数字插画基础教程（第2版）课件 第3章 数字插画的美术基础

数字插画基础教程第3章

数字插画的美术基础03第3章

数字插画的美术基础数字插画的美术基础

本章导读

在数字插画的学习中，专业教学要求学习者具备基本的美术理论素养和实践基础。美术基础虽然不是通识教育领域的必然要求，但毫无疑问的是，好的美术基础在数字插画的入门学习阶段能帮助初学者从传统绘画创作顺利过渡到数字绘画创作，并提升学习效率。在进行创作时，深厚的美术基础也是高品质数字插画作品的有力保障。

本章对数字插画必备的美术基础进行简单讲解，希望可以辅助学习者快速入门。数字插画的美术基础

学习目标

掌握透视、线条、素描、色彩、光影五大美术基础的核心原理。

能够运用三大面五大调、透视法则、色彩搭配等知识进行造型与表现。

认识美术基础对作品品质的保障作用，培养严谨的观察与表现习惯。

透视即“透而视之”。透视学即在平面上再现空间感、立体感的方法。透视画法以一定的观察方式，在二维平面上利用线和面趋向会合的视错觉原理表现三维物体，是对物体空间特征的一种推理性的表述，也是一种在二维平面上实现三维效果的手段。将透视运用于绘画，需要了解透视原理，理解其中的基本术语和概念，这样就能更好地理解物体在我们眼前呈现的规律，从而能更轻松自如地描绘周围的世界。

透视画法的基本原则是近大远小，这同时也是视觉深度的一般性规律。如图3-1-1，当我们站在街角看向高楼，即便我们知道有些高楼实际上大小相似，但远处同样大小的楼房依然在视觉上显得更小。物体会随着与观察者距离的拉远而在视觉上缩小，于是等大的物体，离观者越远，看起来越小。当把这种视觉上的“真实感”应用于绘画时，就成为一种创造空间感的基本手段，这更有助于拓宽绘画艺术的表现空间。3.1透视基础

近大远小是透视画法的基本原则，仅仅知道这一点还不够。错综复杂的外部世界要求我们归纳和总结透视的基本规律，掌握透视的基本理论和技巧。3.1透视基础图3-1-1近大远小

我们都知道平行线是不会相交的。但是，想要在二维平面上实现三维效果，就必须把原本平行的线画成不平行的状态。在二维平面上，任意几根在现实世界平行的线朝一个方向延伸，似乎会在远处交汇于一点，该点称为消失点（灭点），这些延伸出来的交汇线被称为透视线。例如图3-1-2中道路两边平行栽种的树木，倘若站在道路中间观察，视觉上会产生树木最终汇集于远方视平线上的某一点的感觉。一旦在画面中确定了这些透视线与消失点，就能以这些线条为辅助，明确物体的位置和大小。许多带有建筑物的传统绘画作品，也是利用消失点来营造景深效果，使得其中的建筑物给人以宏大之感（3-1-3）。图3-1-2消失点3.1.1基本概念（1）消失点3.1透视基础

此外，当有多组平行线朝向不同方位时，不论方位如何，每一组平行线都朝自身的消失点聚集，例如图3-1-4中的立方体，两组平行线在远处分别交汇于两个消失点。

图3-1-3《雅典学院》（拉斐尔）3.1.1基本概念（1）消失点3.1透视基础图3-1-5是一张没有消失点的图。透视中原本应该往后方逐渐聚拢、相交的线，在这里却是平行的。这样的画面忽略了前后关系，失去了纵深感。毫无疑问，符合透视的立方体更合乎人类在现实世界的观察习惯。图3-1-4透视效果图3-1-5非透视效果3.1.1基本概念（1）消失点3.1透视基础

另一个重要的透视辅助是视平线。如图3-1-6所示，每个人的视平线会受眼睛高度和朝向的影响，因此一个人在空间中的位置（尤其是眼睛的位置）会在很大程度上影响其对眼前物体的视觉感知。在任何情况下，画面中所有平行线组各自交汇的消失点，都处在一条水平的消失线上。这条重要的线总是与观者的眼睛处于同一水平面，也就是说，观者的“视平线”——与眼睛同高且平行于地面的一条线，决定了画面中全部水平线的消失点所处的位置。图3-1-6视平线3.1.1基本概念（2）视平线3.1透视基础3.1.2透视的种类（1）一点透视3.1透视基础

一点透视（也称平行透视）是画面中只有一个消失点的透视，是基本的透视形式。在一点透视中，眼睛对物体进行平行运动观察。我们可以看到地平线上只有一个消失点，且至少有一个可见平面与画面保持平行的状态。

