研修文档 音乐鉴赏课应把握的音乐要素分析

高中音乐鉴赏教学中应把握的音乐要素分析天津三中刘颖内容提要：在高中教育阶段艺术教育的学科——音乐鉴赏中，如果我们的教学能够准确的剖析音乐的基本表现要素与其传递信息之间的密码，就能够帮助学生更好的理解音乐传递的信息，更好的理解音乐的情绪和情感，同时也能更好的完成新课程所要求的音乐鉴赏课的教学任务。关键词：音乐要素旋律节奏和声音乐，熟悉而神秘。熟悉源于它无时无刻不在我们的生活中、生命里，我们对它充满了热爱与崇敬；神秘源于它对人类与生俱来的影响，我们却无法确定是怎样的力量使它与人类的文明并驾齐驱。伟大的音乐家贝多芬认为：“音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示……谁能透析音乐的意义，便能超脱常人无以振拔的苦难。”这位卓越的巨人在自己热爱的音乐事业中苦苦追寻。从新兴资产阶级的英雄情结，到真正的扼住了命运的咽喉，最终迎来了胜利的欢歌……他用音乐倾诉着心愿，他用音乐诉说着坚强，他用音乐使自己强大，他用音乐赞美生命的辉煌。不言而喻，音乐具有感化人、塑造人、拯救人的作用。当我们在非常愉快的时候，会一面唱着歌，一面手舞足蹈地跳着舞；当我们在非常忧郁时，忽然一支优美动听的旋律飘至耳畔，烦恼、不快立刻烟消云散，无踪无影；当男女之间欲表达爱慕之情的时候，会发自内心的歌唱；当自己的亲人朋友远离身边的时刻，出于诚挚的想念，以及期望重逢的心情，于是寄情于歌，这又是大多数抒情歌曲产生的由来……。如同其他的艺术形式一样，音乐始终焕发着迷人的光彩。那么它又是以怎样的方式传承着古今的文明，中外的文化？我们要研究的这种方式就是音乐的语言——即音乐的表现要素。在高中教育阶段艺术教育的学科——音乐鉴赏中，如果我们的教学能够准确的剖析音乐的基本表现要素与其传递信息之间的密码，就能够帮助学生更好的理解音乐传递的信息，更好的理解音乐的情绪和情感，同时也能更好的完成新课程所要求的音乐鉴赏课的教学任务。通过教学实践，现阶段高中学生基本能够充分感知和理解以下六种音乐表现要素：旋律、节奏、速度、音色、调式、力度、和声。旋律（melody）旋律亦称曲调，指经过艺术构思而形成的若干乐音有组织、有节奏的和谐运动。旋律是乐曲的基础，乐曲的思想感情都是通过它表现出来的。旋律将所有的音乐基本要素（这里指的是调式、音高、节奏节拍、强弱等）有机地结合在一起，成为完整的不可分的统一体。旋律离开了其它各种音乐要素是不可想象的，因为旋律的表现力和感人力正是通过音乐的各种要素作用和相互作用来实现的。旋律是音乐的灵魂，是音乐的基础，它体现音乐的全部思想或主要思想。文学家写一本小说，用文字叙述了小说的情节，这个情节比较容易记住，这一方面是由它叙述了现实生活中的事情，另一方面是由于人们可以回过头来重新回忆这个情节。音乐所描述的内容从本质说来总是比较抽象的（某些标题音乐例外），音乐的“情节”只能依靠旋律表达出来，因此，旋律在音乐中似乎相当于情节在小说中的地位。旋律是听众的向导，因此听众在接触一支旋律时，必须能够把它辨认出来，而且以后还要自始至终追随它的行踪。这是对于有理解力的听众的起码要求。如果你听音乐时既不能辨认旋律，又不能追踪旋律，那么你就没有必要听下去了，因为你只不过是模糊地感到音乐的存在而已。旋律亦是音乐美丽的轮阔。在这轮廓中，我们能够听到音乐的风格和情感。如中国古典音乐的旋律缠绵曲折，倾情诉说了中华民族古老的文明和华夏悠久的历史。中华民族特有的文化赋予了音乐无比美好、绝无仅有的美妙线条。这旋律的唯美无须任何复杂的修饰，简单自然的线条中，我们能够得到返璞归真的怡然与豁达，儒家道教的精髓与智慧。中华国乐中有锦绣江南的精致，亦有高山流水的惬意；有敦煌戈壁的智慧，亦有长江黄河的奔放。忘不掉那《茉莉花》的旋律在《图兰朵》中的华彩，《梁山伯与祝英台》的凄美爱情在金色大厅中的回响。同样是温婉的旋律线条，同样是柔美的情感意境，终因那充满浓郁民族特色的旋律，而渐渐成为永恒不衰的精品。