世界电影美学百年回眸

世界电影美学百年回眸在短短的一百多年里，电影艺术经历了从无到有，从幼稚到成熟的艰难历程，涌现出了众多的美学思潮，在这百多年的电影艺术史上交相辉映，此起彼伏，极大地丰富了现代人的审美实践。作业世界电影艺术大师的姓名和作品？电影与文学不同，它的诞生并由西向东在世界各国传播、生根和成长的过程，也就是世界电影迅速形成和发展的过程。

各国电影自诞生之日起。，便处于这样一种彼此关联的有机系统中。所谓世界电影，是指植根于民族土壤的各国电影，在相互交往和影响中建立起一种世界性的联系；它存在于世界各国电影之中，并在各国电影之间的整体关系中表现出来。

第一节电影艺术的形成期

(1895—1930)

电影的发明是一个极为复杂的过程，是许多国家的众多发明者心血与智慧的结晶，卢米埃尔兄弟则是这场电影发明接力赛中最先冲刺到达终点的胜利者。

从路易·卢米埃尔第一次投射在银幕上的影片公映之日起，到20年代末声音真正成为电影的一个艺术元素，世界电影从杂耍到艺术，从无声到有声，历经三十几年的摸索与开拓，终于一点点成熟、完整起来。在世界电影逐渐形成的历程中，路易·卢米埃尔、乔治·梅里爱、大卫·格里菲斯和爱森斯坦等各国电影艺术大师都做出了历史性的贡献。需要特别说明的是，声音这一艺术元素的获得，对于电影艺术的形成具有十分重大的意义。

电影只有获得画面和声音这两个最基本的艺术元素，才标志着它作为新兴的视听艺术的形成。

同时，从横向发展来看，世界电影形成期的总趋势是由西而东地传播与发展。而西方本身，则呈现出美国电影与西欧电影的某种竞争与对抗。

从20年代开始，美国电影逐渐取代法国电影而统治了世界电影市场。

世界电影发展到20年代末30年代初，已经开始形成商业性极强的美国电影、颇具艺术探索精神的法国电影和注重宣传教育的苏联电影三足鼎立之势力。

一、两大传统的确立近百年的电影史，基本上是纪实主义（写实主义）与戏剧主义（技术主义）两大传统相互变化的历史。1．卢米埃尔兄弟的纪实短片

1895年12月23日，卢米埃尔兄弟在巴黎卡普辛路14号的一个大咖啡馆里首次售票公映了《工厂的大门》、《水浇园丁》、《火车进站》、《婴儿的早餐》等12部各一分钟的影片，获得巨大成功。这一天被公认为世界电影的诞生日，卢米埃尔兄弟也被称为“电影之父”。卢米埃尔兄弟创作的影片可分为三类：一是反映日常生活情景的实录影片。如《工厂的大门》。二是少量喜剧片。如《火车进站》、《水浇园丁》该片既是世界电影史上第一部喜剧影片，又是世界上第一部短故事片。

三是新闻片。

卢米

埃尔兄弟所拍摄的电影最突出的美学特征是纪实性。直接拍摄真实的生活场景给人以身临其境的感觉，成为写实主义电影的开路先锋，形成了电影的纪实性传统。

诚然，电影的发明是一个极为复杂的过程，是许多国家的众多发明者心血与智慧的结晶，卢米埃尔兄弟则是这场电影发明接力赛中最先冲刺到达终点的胜利者。2．乔治·梅里爱的戏剧影片他使电影从“活动照相”走向电影艺术，形成电影戏剧化传统的第一位大师。他使电影成为被策划的充满特技的戏剧表演，让观众首次看到了电影制造奇幻世界的魔力。