如图3-1-7中每个立方体都有一对面与画面平行，形成一点透视的关系。立方体的纵向边缘竖直，横向边缘水平，斜向边缘均向一个消失点汇聚。由于只有一个消失点，画面中的线条显得格外集中，从而形成更强烈的纵深感。也正是如此，一点透视能够最直接有效地创造画面的纵深感。图3-1-7一点透视

两点透视（也称成角透视）是一点透视的合成，左右各有一个消失点，且画面中没有一个平面与画面平行。两点透视使物体的高度产生起伏变化。如图3-1-8，当立方体与画面倾斜成一定角度时，每一条边线都会发生近大远小的变化，图中的立方体除了纵向的棱以外，左右两边棱的延长线交会于两个消失点，使立方体看起来向视平线上的两点收拢。3.1.2透视的种类（2）两点透视3.1透视基础图3-1-8两点透视

三点透视（也称倾斜透视）是在两点透视的基础上，各方向的边线都不与视平线垂直时的情况，此时立方体各边延长线分别消失于一个点。三点透视常用于高大的物体（如高楼大厦）的俯视图和仰视图。垂直方向的消失点位于一条与视线垂直的线上。由于三点透视能在两点透视的基础上进一步加强画面的立体感和纵深感，因而能够更大程度地增强画面的空间表现力，比如强化大厦高耸的视觉效果（图3-1-9）。3.1.2透视的种类（3）三点透视3.1透视基础图3-1-9三点透视

了解透视的基本理论之后，可以尝试利用透视法画一些身边的物体。即使看起来比较复杂的物体，其实也是由基本的几何形体组合而成的。因此可以将复杂的形体拆解为几个简单的形体，以便分析它们的透视关系。

以照相机为例，通过分析可以发现，它其实是由长方体和若干圆柱体组合而成的。这时可以先画出其主体—长方体。

3.1.3透视法实践3.1透视基础

首先，确定好视平线的位置。假设相机处于视平线下方，可以先在画布上画出一条垂直于视平线的线作为长方体最前面的那条棱。接着，在视平线上离这条垂线较近和较远的位置分别取一点（不一定在画面中）作为消失点，并过垂线的两端向消失点画延伸线，形成透视线（图3-1-10）。

然后，在垂线两侧各画一条与其平行的线，与此同时就在透视线上确定好了长方体横向的几条棱的位置，这样就形成了立方体的两个面（图3-1-11）。

继续连接长方体的顶点与消失点，在新的透视线上确定长方体其他几条棱的位置，画好顶面的形状，这样立方体就完成了（图3-1-12）。图3-1-10确定透视线

图3-1-11明确两个面

图3-1-12明确其他面3.1.3透视法实践3.1透视基础

圆柱体是在立方体的基础上演变而成的。画圆形时需要注意找到圆形和外接正方形的切点的位置。然后，用同样的方式画出照相机的其他部分，注意部件不同的厚度（图3-1-13）。最后，用橡皮擦擦去辅助线和看不到的线条，保留正常视野下能看到的部分，注意部件之间的遮挡关系（图3-1-14）。图3-1-13画出照相机的其他部分

图3-1-14擦去辅助线后的照相机3.1.3透视法实践3.1透视基础

线条是绘画的起点，也是塑造形体的关键要素。线条的粗细、轻重、明暗、节奏等都会影响画面整体的表现力。对于初学者来说，学习掌握各种线条的画法，提高对线条的控制力是绘画学习中的必由之路。只有通过大量练习，才能加强对线条的把控，提高线条质量，让线条在画布上变得更加灵活。而且线条训练有利于画者在较长时间段内保持良好且稳定的绘画手感，更好更快地达到自己想要的效果。对于数字插画的初学者而言，无论是以传统手绘的形式在纸面上练习，还是使用数字插画设备进行训练，都是极其必要的（图3-2-1）。图3-2-1线条训练3.2线条训练

要想画好线条，就要正确认识线条，明确什么样的线条是好的线条。有人觉得像尺子一般笔直的线是最好的线条，这其实是走入了误区。好的线条应该具备以下几个特征：首先是线条美观、流畅，让人看着舒服，不觉得呆板和生硬，这也是最基本的一点；其次是线条组合巧妙，粗细适宜，疏密有致，具有节奏感和韵律美；最后是在前两点的基础上增加线条的灵活性，赋予其生命力，让线条塑造的对象跃然纸上，这也是最为困难的一点。3.2线条训练

作为初学者，先要通过训练达到对线条的基础要求：美观、流畅，没有断线或者来回涂抹的线，不涂改，无覆盖，无论粗细、长短、曲直，尽量使每一根线条都像是一笔绘成的。这必然需要经过大量的练习才能达到。