节奏（rhythm）节奏指音乐中交替出现的有规律的强弱、长短的现象。节奏是音乐的最初形态，亦是音乐最重要的表现要素之一。节奏是音乐的骨骼，是连接旋律所必须的方式。一部音乐作品可以没有曲调，但绝不能没有节奏。中国戏曲中的俗语“一台锣鼓半台戏”中的锣鼓，就是节奏的表现形式。这句话充分说明了节奏的重要性。节奏作为音乐语言传递了极为重要的风格信息。听到例一的节奏时，你立刻就会被浓郁的新疆风格所吸引，和美丽的维吾尔族姑娘跳起欢快的舞蹈；听到例二的节奏时，你又会被带入西班牙的浓郁风情之中，仿佛身旁有一位斗牛的勇士和一位正跳着哈巴涅拉的吉普赛女郎。例一：xxxxxxxxxx例二：xxxxxxxxxxx节奏亦可以准确的描述音乐的情绪，当节奏密集紧凑时，通常表达的是急促、欢快或者喜庆的情绪；当节奏舒缓平静时音乐则描述抒情、美好、幸福和甜蜜的情感。三、速度（speed）速度是指音乐进行时的相对快慢程度。速度是音乐情绪发展的信号，我们可以直观的从速度的进行中体会音乐所表达的情绪信息。常用速度标记有五种：快速、中速稍快、中速、中速稍慢、慢速。音乐的速度和乐曲的内容有着密切的关系，一般情况下，表示活泼、欢快、热情等情绪与快速有关；表现优美、幽静、抒情的气氛与中速有关；表现沉痛、庄严、赞颂的音乐与慢速有关。速度，也是音乐节奏的一个重要内容。同样是三拍子，用快速，会给人以活泼明快的感觉，而用慢速，就会获得优雅、闲适的效果。如果你会跳舞的话，一定知道所谓快三和慢三的风格区别，通常快的节奏是比较令人兴奋的，它和我们激烈运动时的心跳、呼吸相对应，而慢的节奏则使人心态平和，情绪稳定。下面的例子对于速度在音乐中的作用是非常具有说服力的：“在冯小刚指导的电影《大腕》中有这样一个情节，在葬礼上为“乐哈哈”矿泉水做广告，民乐队演奏了《喜洋洋》的欢快乐曲，但是却不符合葬礼的气氛，于是编导做了调整，在一切旋律、配器都没有变化的前提下，将乐曲的速度由欢快转变成极慢的速度，顿时使一首热情洋溢的喜乐变成了一曲哀伤难过的悲调。这充分证明了当速度由一个极端走到另一个极端的时候，音乐所传达的情绪和情感都会随之发生变化。”在“音乐治疗”这门新兴学科中，音乐的速度是非常有效的一种治疗手段。给狂躁的病人听慢速的、节奏规律的音乐，能使他变狂躁为安静。而很多实践证明，接近于正常心跳的节奏如一分钟70拍左右，对人体极有好处，甚至可以使人头脑清醒，加强记忆，因此有不少人喜欢一边听这样的音乐，一边学习。四、音色（tonecolour）音色是指由于波形和泛音的不同所造成的声音的属性。每个人的声音以及钢琴、提琴、笛子等各种乐器所发出的声音的区别，就是由音色不同造成的。音色作为音的属性，在音乐作品中同样非常重要。有了音色的差别，我们才可以听到现今音乐千变万化的形式和形态。以人声来说，女高音嘹亮柔美，男高音挺拔高亢，女中音比较暗一些，浑厚而温暖，男中、男低音则是庄重厚实，给人一种坚定的感觉。乐器的音色种类就更丰富了，交响乐的兴盛和繁荣的重要原因之一就是各种音色的强烈对比和融合。弦乐器中小提琴的纤柔灵巧，大提琴的深沉醇厚；木管乐器中长笛的飘渺灵动，双簧管的优雅甘美；铜管乐器中小号的英雄气概、长号的壮丽宏伟……，作曲家对于音色的运用非常讲究，这些各种各样的声音特质对他们来说，就象是画家手中的色彩一样，会令他们的旋律、和声、节奏、力度产生鲜明的效果。每一种音色都有着特殊的意味。假设你要写一首描写男子汉英雄形象的进行曲，你不大可能选择小提琴、长笛、双簧管这一类音色纤柔的的乐器，而是会考虑响亮有力的铜管，如小号、长号。再假如，要写一首表达缠绵爱情的乐曲，定音鼓、大镲肯定是不行的。由此我们可以看出，音色有着特别的表现力。五、调式（mode）调式是指若干高低不同的乐音，围绕某一个有稳定感的中心音（即主音），按照一定的音程关系组织在一起，成为一个有机的体系，称为调式。调式是人类在长期的音乐实践中创立的音组结构形式。