首先，他创造了特技摄影和镜头的组合。如《贵妇人的失踪》、《灰姑娘》。其次，他创造了戏剧式电影。梅里爱有系统地将绝大部分戏剧上的方法，如剧本、演员、服装、化妆、布景、机关装置，以及景与幕的划分等等，应用到电影上来。在运用这套戏剧式电影拍摄方法实践过程中，他自然地将戏剧美学因素注入电影艺术的创作过程中。他拍摄的电影与卢米埃尔的“活动影戏”截然不同。他创作的是在假定环境下发生的虚构故事，依赖的则是以“假定性”为基础的戏剧美学。而卢氏追求的是生活中的实景，紧抓不放的是纪实美学。梅里爱最有影响达到的电影艺术的最高峰的是《月球旅行记》(1902)。艺术上，它是世界电影史上第一部真正的长故事片，使梅里爱拥有了“叙事影片之父”的美誉；。梅里爱开创了电影特技、戏剧电影及电影叙事的传统。二、原始综合的成功1、鲍特的剪辑美国爱迪生片厂的导演鲍特(1870—1941)充分发挥了剪辑在电影制作中的功能，极大的丰富了电影表现手段。1902年，鲍特用爱迪生公司片库中几部消防队员救火的短片，加以剪辑，然后接上一些新拍的镜头，剪辑出影片《一个消防队员的生活》。鲍特具有里程碑式的影片《火车大劫案》，打破了梅里爱的戏剧式规则，彻底解放了摄影机，在奔驰的汽车和运行的火车上进行跟拍；该片中的另一创举是把同景的场面放在一起拍摄，然后根据剧情需要进行剪辑，这种既省钱又省时的办法得到了后来者的继承。《火》进一步完善了剪辑技巧：运用交叉切换并列表现两条情节线索的同时展开及其密切的因果关系。一面是匪徒仓皇狂奔，一面是民团奋勇追击。《火》开创了运用交叉蒙太奇叙事和美国西部片的先河。它的成功使鲍特成为美国电影的真正创始人。鲍特发现了格利菲斯，鲍特发现的不仅仅是一位优秀的演员，而且是一位对电影艺术的发展具有开创性贡献的导演。美国导演大卫•格利菲斯（1875—1948）在长期的艺术实践中，兼蓄并收包括卢米

埃尔与梅里爱在内的各派导演的优长，融会贯通，自成一体，终于完成了电影的“原始综合”的历史任务2、格利菲斯格利菲斯是美国早期电影的一位杰出大师。代表作是《一个国家的诞生》和《党同伐异》。这是世界电影史上两部经典之作，被认定是美国电影史上的里程碑，电影被世界公认为艺术，也以这两部影片为标志。一个国家的诞生《一个国家的诞生》是世界上第一部以镜头为基本组成单位的长故事片。《一》的上映日期——1915年2月28日，当作好莱坞统治世界的开始，同时也是至少在以后几年间好莱坞艺术称霸世界的发端。《一》在表现技巧上，通过交错使用远景、近景和特写增加情节的生动性，“最后一分钟营救”运用平行蒙太奇叙述在同一时间三个不同地点发生的故事，取得了良好的视觉效果。格里菲斯的《一》和《党同伐异》是电影史上的里程碑。电影开始了全面的艺术实践和理论探索。同时这两部片子从正反两方面的经验对于好莱坞制片制度的形成产生了很大的影响。

三、蒙太奇的学派的崛起格利菲斯《一个国家的诞生》和《党同伐异》成功以后，电影开始了全部的艺术实践和理论探索。在美国各大公司逐渐垄断电影市场，西方先锋派电影席卷欧洲大陆之时，苏联则是另一番景象。蒙太奇的实践虽初始于美国，但理论探索则源于苏联。以爱森斯坦和普多夫金为代表苏联电影理论家，20年代初便开始致力于蒙太奇的理论研究。爱森斯坦不朽的杰作《战舰波将金号》为代表的苏联蒙太奇电影学派，以全新的内容、精湛的艺术形式和独特的理论建树震动了世界影坛，为世界电影美学的发展做了重大的贡献。爱森斯坦曾经迷恋过“杂耍蒙太奇”，把一些无联系的镜头硬拉在一起产生冲击力，他失败了。他又迷上了“理性蒙太奇”，把影片弄得晦涩难懂，离奇可笑。他在《战舰波将金号》中，成功地运用了“隐喻蒙太奇”，为电影在艺术上的飞跃立下了汗马功劳。他和普多夫金都坚决反对自然主义，阐述艺术家应以自己观点分解素材，加以取舍然后综合成新的整体。普多夫金是苏联著名电影艺术家和电影理论家。他在拍电影的同时，写了不少电影理论文章，为蒙太奇理论的建立做出了不朽的贡献。普多夫金和爱森斯坦同是“隐喻派”电影的代表人物，却表现了不同的风格。有人曾称爱森斯坦的影片是一种呐喊，而普多夫金的影片则犹如一曲非常吸引人的歌曲。普多夫金把蒙太奇归纳为三个发展阶段，即技术蒙太奇，艺术蒙太奇，思维蒙太奇，并对这三个阶段作了实践和理论的总结，探讨了蒙太奇的辨证实质。普多夫金的视野比爱森斯坦更开阔，他把蒙太奇作为既是一种表现手段（对比和比喻），又是电影的叙述方法来看待。技术蒙太奇就是在库里肖夫实验室掌握的，按照物理时间把时空不同的各段胶片连接成情节连贯的影片。艺术蒙太奇就是加强影片的情绪感染力，突出表现艺术家的态度与评价。渲染环境气氛。戏剧性、散文性、诗性是艺术蒙太奇的三性。思维蒙太奇就是指导演用蒙太奇手法发现新的蒙太奇，是否以最鲜明，感染力很强的形式给观众表达出思考的成果。四、喜剧电影的兴盛在美国制片商出于商业的考虑，不仅垄断了制片及影片放映，而且建立健全了制片厂和明星制度，并进而将生产纳入固定的类型模式，使艺术产品规范化。其中最先兴盛、最为观众欢迎的是喜剧片。1912-1930年这一段时期称之为美国电影喜剧的最伟大的时代。这一时代的体现者，是美国电影喜剧之父麦克·塞纳特和他的一班演员，以及最卓越的电影喜剧大师卓别林和基顿、罗克和哈莱，格东等人。