作为初学者，先要通过训练达到对线条的基础要求：美观、流畅，没有断线或者来回涂抹的线，不涂改，无覆盖，无论粗细、长短、曲直，尽量使每一根线条都像是一笔绘成的。这必然需要经过大量的练习才能达到。3.2.1基础训练3.2线条训练

直线是绘画中最常见、最基础的线条，同时也是最难把控的线条，因此需要格外重视直线的练习。直线根据方向可以分为水平线、垂直线、斜线。数字绘画的优势在绘制直线时得以体现：学习者如果觉得某一方向的直线画起来更顺手，那么在画其他方向的线条时就可以旋转画布角度（选择“旋转视图工具”，快捷键R），调整到一个舒适的斜度，以便更好地控制线条的力度和走向（图3-2-2）。3.2.1基础训练（1）画直线3.2线条训练图3-2-2旋转视图工具

初学者可以强化水平线、垂直线与斜线的训练来为线条的控制打下坚实基础。尽管软件工具已经让画线变得更加容易（例如在Photoshop中可以轻易地通过“直线工具”，或者用画笔绘制线条时按住Shift键来画出笔直的线条），但这些工具总有一定弊端，比如“直线工具”画出的线条太过生硬，而Shift键所能控制的直线方向十分有限，并且我们无法通过工具辅助完成每一条线，所以在更多情况下，为了追求更高的效率和更好的效果，手绘线条就显得尤为重要。总之，直线的绘制练习在学习数字插画的初期是必要的。3.2.1基础训练（1）画直线3.2线条训练

刚开始进行直线训练时，先从水平线、垂直线与斜线开始练起。可以在绘图软件中先用“直线工具”画出笔直的线条，然后降低不透明度后，在新建的图层上进行描摹（图3-2-3）。注意下笔要有力、肯定，粗细均匀，一笔绘就，尽量保持线条的水平和垂直。如果已经有了一定的线条功底，则可以自行在空白画布上画线条进行练习，不必添加参考图层（图3-2-4）。图3-2-3直线训练

图3-2-4直线训练3.2.1基础训练（1）画直线3.2线条训练

弧线相较于直线而言更容易掌握，但难的是画得细致到位。除了纯弧线以外，还可以通过描摹一些弧度优美的工艺品或建筑来进行弧线训练（图3-2-5）。

3.2.1基础训练（2）画弧线3.2线条训练图3-2-5弧线训练

流畅、饱满、圆润的曲线也是线条训练中的难点，对笔的控制力提出了更高的要求。需要注意的是，随意、不规律的曲线练习效果是不明显的，对控笔的帮助不大。要重点练习有规律的曲线，比如圆形、椭圆形、“蚊香”形等规律图形，提升对曲线的把握能力。可以在网络上寻找图形素材或者用绘图软件自带的几何形工具绘制底图，降低不透明度后新建图层进行描摹练习。画曲线时，注意用笔方向的自然转换，保证线条质量，体会线条节奏（图3-2-6）。图3-2-6曲线训练3.2.1基础训练（3）画曲线3.2线条训练

为了让练习更加有效，可以利用一些优秀的艺术作品练习线条绘制，在进行直线、弧线、曲线相结合的综合性练习的同时，学习体悟艺术作品中线条绘制逻辑，增强感受力。

如通过临摹敦煌莫高窟第112窟南壁壁画局部（图3-2-7）来体会线条节奏和韵律。这幅“反弹琵琶”是敦煌壁画中最具艺术表现力的画面之一。画面中的线条长短不一、虚实不定、曲直相间、抑扬顿挫，将我国古典绘画美学中的线条魅力发挥到极致，是敦煌壁画中的杰作，非常值得学习。图3-2-7壁画临摹3.2.2强化训练3.2线条训练

首先，如图3-2-8所示打开Photoshop软件，新建一个空白A4画布[在开始界面中依次点选“新建”>“打印”>“A4”（“横向”）>“创建”]。

3.2.2强化训练3.2线条训练

图3-2-8新建画布

将提前下载好的素材图片导入画布（“文件”>“打开”，双击素材图片导入），并调整至合适的大小（菜单栏“编辑”>“自由变换”，直接拖拽调整）。接着在图层面板将不透明度调整至50%左右。然后，在图层面板新建一个空白图层，选择一个合适的画笔并调整出适当的大小和平滑数值后，即可在空白图层临摹线稿（图3-2-9）。

