现代主义与电影运动 下课件

现代主义与电影运动（下）2、新德国电影

26名德国青年电影人于1962年在奥伯豪森国际短片电影节上发出宣言，号召建立“新德国电影”，宣言的发起人是HaroSenft，签名者中包括后来具有国际影响的大导演AlexanderKluge、EdgarReitz等。宣言的精神是“爸爸的电影死了”，此26人被称为所谓“奥伯豪森小组”，之后他们筹建了“德国青年电影基金会”，计划投资500万马克拍摄10部长片。由于资金困难，直到1965年“德国青年电影董事会”才正式成立。“奥伯豪森小组”在1982年被授予德国电影奖。新德国电影前后跨越三个时期，从六十年代持续到八十年代，是世界电影史上引人注目的电影现象之一。出现了克鲁克、彼得－沙莫尼、法斯宾德、荷索、文德斯、施隆多夫、沃尔夫冈－彼得森等艺术成就杰出的电影导演。“运用国际性的语言”“创造从形式到思想都是新的电影”等美学上的追求确实在新德国电影导演日后的创作中得以体现，同时他们的创作风格殊异，各具特色。新德国电影在人们心中已成为一个流派的标志。

新德国电影在美学追求和制作方式上有很多与法国新浪潮相似之处，主张“作者电影”和“艺术电影”，几百名导演从60年代中期到70年代中期拍摄了近千部影片，乌－格雷戈尔在《世界电影史》中评价法斯宾德的影片“并未根本改变电影艺术的表现手法；但这些影片却使”作家电影“摆脱了与公众隔绝的状态,产生了新型电影”。巴赞的长镜头理论提出之后，电影的艺术表现元素几近发展成熟，在基本电影语言上似乎已经没有新的可能性了。新德国电影正是在成熟的电影语言的基础上，将传统与现代派结合，注入了自身的特质。它并不是彻底的反戏剧、无理性电影，而是有着慎密的构思、完整的情节、丰满的人物形象和深刻的现实内涵。法斯宾德、荷索、文德斯和施隆多夫则把新德国电影运动推向了高峰。维姆·文德斯(WimWenders)1945年出生于德国杜塞尔多夫的维姆·文德斯在世界影坛上拥有举足轻重的地位和代表。凭借自己独具魅力的作品曾多次荣获戛纳、柏林、威尼斯等国际一流电影节的大奖，在他的著名电影作品包括《德州巴黎》、《美国朋友》、《柏林苍穹下》、《直到世界末日》中，流浪与疏离成为文德斯电影永远的主角，文德斯也籍由这两个元素在银幕上创造出一个个充满诗意与虚空感的世界。日本电影大师小津安二郎是文德斯的偶像，更曾经在八十年代专程前往日本拍摄纪录片《寻找小津》。

2004年2月至5月，的世界巡回摄影展“地球表面的图画”中国站在北京中华世纪坛艺术馆，上海美术馆，广东美术馆联手展出，引起了中国文化界艺术界巨大的轰动。德国著名的明镜周刊评价文德斯的文集：“文德斯是超然的魔术师。”除了电影领域，文德斯带领读者还深入到建筑，城市，录像技术，DV，时尚，旅游随笔等领域。文德斯的心爱之作《一次》和饱含细致洞察力的日记《我和安东尼奥尼一起的时光》也已以中文版在国内发行。令文德斯声名鹊起的是他的“旅行三部曲”：1974年的《爱丽丝漫游城市》（AliceintheCities）,1975年的《错误的举动》(TheWrongMove)和1976年的《公路之王》(KingsoftheRoad)。但使他成为新德国电影中最受欢迎的导演的作品是被好莱坞胡乱翻拍的《柏林苍穹下》DerHimmelüberBerlin（1987）,跟法宾斯德的大部分作品一样，影片充满了对战争和历史的反思、对在废墟上重建的生活的疑惑，但是却显得比法宾斯德更轻灵、更梦幻，在彩色也黑白的变换中，在NICKCAVE的《从她到永恒》的乐音中，在趋于沉默的日常对白与诗一般的天使的内心絮语的交替中，你能触摸到这个在遍地废墟中生长起来的电影人对于神话与历史、梦幻与人生的关系的深刻联系的理解。（三）新浪潮：作者电影和作家电影