好莱坞喜剧片完全是靠演员的夸张表演和摄影机的魔法造成超乎视觉习惯的奇妙景象，导演在这里不起多大作用，演员大都是自编自导，而声音的出现使这种优势失尽。1、塞纳特他总是扮演一个十足绅士的角色。他创造了一个美国式喜剧人物，他认为警察之类的社会秩序维护者是最滑稽的角色。他要让警塞纳特察出尽洋相。他创造了“启斯东警察”这个典型的人物形象。在塞纳特的喜剧影片里，特技总是起着主要作用。动作的自然规律被人为的喜剧需要彻底破除。每部影片中都不可缺少地有追逐场面，警察、歹徒、狗、火车纷纷加入，以惊人的速度引得观众大笑不止。大量的噱头也都是特技的产物：手枪不断射击，灵车飞奔，脚踢屁股，奶油蛋糕到处飞，警察脑袋朝下掉进泥水坑，这些程式都构成了好莱坞喜剧片的类型特征。

塞纳特发掘出来的卓别林，是对好莱坞喜剧片做出卓贡献的人物。他的喜剧片创作从1914年开始到1936年结束，在形式上没有超过塞纳特的界限。但他影片的社会涵义和思想内容都要深刻的多。2、卓别林(1889—1977)是世界电影史上最杰出的喜剧大师。一生共拍摄了80余部喜剧片，代表作包括《寻子遇仙记》、《淘金记》等卓别林电影最大的特色：一是鲜明的现实感和尖锐的讽刺性。二是雅俗共赏的大众化特色。

卓别林作为一个自由拍片的艺术家，运用他创造的流浪汉的形象，表达了他对普通小人物的同情。他的影片受到世界人民的赞誉，称他为“电影界的莎士比亚”。他不但给观众以娱乐，也给观众以思考和理解。

基顿永远是以冰冷、无表情的面孔出现，被人称为“冷面笑匠”。他饰演的角色聪明狡黠，身体瘦弱却非常经得起摔打，虽经常处于逆境，却又从不干坏事，只是光明正大地战胜困难，赢得胜利。另外一位是戴着一顶平顶草帽、一副宽边眼镜，胆小又鲁莽，像蚂蚁一样孜孜不倦地工作，很笨但却勤奋，不断获得成功的大学生形象罗克。美国式的喜剧片，虽然以动作取胜的喜剧电影已经衰弱，但喜剧因素在电影中给人的幽默和笑料是永远存在的。好莱坞喜剧的许多特点，后来竞相被各国导演吸收到自己的作品中。五、其他流派的迭出布赖顿学派是以英国早期电影摄影师威廉逊和斯密士的家乡布赖顿命名的一个电影流派，它使英国电影在电影的初创时期就享有了世界性的声誉。威廉逊往往在几个不同位置摄取镜头，或在移动中进行拍摄，然后把不同的镜头按照一定的顺序组接成一部影片。这种拍摄方法无意中促进了蒙太奇的诞生。《中国教会被袭记》首次运用蒙太奇手法使追逐和救援的场面交替出现。这一典型的极富戏剧性的叙事方式给大型惊险片，特别是美国的“西部片”开辟了道路。斯密士在《祖母的放大镜》(1900)中，在同一个场面里使用了远景和特写镜头，从而创造了“最初的真正的蒙太奇”。该学派后期对现实生活产生了浓厚的兴趣，内容上体现出一种描写社会问题的倾向。