3.2.2强化训练3.2线条训练

图3-2-9临摹文件

初学者在临摹时，往往过于在意与原作的相似度，看一眼画一笔，刻意描摹得与原作一模一样，但是忽略了原作的线条逻辑。这样的描摹是很难训练出高质量的线条的。应该把注意力集中在线条的走向上，在原作的基础之上，注重线条的比例大小、轻重、粗细等方面，在临摹过程中，体悟画家如何通过线条将形神刻画得细致入微。否则，单单追求形似而随意画出的线条，虽然看上去与原作相似，实际上只得其形，未得其神。

需要注意的是，由于参考图的质量不一，在临摹过程中有时需要视情况对原作线条进行大胆取舍，关注画面各部分最重要的线条，注重画面整体韵味，只有这样才能训练出高质量的线条。3.2.2强化训练3.2线条训练

线稿完成后即可隐藏或删除素材底图。如果需要进一步对素材效果进行还原，还可以通过网络下载或自行拍摄获得宣纸纹理，将其导入Photoshop文件后放置于线稿图层上方，通过在图层面板“设置图层的混合模式”，调节“不透明度”，为线稿增加宣纸效果（图3-2-10）。

3.2.2强化训练3.2线条训练图3-2-10纹理合成

数字插画与传统绘画一样，临摹时对线条的要求也是“准、挺、匀、活”。本节所讲的画“线”，除了是对美术基础的提升之外，也希望通过线条的训练使大家熟悉软硬件的使用，加强造型训练时使用者对工具的掌控力。线条训练的过程或许是枯燥乏味的，但如果坚持练习，不断克服困难，就会给我们带来别样的惊喜！3.2.2强化训练3.2线条训练

物体在光源下会产生明暗变化，且会根据光源强弱、角度的不同产生光影变化，在不同的光源、环境、物体材质等条件下，会给人以不同的明暗感觉。因此在绘画的过程中需要掌握明暗调子的基本规律，这种规律可归纳为“三大面和五大调”。

3.3素描基础

三大面是指物体受光、背光和反光部分的明暗度变化面。以图3-3-1球体为例，受光时球体在视觉上被分为亮面、暗面和灰面。三大面在黑白关系上不是一成不变的，亮面中有最亮的部分和次亮的部分，而暗面中有颜色最深的部分，也有相对较浅的部分。这就需要我们在三大面的基础上继续细分明暗，准确地反映物体在光源下的形态特征。3.3素描基础图3-3-1三大面

亮面是物体的直接受光面，由于充分受到光源的照射，所以看起来是物体中最明亮的部分。通常亮面是依靠暗面和灰面的衬托来表现的，因而亮面的绘制一般是在绘制的后期。前期表现亮面时，只能留白，不上或少上调子。图3-3-2三大面对比3.3.1三大面（1）亮面3.3素描基础

图3-3-2所示球体的黑白灰对比较为明显，具有很强的明暗区分。图3-3-3中的球体亮部有些接近灰面颜色，明度不够高，所以导致整体色调过于平均，缺失强烈的对比度，从而弱化了物体的体积感。图3-3-3亮面缺乏对比3.3.1三大面（1）亮面3.3素描基础

灰面是物体侧受光的部分，介于亮面和暗面之间。灰面是物体塑造过程中的关键部分，灰面的层次决定了一个物体甚至整个画面的细致程度。因此，灰面的色调在绘制时需要着重刻画，要把握好灰面的层次，不能盲目平涂，通过灰面中的层次变化来塑造形体结构，表现精彩画面。

图3-3-2所示球体中的灰面色调层次明显，过渡均匀，靠近亮面的部分色调较浅，靠近暗面的部分色调较深。图3-3-4中球体的灰面缺乏层次，没有灰度的变化，只能根据边缘线确定形体，无法准确表达形体结构。图3-3-4灰面缺乏层次3.3.1三大面（2）灰面3.3素描基础

暗面是物体的背光面。明暗交界线是物体素描关系中颜色最深的部分，由明暗交界线到物体背光面色调逐渐减弱，由浓至淡，形成暗面。绘制暗面时需要注意反光，暗面也是层次分明的，并非都是一样的颜色，因此需要注意把握暗面中的细微变化。

图3-3-2所示球体中暗部的明暗交界线颜色最深，明暗交界线往后颜色逐渐减淡，直到反光显现，暗部层次明显，更好地表现出物体的立体感。图3-3-5中球体的暗面色调单一，显得死板、沉闷，没有表现出层次和变化，缺乏立体感，在绘画时需要避免这样的问题。图3-3-5暗面色调单一3.3.1三大面（3）暗面3.3素描基础

调子是物体表面由于明度不一而形成的黑白层次。各个面之间的深浅变化形成了“五大调”。画面的五大调是塑造物体立体感的重要法则，通过这一法则安排好各部分的明暗层次关系，即物体的黑、白、灰关系，能更好地表现物体的立体感和质感（图3-3-6）。图3-3-6五大调3.3.2五大调3.3素描基础