1958年，克罗德·夏布洛尔的影片《漂亮的塞尔其》和让·鲁什的影片《我这个黑人》等一批较新颖的影片纷纷出现在法国银幕上的时候，法国《快报》周刊专栏记者法朗索瓦兹·吉鲁，第一次使用了“新浪潮”这个名词来谈论这些由不知名的年轻人制作的影片。它们打破了以导演资历为基础的制片方法，带给法国电影一种清新的气息。这时几乎所有第一次参加拍片的人都被戴上了“新浪潮”的帽子。就连阿仑·雷乃及拍摄的《广岛之恋》（1959）也被算作了“新浪潮”的影片。法国新浪潮电影运动是继欧洲先锋主义、意大利新现实主义以后的第三次具有世界影响的电影运动，它没有固定的组织、统一的宣言、完整的艺术纲领。这一运动的本质是一次要求以现代主义精神来彻底改造电影艺术的运动，它的出现将西欧的现代主义电影运动推向了高潮。这一运动有两个部分，一是作者电影，即“新浪潮”；另一是作家电影，即“左岸派”。1959年，特吕弗的《胡作非为》获得了戛纳电影节最佳导演奖，从此确立了新浪潮的地位。从1958年一1962年的5年间，大约有200多新人拍出了他们的处女作。它创造了法国电影史、也是世界电影史上的奇迹。《电影手册》（CahiersduCinéma）1950年由法国电影理论家安德烈·巴赞（AndréBazin）创办，每年評選在法国公映的“年度十佳电影”，參選電影來自世界各地，分别有“杂志专栏编辑”与“杂志读者“投票的两个版本。1962年《电影手册》杂志在特刊上正式使用了“新浪潮”这一名词，作为一次电影运动被载入史册。安德烈·巴赞——法国影迷的精神教父(安托万·德巴克语)和电影的亚里士多德1、影像本体论：（1）影像与被摄物同一：摄影机具有客观再现性，它具有不让人介入的特权；现实是多义的、具有不确定性；影片中所表达出的形式具有实在性（2）再现现实的时空性：电影再现空间和时间的机能“深焦距”（景深镜头）和长镜头的功能：电影是最具有现实性的东西，其真实首先是空间的真实。电影中的空间影像直接作用于人眼，因此观众感觉到的真实就是空间的真实，它是由于摄影机记录了物体的位置和它占据的空间所造成的。银幕不是画框而是一个局部的“遮光板”，它所提供的景象是一个可以无限延伸的外部世界，展现它的最好的手段就是“深焦距”镜头，而蒙太奇会破坏它。“长镜头”则可以保持时间上的延续性，再现某段真实时间的流程。“电影是现实的渐近线”巴赞（1918－1958）1945年，发表了电影纪实主义理论体系的奠基性文章《摄影影像的本体论》。50年代，他创办《电影手册》杂志、并担任主编。论文集：《电影是什么》（3）再现现实的完整性：电影的基础是照相术，具有满足人类追求逼真、完整地再现生活的心理需求，而实现这一功能最重要的手段就是长镜头和深焦距。2、反对蒙太奇至上论3、木乃伊情结——电影的心理学起源：“它涉及的不再是人的生命延续的问题，而是更广泛的概念，即创造出一个符合现实原貌，而时间上独立自存的理想世界”

4、电影语言的进化论：（1）电影语言进化史：电影语言希望被忽略是电影进化的必然。1920~30年代是导演相信“画面”（对故事的表述）的倾向占上风——电影技术手段远未完善，每一种技术的完善都被看作是电影语言、修辞手段和表达手段的演进，如，蒙太奇和特写的发展是对于无声的补偿；1930~40年间导演相信“真实”的倾向出现——电影技术逐步完善，电影与生活更加接近，内容被放到形式之上，真实成为主要问题。（2）景深镜头的美学意义：1920~39年优秀电影的分镜头原则基本上是蒙太奇手法，叙述由一系列镜头完成，一部电影分镜头基本上保持600左右，典型技巧是交叉蒙太奇；40年以后，这一原则被奥逊·威尔斯和威廉·惠勒打破A、使画面与观众的关系比现实与观众的关系更贴近，因而画面结构更具有真实性B、要求观众更积极地思考，甚至积极地参与场面调度，而不像蒙太奇一样被导演强制性地“引导”C、保持事物的含混与多义，使得意义的模棱性重新被引入画面结构之中，而蒙太奇则倾向于单义

