绘画与平面设计

绘画与平面设计——差异性对绘画与平面设计〔以下简称设计〕，感受最深的莫过于平面设计师了。设计师不但需要具备绘画的根本造型技能与审美意识，更需要具备对形式美法则的特别理解和制造性的意念。便不成问题；而另一种人则认为，设计就是设计，有绘画的造型功底不见得就懂设计。持前一种看法，欲起到抛砖引玉的作用。现代绘画是共性的表露绘画的意义在于创，而创只有通过“共性化”才能够得以实现，重复的绘画没有生命力。回忆绘画进展史就会觉察，无论中国还是西方，每一位出色的大师都曾经制造过极端共性化的作考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在共性化上。通过作者对美的形“共性化”，以致不能被人们所承受。现代绘画共性化的表现还表达在五花八门的创手法上。当今的世界正走向一个信息高度发达的社会，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家思考的问题。在西方艺术表现形式日趋往往将一些不同种类的艺术式样相结合，以完成自己的艺术创作。这些光怪陆离的所谓“共性”的艺术品在现代艺术展中司空见惯，艺术家们完全不必考虑观众能否承受，而只表现自己的创。依附性是现代设计在商品经济中的本质反映设计与绘画最大的区分在于其对商品的依附性上。设计作为商品在为市场效劳时必需具备“包装”价值与“使用”价值。要想赢得客户的信任与满足，最终实现设计的价值，就必需通过市场竞争的考验，设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最终实现促销的日的。现实中几乎每一位设计师在为客户供给设计效劳时，都会尽量去迎合和满足客户的需要。一方面设计师必需站在客户的角度去揣摩他们的心理，以使自己的设计方案得以通过。另一方面，程中，设计师绞尽脑汁去思考去解释自己的作品，或许自己认为很满足了，但最终的评判还是客户对其设计能否通过。肯定就是“坏作品”。我们常常可以遇到这样的状况，设计师为某一设计出了一组方案，对其中的某个方案很满足，而客户往往选中的却是设计师自认为“陪衬”的方案，最终的裁决权固然是客户。设计师只有屈从于他们的“上帝”，这就是市场。设计对商品的依附性还表达在“市场”是设计的指挥棒。市场的强劲与疲软将直接影响设计行业的起伏。如1991年海湾战斗爆发之初，欧洲主要工业化国家的生产过剩，消费匮乏，市场处于严峻的经济萧条状态，生产停滞不前。荷兰的顿巴设计公司上门为一些厂家效劳时得到的答复是：“经济不景气我们临时不需要设计，现有的设计就足够了”。还有另一种状况是，当市场上某种产品在卖方市场状态，产品供不应求，厂家对“设计”也会不屑一顾。对混浊美的追来是绘画艺术的本质表达绘画与设计的区分不仅仅表达任“共性化”与“依附性”方面，还表达在对形式美规律追求的差异性上。“混沌”一词是“指宇宙形成以前模糊一团的景象”。中国人宠爱含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”本身就表达着一种不确定的耐人寻味的特征，这和中国的古哲学与宗教有关。中国古典绘画所表现的“空灵”、“气韵”，以及“墨分五色”，用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都在于这种“混沌”之美。性而已。它们不是设计的最终目的。我们从杉浦康公平大师的作品中就可以体会出这一点。具体来说：杉浦康平为敦煌设计的系列从书，从外表上他是在追求中国画“空灵”、“气韵”之境地，而更深刻的是他把敦煌中的图形元素，运用现代设计的根本构造原理加以组合。这种“空灵”混沌美的境地只是作为设计的一种手段而不是目的。期望最终能真正反映出这套系列丛书的内涵。这充分表示出大师的独具匠心和对绘画与设计关系的把握上。在西洋绘画方面，虽然流派众多，形式各异，但整体精神同样是在追求“混沌美”。