高光是受光物体最亮的点，也是物体直接接受光源照射的部分。这部分调子最淡，明度最高。亮部中最亮的地方叫“高光”。高光并非在每种情况下都很明显，一般反射力较强的材质，如金属、玻璃等才会出现明显的高光。3.3.2五大调（1）高光3.3素描基础

灰调子也称灰面，是在物体侧受光区域形成的中间色，位于明暗交界线前后区域。灰调子的明暗较为接近且具有比较丰富的层次。灰调子的层次很大程度上决定了明暗关系的细腻程度和物象刻画的精彩程度。表现灰色调子中层次之间的微妙关系，有利于把画面刻画得更为生动。3.3.2五大调（2）灰调子3.3素描基础

明暗交界线有时也称明暗交接线，是受光面向背光面转折的部分。这个部分不受光源照射，也不受反光影响，从而在视觉上使人感觉色调最深。初学者需要对明暗交界线有充足的认识，时刻注意对明暗交界线的着重表现。明暗交界线并不是一条简单的实线，其本身也具有色调或面积的变化。这在塑造物体的过程中也起着重要作用，是表达体积感的关键。3.3.2五大调（3）明暗交界线3.3素描基础

暗部受到周围物体的漫反射作用，产生反光。反光会比明暗交界线处稍亮一些，但仍然处于暗部区域，一般反光的明度不超过亮部。反光部让暗部不再死板、沉闷，增加了物体暗部的透气感。反光本身或多或少呈现的明暗变化可以帮助画面塑造更生动的视觉效果。3.3.2五大调（4）反光3.3素描基础

投影是物体本身遮挡光线后在空间中产生的暗影，通常是一块色调较深的色块。投影的角度受光源投射角度的影响，投影的明暗随光源强弱程度不同而变化。当光源渐渐远离物体时，其投影呈现逐渐虚化的趋势，与背景逐渐融合；反之，当光源较近时，投影部分相对而言更加清晰强烈。在一块投影中也需要注意明暗和虚实的变化，越接近物体的地方色调越深，边缘也越清晰。

明暗五大调在实际物体的表现中会更加复杂，以图3-3-6所示的圆球体为例，可以对五大调的特点进一步细化。高光的形状受制于三个因素—光源、材质和形状，因此在实际绘画时，要根据光源的强弱确定高光的强弱，根据物体的质感和受光部分的形状变化刻画高光的形状；灰调子是最能表现物体质感的部位，主要是因为灰调子在物体表面占据的面积最大，同样地，细腻而丰富的灰调子对物体细节的表达尤为重要，3.3.2五大调（5）投影3.3素描基础

因此才有素描中的“高级灰”一说（色彩中也有“高级灰”一词，与素描所指不同）；明暗交界线是有强弱变化的，并非一条固定深色的线条，而且明暗交界线的形状依附于物体的形状，可以说不同物体的明暗交界线以及明暗交界线的深浅各不相同，应注意总结和观察；反光的描绘可以表达素描的通透性，使暗部不至于灰成一片，增加物体的体积感；投影本身有强弱变化，一般来说接近物体的区域深，远离物体的区域逐渐减淡。另外，投影的形状既取决于物体的形状，也取决于投影投射到的物体的形状。以圆球体为例，圆球体的投影形状首先受制于圆球体，其次受投影所在平面的影响，如果平面上有衬布等物体，投影的形状会产生相应的起伏变化。3.3.2五大调（5）投影3.3素描基础

所有复杂的形体都能被概括为基本的几何形体，如立方体、柱体、球体、锥体等。将多种几何形体排列组合后就形成了我们生活中各种各样的物体。在观察物体时，可以有意识地将其分解为基本几何形体，这有助于分析形体结构，抓住基本特征，从而更准确地表现物体的外形和体积。形体归纳意识是宏观把控画面的基本意识，形体归纳的能力也是数字插画学习的必备能力。3.3.3造型要素（1）形体3.3素描基础

结构是物体内部的构造和组合关系。准确把握物体的内在结构是表现外在形体的基础。当我们很难表现物体形体的时候，很可能是对内部结构缺乏了解。因此需要从整体出发，对所描绘的对象进行观察，全面地认识物体本质，包括大小、特征、位置、遮挡关系、运动节奏等。在刻画时，物体的形体转折线和明暗交界线需要重点关注，这往往是关键性的局部。形体与结构相辅相成，因此形体与结构的准确性互相促进。3.3.3造型要素（2）结构3.3素描基础