《电影手册》聚集了一批青年编辑人员，如克洛德•夏布罗尔、特吕弗、戈达尔等50余人。他们深受萨特的存在主义哲学思潮影响，提出“主观的现实主义”口号，反对过去影片中的“僵化状态”，强调拍摄具有导演“个人风格”的影片，又被称为“电影手册派”或“作者电影”。

50年代中期，统治法国影坛的是相当老化的摄影棚影片，大部改变自19世纪小说，特吕弗批判这种“优质电影”引发大论战。他反对编剧的电影，反对建立在各部门娴熟技能之上的优质电影，推崇导演的重要性。他最喜欢的作者是让•雷诺阿、罗伯特•布赖松、萨沙•基特里、雅克•塔蒂、马克斯•奥弗尔斯、雅克•贝克、罗杰•林哈特或让•谷克多。稍后至50年代末，新浪潮更明确的表达出另一种电影，更轻灵生动，用新摄影机再大街小巷拍摄，不再在设影棚中拍摄。新浪潮现象很快对全世界产生了影响。从巴西到波兰，自捷克斯洛伐克至美国，都有青年影人效仿新浪潮掀起新电影。1960年完成第一部故事片《精疲力尽》，成为新浪潮的代表作。此后，他又执导了《一个女人就是女人》、《随心所欲》、《卡宾枪手》、《蔑视》、《疯狂的比埃洛》、《男性-女性》和《中国姑娘》。1968年“五月风暴”之后，戈达尔与当时法国学生运动领导人让—比埃·高兰组织了“维尔托夫小组”，声称他信奉苏联早期“电影眼睛派”创始人维尔托夫的理论，要用影片作为无产阶级革命的武器，同时，“为了摄制革命电影，首先应该对电影进行革命”。戈达尔和它的小组拍了一系列的“政治影片”。其中包括《真理》、《东风》、《意大利的斗争》、《直至胜利》、以及《一切顺利》。80年代后又开始拍摄故事片，1983年导演的《芳名卡门》在当年威尼斯国际电影节上获金狮奖。

让—吕克·戈达尔（JeanLucGodard1930年12月3日~）原籍瑞士，生于巴黎。原是《电影手册》和《艺术》杂志的电影评论员，后与F.特吕弗、C.夏布罗尔等人形成“电影手册”派。