威廉逊和斯密士既吸纳了卢米埃尔外景拍摄的经验，又打破了梅里爱视点不变的舞台电影观念，同时学会了移动拍摄和镜头的组接，从而使电影具有了作为艺术的基本要素；他们最大贡献在于通过变换拍摄和蒙太奇来叙述电影。第二节电影艺术的成熟期

(1930—1966)20年代末，当电影艺术真正获得声音这一基本元素，从而使本体最后形成之后，便进入了走向成熟的新时期。从纵向发展来看，世界电影是在其本体形成之后所进行的全方位的学习与探索中走向成熟的。这一成熟过程的具体形态是流派纷呈，主要有美国的戏剧电影、苏联的蒙太奇电影(诗电影和包含戏剧因素的散文电影)、意大利新现实主义电影和法国新浪潮为中心的现代派电影(受现代派文学影响)交替出现，在学习与探索中可谓各有收获也各有局限。从横向发展来看，世界电影在走向成熟的历史进程中，早于形成期就已初露端倪的三足鼎立之势，逐渐发展成为彼此对立又相互影响，犬牙交错又互有重叠的三个电影文化区域。以美国为代表的经济本位的电影文化，是戏剧电影美学与商业化倾向结合的产物；以苏联为代表的政治本位的电影文化，是蒙太奇电影美学与政治化倾向结合的产物；以法国为代表的艺术本位的电影文化，是纪实电影美学与艺术化倾向结合的产物。一、好莱坞的建立及美国电影的鼎盛好莱坞电影是世界电影史上最引人注目的电影现象。没有哪个国家的电影能像好莱坞电影那样长期占据大片国际市场。好莱坞是一个地地道道的电影生产、批发、销售一条龙的国际商业电影中心，它的影片90%以上没有长久的艺术价值。研究好莱坞，一个绕不开的话题就是它的类型电影。类型电影是好莱坞电影的主流，是按照不同的类型或样式的规定创造出来的影片。故事片和非故事片的类型约75种。类型电影是好莱坞电影美学在全盛时代所特有的产物，是一种与商品生产结合在一起的特殊的影片创作方法。它在制片厂制度下形成和发展起来的，它的主要特点同制片厂制度的生产管理有着密切的联系。作为一种拍片方式，类型电影实质上是一种艺术产品标准化的规范。好莱坞关心的是他们生产的影片的商品价值，为此宁愿生产相似而不是不同的影片。所以很难发现每一部影片的本身风格。这些影片是以如此大的数量在传送带上摄制出来，所以常常要比个人构思的那些追求艺术风格的影片更能反映出当时观众的兴趣、迷恋和道德标准。

克拉克·盖博

秀兰·邓波儿赫本

英格丽·褒曼马龙·白兰度

1．影城好莱坞的建立好莱坞是美国电影业兴旺发达并在国际上取得显赫地位的发祥地。1908年，爱迪生联合美国和法国的7家大制片厂成立了由他控制的“电影专利公司”，垄断欧美电影生产。为了摆脱专利公司的控制，剧院老板、中小电影公司和独立制片人他们相继到洛杉矶郊外的小镇好莱坞拍片。

这里远离专利公司，易于逃避法律的约束和制裁；加州廉价的劳动力、好莱坞自然条件的得天独厚，大大降低了制片成本。1915年电影专利公司宣告解体，一些大电影公司也纷纷迁至好莱坞。伴随着《一个国家的诞生》的上映，好莱坞遂成为美国电影的新中心。经过优胜劣汰的激烈竞争，好莱坞电影最终被8家大公司所垄断。