物体的形体结构都是按一定的比例构成的，把握好比例也就把握住了形体。比例关系主要关系到两个方面：形与构图。比例关系的准确与否往往决定了物体形象的准与不准、画面构图的美与不美，分析好每一个局部的比例关系在确定造型环节尤为重要。3.3.3造型要素（3）比例3.3素描基础

物体在我们的眼中呈现近大远小的空间规律，这就是透视现象。在素描中，一般运用透视原理创造物体本身的深度和画面整体的空间感。因此，透视原理是素描造型的重要依据，是准确表现物体、再现客观现实的基础。3.3.3造型要素（4）透视3.3素描基础

物体有光源的照射便会产生明暗变化。三大面、五大调的明暗层次将物象和周围环境构成一个统一的整体。物体的外在形体需要通过明暗来表达，而明暗也体现了其内部结构的起伏转折。可见明暗的层次处理是描绘物体及其所处空间的基本方式。把握好画面明暗关系需要从整体出发，安排好各部分的黑、白、灰关系，使画面主次分明、空间层次清晰，这样可以在表现物体光影的同时统一画面。3.3.3造型要素（5）明暗3.3素描基础

构图是一个造型艺术术语，即绘画时根据题材和主题思想的要求，把要表现的形象恰当地组织起来，构成一个协调而完整的画面。创作者为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间内，安排和处理人、物的关系和位置，把个别的、局部的形象组成一个艺术整体。在我国传统绘画中称之为“章法”或“布局”。构图讲究均衡与对称、对比和视点的基本原则。

常见的构图形式有以下几种：水平式—安定有力；垂直式—严肃端庄；S形—优雅有变化；三角形—稳定（反之则不稳定）；长方形—人工化，有较强的和谐感；圆形—饱和有张力；中心式—主体明确；散点式—形散神不散。初学阶段最常用的是三角形（或梯形）构图。

素描作为重要的美术基础，帮助创作者凭借视觉规律来反映客观物象。表现的准确性和认识的全面性在素描中尤为重要。在素描训练中，要兼顾客观存在和主观感受再现自然的同时也要注意表达创作者自身的艺术个性，如此才能使画面形象生动，富有一定感染力。3.3.3造型要素（6）构图3.3素描基础

有光的存在，人们就能看见物体的色彩。色彩是绘画的重要语言，也是画面的情感媒介，分析和认识色彩是数字插画学习的必要环节。色彩的基本理论是随着人们对光与色的认识的不断提升而发展起来的，指引着人们研究和表现色彩的方向。3.4色彩基础

色彩形成有三个基本条件：光、物体、眼睛。光在物体表面反射后通过人的眼睛传递给大脑，从而让人产生“色彩”这一视觉感受。（图3-4-1）

3.4.1色彩的形成3.3素描基础图3-4-1可见光的光谱

任何色彩都有它特定的色相、明度和纯度，这三种属性也被称为色彩的三要素。3.4.2色彩的属性3.3素描基础

色彩中包含红色、黄色、蓝色等各种颜色，这种属性叫做“色相”。色彩根据光的不同波长呈现出不同的色相。色相就是色彩的面貌（图3-4-1）。3.4.2色彩的属性（1）色相3.3素描基础图3-4-1色相

色彩的明暗程度被称为“明度”。越亮的色彩明度越高，越暗的色彩明度越低。明度最高的色彩是白色，明度最低的色彩是黑色（图3-4-2）。图3-4-2明度3.4.2色彩的属性（2）明度3.3素描基础

色彩的饱和度（鲜艳程度）被称为“纯度”，指的都是色彩的纯净程度。越鲜艳的色彩纯度越高，越混浊的色彩纯度越低。当纯度达到最低值时，就呈现出灰色（图3-4-3）。图3-4-3纯度3.4.2色彩的属性（3）纯度3.3素描基础

色彩作为重要的视觉感受，能够影响人的感觉、记忆、联想、情感等。当色彩对人产生一定的心理作用时，更容易让观者与作品产生情感共鸣，作品因此就富有了感染力。每个人对色彩的感受或多或少会有不同，这会随着心情、环境、情境等的不同而产生波动。但人的情感也存在共性。所以对大多数人来说，同一色彩会调动相似的感受，这种规律是有迹可循的。3.4.3色彩的感受3.3素描基础

红色、橙色、黄色等色彩，让人联想到太阳、火等温暖的物象，通常给人带来温暖的感觉，也会给人以“热情、积极”的心理印象。而蓝色、蓝绿色、蓝紫色等色彩则容易让人联想到冰或水，给人带来寒冷的感觉，让人产生“冷静、理性”的心理印象（图3-4-4）。图3-4-4色彩的冷暖3.4.3色彩的感受（1）色彩的冷暖3.3素描基础