特吕弗1932年2月6日生于巴黎，1984年10月21日卒于讷伊,

15岁即在巴黎发起组织电影俱乐部，并在工作中认识了A.巴赞。1953年进入法国农业部电影处工作，后在《电影手册》和《艺术》杂志任编辑和撰稿人，成为影评家。他曾跟意大利导演R.罗西里尼学习导演，1958年开始从事电影导演。他的影片基本上都是自编、自导，甚至自己还扮演片中角色。从他开始，出现了第一人称电影，第一部这类影片是《四百下》(1959)，在戛纳电影节上获得最佳导演大奖，以及纽约影评人奖年度最佳外语片等一系列荣誉。正如《纽约时报》所说，他是“一位安静的革命者，以传统的方式拍摄最不传统的电影”,在25年的导演生涯中，他执导了25部影片，拍摄速度几乎一年一部。其中13部获得重大国际性电影奖，如戛纳国际电影节最佳导演奖、法国恺撒奖、奥斯卡最佳外语片奖等。作品除《四百下》外还有《朱尔和吉姆》、《偷吻》、《美国之夜》、《阿黛尔·雨果的故事》、《隔壁的女人》、《夫妇生活》、《最后一班地铁》等。除了当编剧和导演之外，他还经常自己出演电影。同时，他也继续撰写电影评论，并完成了《希区柯克》和《我生命中的电影》两本著作，后者是他的影评自选集。（1932～1984）特吕弗的《论法国电影的倾向》是法国电影“新浪潮”的理论宣言。他的观点很大程度上被让．吕克．戈达尔、阿仑．雷乃等所推崇。１９５７年，他在撰写电影评论《法国电影在虚假中死去》之后就去了意大利，跟罗西里尼开始学习电影导演技术，于１９５９年导演了自己的第一部故事影片《四百下》讲述少年安东尼的成长故事,１９７９年在影片《爱情长跑》之中，插进《四百下》中的一些镜头，暗示同一个电影主人公历时性的成长过程。《四百下》的主人公安托万·杜瓦尔实际上是导演的替身或代言人。特吕弗后来还以这个人物为中心拍摄过五部一套的影片，继续叙述自己的少年时期、服兵役时期的景况和感受。作为法国重要的电影流派“左岸派”的成员，她不仅写出了《广岛之恋》(1960)、《长别离》(1961)这样出色的电影剧本，而且从1965年起亲自担任导演，从创作优秀影片《印度之歌》(1974)开始，每年都有一两部影片问世，而且有不少获得了国际大奖。杜拉斯的六十余种作品始终拥有广泛的读者和观众，其中最著名的是杜拉斯在七十岁时发表的小说《情人》(1984)，荣获了当年的龚古尔文学奖，并且被译成40多各种文字，至今已售出250万册以上，使她成为当今世界上最负盛名的法语作家。1996年3月3日，星期天，深受欢迎的法国当代女作家玛格丽特·杜拉斯走完了81年的生命旅程。她生前的最后一部作品具有一个预言般的名字--《这是全部》。MargueriteDuras（1914~1996）阿兰·罗伯-格里耶出生于法国西部城市布勒斯特，1944年毕业于法国国立农艺学院，专业研究方向是香蕉病虫害。其后，他长期工作于马提尼克。1953年，他在午夜出版社出版了首部小说《橡皮》（LesGommes），此后成为全职作家。1961年《去年在马里昂巴》（l‘annéedernièreàmarienbad）获得该年威尼斯电影节金狮奖。从1960年代起，格里耶本人也曾创作并导演过数部电影，有《欧洲快车》、《撒谎的人》、《欲念浮动》、《使人疯狂的噪音》等，他于1963年单独摄制的影片《不朽的女人》荣获路易·德吕克电影奖。2006年的《格拉迪瓦找您》（Gradiva）是他生前拍摄的最后一部电影。AlainRobbe-Grillet（1922~2008）“新浪潮”电影1958年诞生，1960年是高峰年，1961年是没落年，1962年是危机年。前后不过五年，但其经历的时间虽短，影响却巨大。