2．制片厂制度格里菲斯拍摄《一个国家的诞生》和《》党同伐异》，正值影城好莱坞崛起之时，这两部影片正反两方面的经验对于好莱坞制片制度的形成产生了很大的影响。面对《一》的巨额收入，美国财阀们更加意识到电影业的有利可图，放手让格氏在制作《党》时身兼数职；《党》在商业上惨败，使他们发现艺术家创作并非总能带来丰厚利润，从此好莱坞建立了制片人专权、以明星招徕观众的制片制度。制片厂制度的中心人物是制片人，他一边控制影片的拍摄费用，一边对影片如何拍摄实施举足轻重的影响。他挑选剧本、导演、主演，甚至干预影片的最后剪辑。因此，好莱坞电影导演的风格往往消融在制片厂的风格之中。明星制度的确立是好莱坞征服世界影坛的基础。

3、类型电影⑴喜剧片喜剧片是二、三十年代最受美国观众欢迎的片种样式。进入有声期后，默片时代的喜剧大师，唯有卓别林经受住声音的挑战，30年代仍坚持用默片拍出了《城市之光》、《摩登时代》、《大独裁者》、《舞台生涯》等优秀影片。⑵西部片西部片是最能说明好莱坞类型电影特定的片种，也是最能反映美国人的民族性格和民族精神的片种。它以19世纪下半叶美国人开发西部荒原为题材，颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神。

那些进军西部的人凭一杆枪，一把斧头，一袋粮食，战胜了恶劣的大自然和土著印地安人，学会了自力更生，冒险和主宰自己的命运。西部片中的牛仔个个充满了自信。这正是美国人崇尚的性格。西部片的人物和情节在电影中都被神化了。西部片人物善恶分明。好的极好，成为美国人英勇精神的化身，他们坚韧不拔，不畏艰险，见义勇为，扶弱凌强；坏的极坏，集中了一批不法之徒的残暴与贪婪。

西部片的情节都很简单。一般都是善良的白人移民受到暴力的威胁，英雄的牛仔或执法者除暴安良，结局几乎总是群敌尽歼，恶有恶报，观众都能预测到下面的情节。女人要么就是生活放荡、但能见义勇为的酒吧女郎，要么就是把文明带给西部的端庄淑女。定型化的牛仔明星不可避免地要出现，连发手枪、宽边帽、紧身裤、皮上衣、子弹带、彩色头饰，都是永不更换的。

马、大篷车、原始火车也是必定出现的交通工具或战斗配备。背景也是千篇一律：荒凉的千里平原，尘土飞扬的沙漠，碑式的巨大的岩石和峰峦起伏的群峰。《火车大劫案》是最早的西部片。这部影片已经具备了西部片几乎所有的元素，如犯罪、追逐、惩罚、法律、马、枪、火车等。西部片可分为三个时期：第一个时期（1904-1926）西部片主要是根据一些西部故事的通俗情节拍摄的。第二时期（1926-1945）西部片已经到了完美的阶段。经典影片较多，在情节结构上更体现了电影艺术的特征。第三时期（1945-现在）西部片大多是反映广阔的社会生活，表达更为实际的感情，体现某一种观念或社会情绪。导演约翰·福特，从影50年拍摄了大量的西部片，最著名的有《铁骑》(1904)、《关山飞渡》(1956)、如《告密者》(1935)、《青山翠谷》(1941)、《默默无语的人》(1952)。导演霍克斯的《红河》(1948)、奇纳曼的《正午》(1952)，史蒂文斯的《原野奇侠》(1953)都被公认为西部片的经典名作，代表了好莱坞的最高水平。1991年获奥斯卡金像奖的《与狼共舞》是西部片的最新代表作。它反映出美国人对自己历史的重新审视，表现出人们对那段西部开拓史中的受害者印第安人的同情，这给西部片赋予了更新的内容。⑶犯罪片犯罪片的核心是强盗片。“强盗”一词在这儿是个广义词，它泛指一切不法之徒和犯罪分子，包括持枪抢劫，强奸杀人，走私贩毒，私造酒精，诈骗勒索以及有组织犯罪集团等。包括几个类型：警匪片、黑色片、侦探片等。犯罪片通常是以城市为背景，以一桩罪案的始末为内容，以一个罪犯为主要人物。犯罪片的情节并不复杂，罪犯从一开始就暴露在观众面前，人们感兴趣的不是谁是罪犯，而是罪犯的犯罪过程，罪犯的落网过程。作为视觉形象图谱的三大现代工具枪、汽车和电话是每部影片必不可少的。只不过增加了直升飞机、对讲机和带瞄准镜的枪。犯罪片的故事主要来源是社会新闻，犯罪片又终非生活中的真人真事的反映，无论是罪犯或警探，在犯罪片里都是经过重新塑造，变成了神话般的人物。罪犯一身是胆，神出鬼没，虽然罪行累累，却风流倜傥，但无论怎样飞黄腾达，无往不胜，结果总是悲惨的，不是伏尸枪下，便是锒铛入狱。罪犯形象的这种悲惨结局反映了美国自20年代开始的严格的电影检查制度，美国政府把电影作为法制宣传的一个有力手段，它绝不容许恶有善报。这类影片无一例外地把犯罪说成是个人问题，而回避了社会根源，并给观众灌输某种虚幻的解决办法，即逮捕或处决了某一罪犯便等于保证了社会安全。“海斯法典”。是禁拍、禁演一切不道德的影片。并加上明确无误的谈论公民责任的教义。60年代后期随检查制度的废止，这以后的好莱坞犯罪片变得空前的血腥、残暴、不道德。犯罪片就不能不谈阿尔弗莱德·希区柯克。他是一个多产的导演，从影60多年拍了很大一部分是犯罪片，如《第三十九级台阶》(1935)、《疑影》(1943)、《蝴蝶梦》(1940)、《精神病患者》(1962)、《后窗(1954)、《群鸟》(1964)等等。