明度较高的色彩往往给人带来较轻的视觉感受，如浅蓝色、淡粉色等。明度较低的色彩使人感到更多的分量，所以看起来更重，如深蓝色、深灰色（图3-4-5）。图3-4-5色彩的轻重3.4.3色彩的感受（2）色彩的轻重3.3素描基础

色彩的活泼或沉着与明度和纯度有关。纯度高、明度高的色彩看起来更为活泼，会给人以华丽、动感、积极等感觉。纯度低、明度低的色彩看起来比较沉着，给人以沉稳、忧郁、朴素等感觉（图3-4-6）。3.4.3色彩的感受（3）色彩的活泼与沉着3.3素描基础图3-4-6色彩的活泼与沉着

色彩的温柔或强烈与色彩的纯度有关。纯度较高的色彩让人感受到一种强烈的视觉刺激，人们更容易产生“浓烈、动感、华丽”等印象。而纯度较低的色彩在视觉上较为温和，使人产生“轻松、朴素、柔和”等印象（图3-4-7）。图3-4-7色彩的温柔与强烈3.4.3色彩的感受（4）色彩的温柔与强烈3.3素描基础

将不同色相按光谱的顺序围绕成环形，被称为“色相环”（图3-4-8）。3.4.4色相环3.3素描基础图3-4-8色相环

三原色，即红、黄、蓝三种颜色。三原色理论上可以根据不同比例调成任何颜色，而其他颜色无法调和成三原色。三原色纯度高、颜色鲜艳，是色相中的极端对比，具有鲜明突出的效果（图3-4-9）。

3.4.4色相环（1）三原色3.3素描基础图3-4-9三原色

由两种原色调和而成的颜色叫间色（二次色），如红色和黄色调和而成的橙色、蓝色加黄色调和而成的绿色、红色和蓝色调和而成的紫色。根据比例的不同，可以调出不同色彩倾向的间色（图3-4-10）。

3.4.4色相环（2）间色3.3素描基础图3-4-10间色

由三原色调和而成的颜色叫复色（三次色）。自然界中最常见的颜色就是复色，如橄榄绿、赭石色、土红色、墨绿色等，而真正的原色在自然景物中很少出现（图3-4-11）。图3-4-11复色3.4.4色相环（3）复色3.3素描基础

在色相环中成180°对立的两种颜色为“互补色”（图3-4-12）。互补色的冷暖对比最为强烈，使用时也需要谨慎一些，相对而言比较难以控制。比如在红配绿的色彩搭配中，如果面积太平均且纯度过高，可能会缺乏美感，给人土气的感觉。相反，如果合理调配两种颜色的比例、纯度、明度，能够产生惊艳的、富有感染力的效果（图3-4-13）。3.4.4色相环（4）互补色3.3素描基础图3-4-12互补色图3-4-13《静物》（保罗·塞尚）3.4.4色相环（4）互补色3.3素描基础

在色相环上角度成大于90°、小于120°的两种颜色为“对比色”（图3-4-14）。互为对比色的两种颜色反差较大，能够起到较好的对比和衬托作用，制造冷暖反差。对比色在绘画中相对互补色而言更常见一些，主要是因为对比色的组合方式较多，更好控制且能产生不错的视觉效果（图3-4-15）。

3.4.4色相环（5）对比色3.3素描基础图3-4-14对比色《星月夜》（梵高）3.4.4色相环（5）对比色3.3素描基础

在色相环中位置相近的颜色称为“近似色”（图3-4-16）。近似色的色彩倾向比较接近，因此使用起来比较简单且安全，几乎不会出现很大的色彩问题。它们会给人以温和、协调、统一的感觉（图3-4-17），但存在对比度较低、缺乏视觉张力的缺点。3.4.4色相环（6）近似色3.3素描基础图3-4-16近似色图3-4-17《小园丁》（吉普林斯基）3.4.4色相环（6）近似色3.3素描基础

色彩的混合模式有两种：减色混合和加色混合。颜料、油墨等材料的色彩是通过减色混合来表现的。在减色混合中，混合的颜色越多，则色彩越暗，越接近黑色。电视、电脑显示屏等的色彩表现方式为加色混合。在加色混合中，混合的颜色越多，颜色越亮，越接近白色。

3.4.5色彩模式3.3素描基础

加色混合（图3-4-18）是RGB色彩模式的基础。在电子屏幕等介质中，我们常用RGB来表示颜色值。R、G、B分别对应光的三原色红、绿、蓝，这三种光通过不同比例混合以及互相叠加，形成了显示器上我们看到的各种颜色，几乎能涵盖人眼能感知的所有颜色。

