环境中孤独地书写而成。小说凝聚了作者毕生的思考、阅读和生活经历，通过虚构的故事为读者提供一种想象的人生体验。故事是在日常生活中，以口耳相传的方式形成的，是在听故事和转述故事的过程中逐渐丰满起来的。故事原则上没有作者。(2)听故事和讲故事的环境，与写作和阅读小说的环境截然不同。听故事和讲故事的活动镶嵌在生产生活中，发生在社会交往中，不像小说的阅读和写作，需要从日常生活中抽离出来，进入个人的内心世界。故事与广泛的社会生活相关，而小说则更多与个人的人生经历相关，与作者读过的书相关。(3)小说是封闭的，故事是开放的。故事在不同的地区会演绎出不同的版本，只要听故事的传统不中断，故事就会被不断地演绎下去。而用文字写的小说从一开始就是定型的24、如何用戏剧讲故事P102-103答：同一个故事可以长篇大段地演唱，如节庆期间的史诗吟唱；也可以分章回讲述，如茶馆里的说书。还可以把故事最吸引人的部分改编为戏剧，在舞台上表演。戏剧也可拆分为唱段，进行一小段一小段的表演，如戏曲唱段等。25、对“戏剧性”“如画”“如歌”等审美谓词的理解P103答：它们是人们在接受艺术时形成的一种笼统印象，而不是在欣赏特定对象时产生的感觉细分；它们一般不用于描述原有的艺术门类，而是被转用到其他的艺术门类或生活现象上。虽然这些词只涉及笼统的印象，但身处不同艺术传统的人会赋予它们特殊的意义。例如，从未看过西方戏剧的中国人和从未看过中国戏曲的西方人，他们对“戏剧性”的用法一定是不同的。中国人和西方人都可能会说“人生如戏”或者“生活是一个舞台”这样类似的表述，是因为西方古典戏剧和中国古典戏剧毕竟存在一些共同点，例如，戏剧都表现人物的行动和命运，在此意义上，可以说人生如戏；再如，演员在舞台上扮演不同的角色，在此意义上可以说生活是一个舞台，你方唱罢我登场。这类谓词反映了人类共通的审美体验和情感共鸣。26、如何理解艺术创作中的意在笔先和意在指先P109答：中国古代的艺术理论，用心手合一、意在笔先、意在指先、意在拳先等原则，指导艺术中的身体训练。意在笔先最初指在书法创作中先构思再落笔，后泛指书画创作中成竹在胸、得心应手的状态。王羲之首先提出了这一理论，在《题卫夫人〈笔阵图〉后》中将书法创作比喻为带兵打仗。意在指先指弹古琴时用心意来统领指法，达到弦与指合，指与音合，音与意合的境界。27、本色出演和角色扮演的区别P110答：表演活动可以大致分为两种类型：一种是本色出演、本色呈现；一种是角色扮演、营造幻象。以传统戏曲为例，台上唱戏的演员借助妆容、服饰变容为各种角色，通过唱念做打来营造幻觉。与台上的演员不同，台后伴奏的乐队是本色出演，不需要扮演角色，也不需要唤起听众的错觉。28、尼采如何用酒神精神、日神精神阐释古希腊悲剧的起源P110答：尼采在《悲剧从音乐精神中的诞生》指出，古希腊悲剧起源于酒神秘仪。尼采认为艺术是酒神精神和日神精神的结合。酒神精神是一种混沌的迷狂状态，日神精神则是一种产生幻象的能力。尼采将酒神精神与音乐相联系，将日神精神与造型艺术相联系，认为舞台上的角色扮演是一种造型艺术，是日神的艺术，后排的歌队则代表音乐精神，是酒神精神的一种遗留。29、戏曲演员要进行哪些身体训练P111答：戏曲演员要像武术家那样练站桩、练身段，举手投足都要有身架、有神气。在佛教造像中，不同的手势有不同的含义。戏曲演员汲取了这些造型营养，通过优美的手势来传情达意。除了手势，更重要的是眼神。优秀的戏曲演员都要练眼神。30、古人如何用手工做出标准化的产品P115答：(1)采用手工流水线的方式，每个人只负责工艺流程中的一个环节，使复杂的任务简单化，提高效率，降低次品率。景德镇之所以能形成“器成走天下”的格局，就是因为采用了这种手工流水线的生产方式。(2)增加度量衡的精度，发明各种特型工具，用工具而不是人手来控制产品的成形。(3)采用模件化生产，用模具来批量制造相同的产品和零件。31、传播媒介与艺术媒介的区别与联系P119答：艺术与传播二者领域不同，但有交叠关系。传播媒介所传播的内容不一定是艺术，如消息、新闻、政策、广告等，都不属于艺术范畴。传播媒介当然也可以传播艺术，如书籍中印制的绘画作品、互联网上传播的各类艺术影像等。艺术本身具有沟通和传播功能，也能成为政治、文化的传播手段，是为“艺术传播”。艺术使用的创作媒介，有些也同时是一种传播媒介，如书籍、版画、海报等印刷媒介。还有一些艺术家，针对大众传播媒介进行创作，如韩国裔新媒体艺术家白南准，将电视机和录像做成艺术装置，放入美术馆中进行展览，对大众传媒进行反思和批判。32、从媒介角度对水墨画和油画、漆画和油画进行比较P125答：油画家和国画家画的竹子，两者间的差异并不仅仅体现在一个是用油彩画的，一个是用水墨画的，而是体现在从油彩和水墨传统中发展出的不同的第二媒介系统。也就是说，二者不仅制作材料不同，在艺术语言上也不同。第二媒介是从第一媒介基础上发展出来的，从第一媒介那里获得了很多独有的特性，如油画颜料的堆积感和厚重的笔触，水墨晕染和书法用笔等。此外，在实际的看画经验中，第一媒介的物性也会得到关注和欣赏。例如，很晚才从漆器髹饰制作技艺中独立出来的漆画，其第一媒介的特性十分显著，多样化的材料和髹饰技法是漆画欣赏中十分重要的一部分。这就使漆画区别于油画而具有独立的艺术价值。33、长卷式叙事与连环画式叙事的区别P126答：故事绘本、动漫绘本是最典型的连环画，此外，如乔托在帕多瓦礼拜堂绘制的湿壁画，也是连环画式的。连环画式的叙事用明显的画格将故事分段呈现，而长卷式的视觉叙事在故事段落间没有明显的分隔线，常常通过无故事情节的风景描绘形成一种自然的过渡。34、唐