⑷科幻片科幻片通常被分为两类，即幻想片和恐怖片。这两类影片常常被混为一谈，因为恐怖片里的怪人怪兽、异常现象、超自然的灾祸都带有科学色彩，而幻想片中也屡屡出现多种怪异的人和物，颇有恐怖感。这里的科幻不是严格意义上的科学幻想，更多的是披着科学外衣的魔法或巫术。好莱坞科幻片的基本主题：即对科学的恐惧，科学一旦替代了传统的价值标准和信仰，社会便会陷入混乱。因为这时人类将失去对恶的控制。在这种情况下，怪物就是恶的化身，而怪物的制造者就是那些因个人欲望得不到满足而蔑视人类的科学家。如果社会要想幸存下来，就必须消灭怪物，也就必须消除这些科学家头脑中企图拥有比上帝赋予更多更大的智慧和力量的念头。但由于科幻片的想象领域极其丰富，观众要求它出人意料，所以经常需要将这些形象改变为怪兽、天外来客、吸血鬼、僵尸、金刚等。这些臆造出来的形象随着科学的发展不断有所创新。⑸歌舞片歌舞片最盛行于30年代，是好莱坞充分利用刚刚发明的声音和色彩的结果。1933年华纳公司推出最早的歌舞片《百老汇旋律》歌舞片主要是舞台剧的银幕再现，它给观众提供了一种便宜的观赏歌舞的机会歌舞《出水芙蓉》是好莱坞豪华风格的典型写照：极华贵的场景、鲜艳的色彩、几十位热情奔放的泳装女郎以及宏大壮观的舞蹈场面构成了好莱坞歌舞片的顶级之作。好莱坞的类型影片还有很多。虽然绝大多数都是过眼烟云似的通俗娱乐片，但也拍出了一些有社会意义的影片，如《乱世佳人》、《卡萨布兰卡》、《西线无战事》等。好莱坞美学风格在大批量的好的或不好的影片的涌现下，对世界电影的发展有着重大的影响。40年代的好莱坞，已经发展到了一个关键阶段，这时有声电影的出现已经有十几年的历史，人们对声音的技巧的运用已经到了娴熟的地步。类型片已经发展到了顶峰，程式化的剧情结构，永远是金碧辉煌的豪华场面，一个赛过一个漂亮的超级女明星，已构成好莱坞电影的基本模式。这种辉煌，这种成熟，这种硕果累累的丰收，这种让人陶醉的完善，都预示着好莱坞已经具备了从顶峰下滑的条件。二、意大利新现实主义电影运动：“还我普通人”第二次世界大战是电影史的分水岭。是电影美学思想的一次重大变化。是从传统的电影美学观向现代的电影美学观的转变，是电影的表现美学向再现美学的过渡。意大利新现实主义电影运动延续了14年，即从1942年到1956年。1、“还我普通人”：新现实主义的核心这一运动不仅有一批形式新颖的电影作品，而且提出了旗帜鲜明的口号，使这一运动一开始就显得格外引人注目。“还我普通人”是新现实主义针对过去意大利银幕上虚假、浮夸风气提出来的第一个口号。他们集中力量描绘普通工人、农民、小市民和城市知识分子的生活与斗争的实际状况。