3.4.5色彩模式3.3素描基础图3-4-18加色混合

减色混合（图3-4-19）是CMYK色彩模式的基础，我们常用CMYK来表示物体色的色值，这也是传统彩色印刷机调配颜色的基本方式。C、M、Y、K分别对应青色、品红色、黄色、黑色，印刷机通过这四种颜色的调配，混合出印刷品上的各种色彩。由于这种色彩模式基于减色混合，所以在明度和纯度上会比RGB模式的色彩偏低。

图3-4-19减色混合3.4.5色彩模式3.3素描基础图3-4-20色彩模式

在数字插画的创作过程中，需要根据实际情况，选择适合的色彩模式，也可以同时保存RGB和CMYK两种模式的文件，以用于不同的应用场景（图3-4-20）。3.4.5色彩模式3.3素描基础

光影是协调画面构图、烘托情感的关键因素，有意识地运用光影能够渲染强烈的氛围，让观者产生身临其境的感觉。在数字插画学习中，增强对光影的理解和练习是十分有必要的。而光影对于基本功的要求相对更高，不仅需要将画面中各物体的形体结构、空间布局了然于心，更要熟练掌握整体的素描关系，了解不同布光方式所形成的不同光影效果。3.5光影基础

光可以简单分为主光源、环境光、反光（图3-5-1）。

3.5.1光的种类3.5光影基础图3-5-1光的种类

自然界充当主光源的通常是太阳，日光是较为强烈的主光源，影响着所有物体的亮部。物体最清晰的阴影主要产生于主光源。绘画时需要注意分析光源方向，确定阴影位置和角度。3.5.1光的种类（1）主光源3.5光影基础

环境光以天光为主。天光即天空的光，是一种较为柔和的环境光，虽然覆盖面积大，但天光的影响相对日光来说比较微弱，影响着物体的暗部和阴影。天光作用下的物体投影较为柔和。3.5.1光的种类（2）环境光3.5光影基础

由于物体本身对光线的反射，物体彼此之间形成了一些微弱的影响，就是我们常说的反光。反光的强弱与物体间的距离有关，两个物体距离越远，则受到彼此的反光就越小。反光影响物体体积感的塑造，虽然微弱，但在完整的画面中不可或缺。3.5.1光的种类（3）反光3.5光影基础

光与影是不可分割的，影是光的重要衬托。投影的长度表达了光的位置，投影的虚实体现了光的强弱，以及光和物体之间的距离。3.5.2光与投影3.5光影基础

光的位置直接影响物体投影的长度（图3-5-2）。当光与物体处于同一水平位置时投影最长。因此在绘画中可以夸张投影的长度来强调光的位置，如表现早晨或傍晚的时间点就可以使用长投影。而在上午和下午，投影的长度会稍短一些，更接近于物体自身的长度。到了正午时分，太阳位于物体顶端时，投影最短。3.5.2光与投影（1）投影的长度3.5光影基础图3-5-2投影的长度变化

当主光源不那么强烈，或者主导光源不唯一时，在天光（环境光）的柔化作用下，物体投影趋向虚化，边缘较为模糊。当主光源处于主导地位时，物体投影才会清晰可见。除了光源强弱外，光源与物体的距离也会影响投影的虚实，离物体越近的光源所产生的投影边缘越清晰，当光源远离物体时则投影虚化（图3-5-3）。图3-5-3投影的虚实变化3.5.2光与投影（1）投影的虚实3.5光影基础

影由光而生，氛围通过光影来营造。有时我们为了烘托画面氛围，需要强化光影，这样有助于加强光感，产生聚光的效果，从而提升明暗对比，增强视觉冲击力。除了将亮部画得更亮、暗部表现得更暗以外，还可以从以下几个方面来考虑。3.5.3光影的强化3.5光影基础

暗点即画面中几乎不受任何光源影响的区域，这个区域是画面中明度最低、颜色最深的部分。暗点区域面积小，但分布的位置较多，一般存在于物体底部和有遮挡关系的位置。对暗点的强调可以有效地提高物体的体积感，强化光影（图3-5-4）。

图3-5-4《小园丁》作品中的强调性暗点3.5.3光影的强化（1）暗影3.5光影基础

画面的次暗处是明暗交界处，也是物体本身最暗的部分。物体亮部受到主光源影响，暗部受反光影响，在这两种光的相互作用下，明暗交界处受光最少，成为物体视觉上最暗的部分。在绘画中，我们常常通过强调明暗交界线的存在来强化物体体积感和整体光感（图3-5-5）。图3-5-5《戴珍珠耳环的少女》（维米尔）3.5.3光影的强化（2）光影交界处3.5光影基础

投影的明暗主要受到被投物体的明度和光的强弱两