六十年代中期以后，美国、英国、西德、日本（小津安二郎、大岛渚）等国家也相继出现了“新浪潮”电影运动，中国香港“电影新浪潮”（许鞍华、王家卫等）和台湾新电影也有新浪潮的影子（侯孝贤、杨德昌），我国"第五代"导演的电影作品，外国人称之为"中国的新浪潮"。融舞台剧、电影、侦探小说、巴罗克与后现代风为一体的《八美千娇》（8femmes）（罗伯特.托马斯导演，编剧弗朗索瓦·奥宗）在2002年第五十二届柏林影展上，八位女演员集体获得银熊奖艺术成就特别奖和读者票选大奖50~60年代新写实、新浪潮和新德国电影在欧洲大地上迅速形成了一支电影新势力。欧洲的后现代电影正是在这个基础上形成的，那些在电影可能性实验之路上起着开创性作用的大师们的影响时时会出现在他们的作品中，但是新导演们似乎更执着于MV式的声画效果和商品化包装……Jean-PierreJeunet导演的《天使爱美丽》（2001）由大牌影星奥德丽和马修联袂出演。儒内早年凭借一系列颇有特色的短片确定了自己的电影风格，他偏爱于那些非同寻常、甚至带有卡通色彩的人物形象和超常规的摄影角度。整部影片充满了奇幻想象力，轻松幽默又不乏苦涩，巴罗克风格的色彩和卡通式的人物形象使它充满了童趣和怀旧之情。《罗拉快跑》（1998）大约有1581个镜头转换，71分钟的运动镜头，平均算每个镜头长2.7秒。汤姆．提克威TomTykwer执导的这部影片有类似于黑泽明《罗生门》的开放式结局，各种技术元素令人目眩：快速剪接，跳切，分格，低高速镜头转接，flash动画，照片蒙太奇色彩缤纷后现代（一）：欧洲处于前苏联影响下的原中东欧社会主义国家和南欧国家，在吸收了苏联时代电影理论和养分的前提下，发展出了融独特的地域风格、深厚的历史诗学和结构主义语言学于一身的电影理论，并将之用于电影实践中，在当代更是新欧洲艺术电影运动中一支重要的生力军。这些导演正在国际电影界引领着电影新势力。如波兰的基耶斯洛夫斯基（1941~1996）的《盲打误撞》（1984）《蓝》、《白》、《红》三部曲（1993）和来自马其顿的米尔柯·曼彻夫斯基（1959~）的《暴雨将至》（1994），已成为当代经典。Controller(2003)NimródAntal1973年出生于洛杉矶，1991年回到祖国，在匈牙利电影学院学习，并从事电视工作。1995年前往好莱坞发展。影片《地铁检票员》荣获04年戛纳电影节青年奖、芝加哥电影节金雨果奖以及欧洲电影最佳导演奖提名。Underground(1995):EmirKusturica1954年出生于萨拉热窝，70年代就读于著名的布拉格表演艺术学院导演专业，学生时代就以《格尔尼卡》（78年）赢得卡罗维·发利电影节学生最佳影片奖。毕业后回到家乡从事电视电影制作工作，同时参与多部影片。1989因《吉卜赛岁月》（88）荣获戛纳电影节最佳导演奖。后前往美国发展，从事电影教学与实际摄制工作，95年关于”消失了的祖国“的黑色幽默风格的电影史诗《地下》（或译《没有天空的城市》）为他赢得了第二枚金棕榈。（二）美国：1、独立制片人——好莱坞以久为了坚持自己的艺术品性，不惜为了电影投入全部的激情与智慧，创立自己的制片厂，拍自己想拍的电影。但是，他们往往因资金不足、无院线或传媒支持而破产或被收购，沦为大制片机构旗下的创作室；有人则被迫拍摄商业片以支持自己的事业；而且几乎所有独立制片人都得依赖于大制片机构或学院设立的奖金以及传媒集团的院线的支持，所以所谓“独立”，也只是相对而言的“独立”。由于经济原因，大部分独立制片投资规模都比较小，设备老旧，人力资源不足……但是他们中有的人仍然在坚持，以有限的物质资源制作出相当具有艺术水准的作品，更有一些人，如昆汀·塔伦蒂诺，善于变废为宝、点石成金，能玩转这个后现代影像世界这个典型的后现代电影玩家，不但在艺术电影圈中功成名就，而且在商业片场上也是炽手可热。2、好莱坞怪杰——伍迪·艾伦伍迪·艾伦（WoodyAllen，1935——），原名艾伦·斯图尔特·科尼斯本，出生于纽约布鲁克林一个贫穷的犹太家庭，在本地米德伍德中学毕业，曾短暂就读于纽约大学和纽约市立学院，但均被开除。15岁开始写俏皮话，用伍迪·艾伦的名字给一些报纸的专栏投稿，当过枪手，后被专栏作者推荐专为广播电台写广告中的俏皮话。1964年，伍迪为电视台编写并主演了《猫咪最近怎么样了》剧集。1966年，第一部舞台剧《别喝那水》在百老汇上演。1969-70年，由他编剧、主演的舞台剧《再弹一遍，萨姆》，在百老汇连演不衰，轰动一时，奠定了伍迪正式走向电影的商业基础。1966年初涉影坛的伍迪领着一班人马，把日本出品的一部名为《关键的关键》的侦探片重新剪接、配音，弄出一部日本007寻找拯救世界最美味的鸡蛋色拉配方的十分搞笑的讽刺性影片《出了什么事，老虎百合》。次年，编写并主演拿007系列影片“开涮”的搞笑影片《皇家赌场》。