在不同的历史时期与不同的民族和地域，形成各种不同的调式。各种调式因其音阶结构、调式音级间相互关系以及音律等方面的差异，而各具特色和表现力。调式和其他的表现手法配合在一起，可赋予音乐以一定的表情素质和不同的风格。奥地利作曲家马勒在他的第一交响曲第三乐章《猎人的送葬行列》的主题音调中，就巧妙的运用了调式的变化来营造讽刺意味。为了符合森林里小动物们去给猎人送葬的情境，马勒将儿歌《两只老虎》的主题音调由大调式变成了小调式，将原有歌曲明朗的色彩转变为暗淡忧郁的色彩，辅以稍慢的速度和能够表示伤感的音色，使音乐在情绪发生了很大的变化。音乐虽然忧伤但又不是真正的忧伤，动物们隐藏在伤心外衣下面的窃喜心情在这样的转变中被淋漓尽致的表现了出来。各个地域的民族音乐可以直接从调式中感受到浓郁的民族特色，中国的五声调式，日本的都节调式等。调式使音乐闪耀着异常耀眼的光芒。六、力度（dynamics）力度是指音的强弱程度，而不是音响的强弱程度。力度是比较容易感知的表现要素，通过聆听就能够捕捉到力度的变化与情绪情感之间的密切关系。在由弱至强或由强至弱的不断变化中，每一首音乐作品都伴随着力度的持续变化。有了弱力度的铺垫，强力度才能表现出辉煌的张力。你一定没有听到过任何一首作品从始至终都使用同一个力度，没有力度的对比，音乐就会失去应有的魅力。力度在音乐中主要体现在以下几个方面：1、节拍中的力度。即每一种节拍中的基本强弱规律，我们在演奏、演唱时一定要遵循节拍中的强弱规律，而不能随意改动。试想如果将二拍子的乐曲唱成三拍子的强弱规律，那就会引起混乱。2、节奏中的力度。即在每一拍（或每两拍、三拍）中的节奏类型所产生的不同的强弱规律。如一拍两音、一拍三音、附点节奏、切分节奏、三连音……等等。3、旋律中隐含的力度。一般来说，音调向上（上行）会产生激昂、高涨的情绪，随之带来力度的渐强变化；音调向下（下行）会产生低沉、消极的情绪，随之带来力度的渐弱的变化。我们要了解这种旋律进行中的特点，并在音乐的演奏、演唱中遵循这种规律，才能够有良好的乐感表现。旋律中的乐句也隐含着力度的变化，一般来说，乐句常用的力度变化的形式是先渐强－然后渐弱，形成橄榄形。但也有先强后弱的、先弱后强的、先渐弱－然后渐强的……这种变化一般都和乐句的节奏、节拍结构相一致的。所以在演奏、演唱之前要仔细分析乐谱中的结构，找出其中隐含的力度规律。4、作品中所标记出的力度。这是作曲家为了表现特有的目的，有意识地对音乐布局安排的力度方面的变化。那么我们在演奏、演唱时就要遵从作曲家的意图，尽量按照作品的要求进行演奏、演唱。5、歌词中隐含的力度。这仅限于歌曲之中，就如同人们说话时有重点词语一样，歌词中也有需要强调的重点词，它一般为实词（名词、动词、形容词等），要着意强调出来，在演唱中就要加重语气。而虚词（助词、语气词等）在句子中处于次要地位，就不要用过大的力度，而要有意地弱化处理。总之，力度是表现音乐中不可或缺的重要方面，只要抓住力度的变化规律，就能够很好地表现音乐，从而塑造出准确的音乐形象。 七、和声（mode）和声是指同时发声的几个乐音的协调配合。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用，还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。和声在音乐中所起的作用大致有3个方面:①声部的组合作用。在统一的和声基础上，各声部相互组合成为协调的整体。②乐曲的结构作用。通过和声进行、收束式、调性布局等在构成曲式方面起重要作用。③内容的表现作用。通过和声的色彩、织体以及配合其他因素，塑造音乐形象、表现音乐内容。和声的处理是音乐创作的重要写作技巧，也是对位、配器、曲式等其他作曲技法的基础。有时，曲调也由和声衍生。和声是音乐学科中较为复杂的表现要素，现高中阶段的学生们未经过专业的音乐训练，学习中学生能够感受体验到和声的色彩、和声行进的方式即可完