《罗马——不设防城市》被称为意大利新现实主义的“宣言书”。影片导演罗西里尼以回到卢米埃尔的风格，反对梅里爱的戏剧化风格为口号，奠定了新现实主义电影的质朴、纪实的特征。《偷自行车的人》、《罗马11时》以真实的生活画面、细致的场景描写和自然朴实的拍摄风格展示了意大利社会的真实面貌和人们的精神状态，为电影的再现美学提供了强有力的佐证。这两部影片是新现实主义风格的代表作，它反映现实的深度和广度都为战后电影确立了一种无形的目标和准则，对电影从好莱坞的表现美学回到再现生活的基本准则上来起了巨大的推动作用。

2、“把摄影机扛到街上去”新现实主义的创新这是意大利新现实主义在技术上提出的口号。为了缩短电影表演与现实生活之间的距离，尽可能地从生活本身去发掘冲突和情节，新现实主义作家一般都采用真人真事进行创作，尽可能地少作艺术加工。新现实主义艺术家对电影创作的几点基本要求：从生活出发，一切来自人民，来自生活；可以进行一定艺术加工，但要在原始素材的基础上进行，而且尽可能少加工；不是凭空虚构影片的戏剧性，而是从生活的原型中去发掘戏剧性冲突和情节；题材选择主要看它是否有社会意义和批判性，是否反映群众关心的问题。新现实主义的导演常常从生活中寻找非职业演员。演员还常运用土语和方言，以加强真实感和地方色彩。新现实主义尽可能地多拍外景，尽量少用人工照明，要求摄影处理要接近新闻片的质朴。在这一系列美学思想的指导下，新现实主义的导演走上街头，把镜头对准现实世界，对准普通人。

新现实主义这一运动是美学创新、技术革命和技巧拓展的共同结果，是特定时代一种共同愿望的必然产物。意大利新现实主义电影运动在50年代末分化为三派：一是以德西·卡和柴伐帝尼为代表的“纪事派”或称新左拉派，这一派，后来发展为生活流电影。二是以维斯康蒂为代表的“故事派”或称新巴尔扎克派，后来的意大利政治电影主要受这一派的影响；三是运动后期新崛起的青年导演安东尼奥尼和费里尼为代表的内心现实主义，他们是战后影响最大的非理性主义电影的先驱。三、巴赞的再现美学理论第二次世界大战后，意大利新现实主义电影运动的崛起，成为战后的电影主流。与此同时，以巴赞为代表的电影再现美学的理论也为再现美学的兴起奠定了坚实的理论基础。巴赞在电影史上已成为与爱森斯坦齐名的一种美学思潮的代表。巴赞巴赞毕生从事影评工作。他的四卷本著作《电影是什么?》是具有划时代意义的电影美学专著。在巴赞的主持下，《电影手册》成为电影史上最有影响的电影评论杂志。法国“新浪潮”的代表人物大多数都在这个刊物当过编辑或为它写过文章。巴赞在二战以后，总结好莱坞和意大利新现实主义电影的创作经验，提出了一整套崭新的美学思想，对“新浪潮”的代表人物雷乃、特吕弗以及非理性主义电影的代表伯格曼、费里尼等导演影响极深。他为“新浪潮”的出现作了理论上的准备，这些导演也自认是巴赞理论的继承者。巴赞电影理论核心是：他认为电影是通过摄制记录下来的艺术，是照相的延伸。其他艺术形式都是在人的干预后形成的，只有照相和电影不是这样。电影的巨大威力在于它所拍摄的形象是自然和绝对真实的。电影的特征就其纯粹状态而言，正在于摄影上严格遵守空间的统一性，而体现这种自始至终保持空间统一的方法就是运用长镜头。长镜头是指影视作品时间值在30秒以上的单镜头。常规影视作品一般都是由数百个镜头构成的，有的单个镜头的时间值可能是几秒钟、几分钟，甚至更长，这就是所谓长镜头。所以艺术都是以人的存在为基础的，只有照相是没有人的存在。这种自然真实本身就是电影表现手段，这就是巴赞的著名的照相本体论观点的基本内容。巴赞用“总体现实主义”一词来概括自己的全部美学观点。他所谓“总体”，是针对爱森斯坦、普多夫金的“分解”提出来的。爱森斯坦等人认为艺术家要揭示事物的本质，而事物的本质是散落在各种事物内部，这就要求把事物分解为各个片断，导演的作用就是选取其中有意义的部分，删去多余的部分，然后根据主题，使影片以它特有的方式，把现实的各种要素重新加以安排，造成一个新的，唯它独有的现实。这就是分解式的艺术概括。在照相本性体现的基础上，巴赞构筑起长镜头理论大厦，这一理论的两个中心论点，一是反对蒙太奇至上论，二是强调现实的多义性。巴赞强烈反对那种按主题去处理影片的蒙太奇，也反对纪录片中按逻辑联系去处理的蒙太奇。他认为这两种蒙太奇既破坏了生活的真实，也违反了电影的本性。四、法国新浪潮——“天空是绿的，草地是蓝的”