1969年自导自演的《拿了钱就跑》正式开始了他自己的电影之路。在那以后，那个戴着眼镜、文质彬彬、异想天开、有几分羞怯、说话如同科学家一样云山雾罩又带着几分口吃、一心只想抢银行和演奏大提琴的行事笨拙的美国小个子和他那些普普通通又总有几分荒唐的配角组成的世界，成为热衷于波普艺术和解构主义的大学教授和青年学生追捧的对象。伍迪·艾伦：全美国中产阶级和学院派知识分子又爱又恨的颠覆型喜剧大师他早期名作《香蕉》、《性爱宝典》（一切你想知道又不敢问的性问题）和《沉睡者》（傻瓜大闹科学城）是对各种类型片领域的颠覆性戏谑。《爱与死》（75）开始影片逐渐显示出对于伯格曼的热爱，在叙事上则更加常规。《安妮·霍尔》（77），是他个人历史上最重要的一部影片，获得奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳编剧、最佳女主角4项金像奖，以及美国影评人协会、纽约影评人协会、金球奖、英国影视艺术学院等多项奖励，片中散布着琐碎的生活片断、个人回忆、偶发感触、闲散戏谑，既有人生艺术的感悟，又有深奥的哲理，伯格曼对人生和人际关系的思考和费里尼梦想与现实交织的痕迹在其中时有显现。《内心深处》（７８）让所有影评人和观众大吃一惊，——他们在《安妮·霍尔》之后把伍迪称作“卓别林之后最杰出的喜剧天才”，——竟是一部伯格曼式的悲剧作品。影片获得奥斯卡7项提名和多个最佳女主角的荣誉。《曼哈顿》（79）黑白摄影和格什温的音乐营造了一个朴素柔和的怀旧氛围，影片获得法国凯撒奖最佳外语片大奖。80年代，《汉娜姐妹》是伍迪的一个高峰：三个平行的，实际上互不关联的故事，组成了影片，也描述了汉娜姐妹三个复杂多变的家庭史、爱情史、心理史，悲剧和喜剧融为一体，写实手法中揉入超现实效果，富于音乐感的戏剧性结构，鲜明的色彩和层次感都有别于此前的作品；《星尘往事》（黑白片）则是自传性影片，把现代电影的技法发挥到极致，题材和手法与费里尼的《81/2》极其相似，以至于一些影评家一致把这部影片称为伍迪的“九部半”，伍迪认为这是自己最优秀的作品之一。

我们得庆幸这个在21世纪仍基本上保持一年一部电影的电影人依然健在，多年来，他将好莱坞和世界电影工业多种类型片玩弄于股掌之上，在业界的声望却远高于以后现代自我标榜的新潮“独立制片人”；他被学院派封为“后现代主义电影大师”，个人生活却招致清教主义学院派集体炮轰。

晚年的伍迪跟好莱坞和学院同时保持着既和谐又疏离的格调，近年来，连续在欧洲拍摄了《赛末点》、《卡桑德拉之梦》和《午夜巴塞罗那》等影片，小成本的《怎样都行》自2004年之后首次在家乡纽约执导的，而在伦敦拍摄豪华大制作《你会遇到高大黝黑的陌生人》。2011年《午夜巴黎》再次显露出伍迪作为一个美国人的巴黎情结。不论他娶了谁，观众依然期待伍迪式带有文化意味的后现代癫狂。（三）日本北野武（北野武、ビートたけし(罗马发音：KitanoTakeshi)

1947年1月18日生于东京。明治大学工学部肄业，当过出租车司机、脱衣舞秀场的喜剧演员，1973年与兼子清组成对口相声团体《TwoBeat》，活跃于电视及广播界，并以辛辣和黑色幽默受到欢迎，成为日本80年代相声热潮的灵魂人物。981年开始参与电影以及电视剧的演出，1983年第一次作为电影演员出演著名导演大岛渚执导的影片《圣诞节快乐，劳伦斯先生!》。1989年他取代著名动作片导演深作欣二，自导自演了处女作《凶暴的男人》而一鸣惊人，自此开创了自己独特的风格：黑色幽默的暴力美学。他的代表作除了深受黑泽明影响的典型的暴力电影如《花火》（1997）、《座头市》（2003）以外，还有温情脉脉的《那年夏天，最宁静的海》和《菊次郎的夏天》（1999），后现代闹剧《性爱狂