古典油画尽管形态表现得细致、逼真，但其意境追求的则是浅显悠远，觉察出不确定的“混沌美”。而的梦幻，表达着不确定的“混沌美”，柏洛克则拎着颜料桶在画布上滴洒而不拘一格，他似乎是更接近在追求着“宇宙形成以前模糊一团的景象”。绘画对“混沌美”的追求还表达在对材料肌理的选择上。何种题材何种效果，需要何种肌理是绘画追求混沌美的表现之一。绘画，尤其是现代绘画，在一幅作品中选择综合材料已到了随心理的运用，以到达变化多端的目的。秩序美是平面设计的核心表达式是实体的具体化、丰富化、准确化。可以看出德漠克得特以原子构造来解释宇宙实体的内在形式，毕达哥拉斯派则以数理描述宇宙实体的外在形式，他们从天空星辰的布局中悟出了点、线、面的几何关系，从而把数推为宇宙的本体〔“宇宙”这个词在古希腊就包含着和谐、数量、秩序等意义〕。在设计方面，数对设计的影响，远的不说，仅从近代有关设计的理论，对平面设计的奉献就可以看出它的重要性。如瑞士设计家约翰·契肖德所制造的数字规律形体设计在书籍设计中的运用。再如设计家罗尔·罗塞利奥对哥特式内页边缘数值比例的觉察，即著名的九段划分法，他求出了开本宽度尺寸的一个1／91／91／91／91946·德·格拉夫依据罗尔罗塞利奥的九段划分法，求边缘的比例图，觉察了用几何计算的简洁方法取代九段划分法，这种方法被称为“蛇瓜式划分法”。在现代设计史上对20·科布歇。他运用建筑学的根本理论依据人体比例进展黄金分割，被称为模数设计体系。模数最初对于建筑形式有着重要的奉献，后来割。之后勒·科布歇将之变为44对级数变化心理反响所产生的秩序美进展设计。在勒·科布歇制造模数之后，欧洲各国设计师纷分析法和数在平面设计中的运用提升到了空前的高度，其特征是重视比例感、秩序感、连续感、清楚感。总之，它是以理性的数理为根底的形式法则在平面设计中的运用。平面设计的独立性表达在版式编排和字体形态上在着较大的差异，绘画作为单独的艺术形式其画面不存在文字的说明。既然绘画艺术可以无文字表述消灭，故此它也就不存在版式编排问题。通过文字形态的存在，其自身价值才能够得以充分表达。现代平面设计作为版面设计〔typography〕有两种意义上的版式编排：一种是图形与文字的结合，另一种是纯粹文字间的自由组合。这两种形式均可称为版式设计。但无论哪一种形式的版式设计都离不开文字的存在。一方面版式编排需文字组成，另一方面文字本身形态的差异也丰富了版式编排的多样性。从世界范围来看，各国各民族文字其形态演化的过程都来源于“画图记事”，与图相联系。假设把这种“图形”称之为“绘画”的话，那么文字和绘画在他们幼年时代本是同根同源。但从现代设计的角度或世界文明史的进程来看这一问题，就会觉察文字的形态特征明显已完全抽象地“独立”于“绘画”了。此外，在近一个世纪的现代设计进展历程中，前辈设计师们在实践中总对称、均衡、韵律、比照、分割等，以及黄金分割在设计中的运用，德国标准比例、动力对称学说、草席形、立体派风格、螺旋形、模数等等都集中表达了平面设计的独特语言。而影响版式编构。由此可见，设计有别于绘画是独立于绘画而具有时代特征的特地学科。绘画与设计的差异性表达在各自的实现方式上本质的区分。绘画虽然是一门艺术，但在制作过程中技术的成份占有相当大的比重。假设说绘画在艺术的列因素则是完成和实现这种制造性思维的最重要的手段。前文中曾提到的绘画是个体劳动并突出表现“共性”的单一行为。因此，这就打算了某一绘画作品，确定不能重复消灭，并且呈现给观众的必需是“手工”制作的真实的肌理材料。如油画，是用以油为结合剂的油性颜料画在布面或其它材料上。国画则以笔、墨、宣纸、帛以及水溶性颜料为主要肌理特征。而作为设计，其产生和进展都由“商业”行为而来，是随着商品经济的剧烈竞争而消灭的。脑的产生无疑给设计业带来革命性的变化。设计作品的“生产”方式更加表达了机器的智能化、工业化和系列化，越来越显示出“机器”的重要性。因此作为一个设计师不仅应懂得设计还要懂生什么样的效果，纸张的品牌、种类、性能将会影响设计作品的怎样质量