1、新浪潮电影的美学特征新浪潮影片的主要特点是不涉及重大题材，不揭露也不歌颂社会，不表现重要社会内容，而是一味地表现自我。他们拍他们的生活、人物、阶层和他们最熟悉的环境，甚至于拍他们自己，拍他们自己的传记片。在新浪潮影片中所表现的主要人物大多数都是一些中产阶级青年。他们整天无所事事，开着高级赛车满街乱转，饿了就吃，渴了就喝，毫不顾忌地夸夸其谈。赤裸裸地毫不掩饰的性生活也是新浪潮影片的主要内容之一。在手法上，新浪潮有意侵犯神圣的传统电影语言，他们蔑视技巧规范，他们随心所欲地进行场景调度，不按任何逻辑进行画面剪辑。他们遵循的是一种低成本的拍片方针。经常采用报导式或新闻片的拍摄手法：拍快片、取外景、少用灯光；不请大明星，但他们更重视导演的作用和个人的风格；他们为了缩短摄制时间，尽量缩小摄制组规模，尽量离开摄影棚到街上去拍片。

2、《电影手册》派和“作家电影”论这一电影运动的骨干不是专业的电影创作人员，而是以安德烈•巴赞创办的《电影手册》杂志为中心的一批影评家作为这一电影运动的先锋人物。

夏布罗尔、特吕弗、戈达尔、里维特和罗伯尔被并称为《电影手册》派的五位核心人物。他们常聚集在一起进行讨论，逐渐形成了他们的理论和评论导演与影片的标准。这就是著名的“作家电影”理论。

这一理论的核心就是要求每部影片像一部小说、一幅画和一首乐曲那样，只是一个人的作品。“作家电影”论，实际上是导演中心论，它否认电影是集体创作，注重导演个人的整体风格和一贯作风。法国新浪潮只有5年的时间，1958年是诞生，1959年是幸福年，1960年是顶峰年，1961年是没落年，1962年是危机年.真正代表新浪潮水平的是1959年到1961年这三年中拍摄的作品，这三年共有67名青年导演登场，拍出了100部影片。

1960年以后，新浪潮运动中，除了戈达尔这位至死不回头的导演外，其他青年导演都纷纷转入了商业影片的拍摄。新浪潮运动宣告结束。代表作《四百下》、《广岛之恋》、《去年在马里安巴》等，他们推崇的是一种主观现实主义，即“自我”眼中的真实。把电影镜头伸入人们的内心世界。他们在“心理银幕化”美学方面的探索，使电影登上了真正的现代电影艺术之路。特吕弗的《四百下》

第三节电影艺术的发展期

(1966—)世界电影艺术经过走向成熟的学习与探索，到60年代中期，开始进入多元交汇、综合发展的历史时期。1966年新德国电影的崛起，则标志着世界电影的成熟及其综合发展的开始。一、新德国电影运动：传统与现代的合流这一运动前后延续了20多年，是持续时间最长的一次电影运动。1、战后三大电影运动的特点在第二次世界大战以后的西方电影史中，声势最大，影咆最深远的有三大流派，即意大利新现实主义、法国新浪潮和新德国电影运动。这三大电影流派从总体上看代表了战后再现美学的反叛。他们从形式到内容都一改传统电影那种虚构生活、臆造理想、追求豪华、沉缅于蒙太奇魔